jueves, 26 de diciembre de 2013

Anuario Teatral 2010, APT Columnas Teatrikando y otros (1er semestre)



LO MEJOR DEL TEATRO 2010.


LA LARGA CENA DE NAVIDAD: EL INEVITABLE TRANSCURSO
DEL TIEMPO

Por Perla Schwartz

Nueve décadas en la historia de la familia Balderrama, quien cada
año se reúne para celebrar gozosa la cena de Nochebuena, y el cómo
el transcurso del tiempo, por un lado la llena de nuevos integrantes y
por el otro, la merma, esa convivencia a lo largo de tres generaciones
con todo ese cúmulo de alegrías y tristezas del cual se conforma
la vida, es la premisa central de “La larga cena de navidad” del
talentoso escritor norteamericano Thornton Wilder, en una adaptación
y dirección de Otto Minera, quien el año pasado dirigiera “Eurídice” de
Sara Ruhl.

Un dejo de agridulce nostalgia recorre a esta obra, donde se
deja constancia fiel de la continuidad de la vida, los ausentes son
recobrados a partir del trazo de la memoria. Minera apuesta por un
montaje que es sencillo y colorido-para ello hace uso de algunas
pequeñas coreografías-, y permite el lucimiento de cada uno de sus
actores, aunque algunos de ellos tengan breves intervenciones.

El director sustenta su visión en un flash back al pasado, que en
momentos se roza con el presente, evanescente como una burbuja
de jabón. La familia Balderrama del norte de México, es de una
moral conservadora, pero sumamente unida, a pesar de algunas
desavenencias, pero prevalece entre todos ellos, el respeto y el cariño.

Los pilares son Lucía (Lumi Cavazos) y Rodrigo (Carlos Aragón),
ambos intérpretes demostrando sus capacidades histriónicas;
acompañados en un principio por mamá Lola (la joven Marissa
Saavedra, asumiendo el reto de interpretar a una mujer casi senil y lo
saca avante.

A ellos se suman, el primo Bracamontes (con una buena
caracterización de Emilio Guerrero), un hombre solitario y un tanto
adusto, siempre cada cena de navidad, es en medio de un paisaje

gélido y nevado.

Con el inexorable paso del tiempo, llegarán dos hijos Ángel (Arturo
Barba) y Sonia Franco interpretando con varios matices a Dolores,
la hija solterona. Y vendrán los cónyuges y los nietos, en una casa
que a lo largo del tiempo, se mantiene de pie, aunque cada vez más
deteriorada.

Pero la vida continúa y no hay vuelta de hoja.

Una funcional escenografía de Atenea Chávez y Auda Caraza,
complementada con la iluminación de Marcela Flores y un bello
vestuario diseñado por Cristina Sauza, hacen de “La larga cena de
navidad”, un grato montaje, el cual terminará temporada el próximo
domingo 16 de enero en el Teatro Wilberto Cantón.

Otto Minera deja en claro su creatividad, para un texto discursivo,
pero que sumerge al espectador en la complejidad de la existencia
humana, en las posibilidades infinitas de la solidaridad humana.
LOS ANTINAVIDEÑOS 2010: HUMOR NEGRO Y PATETISMO
Por Perla Schwartz
Como ya es costumbre, cada diciembre, Los Endebles en el
Teatro La Capilla presentan su breve temporada de los Cuentos
Antinavideños, una paráfrasis de las pastorelas, las cuales se
caracterizan por tener fuertes dosis de humor negro.
En esta ocasión Ginés Cruz y Mariana Giménez son los directores,
mientras que los dramaturgos, por estricto orden de aparición en
esta nota son Hiram Tinajero, Mariana Giménez y Daniel M. Olvera.
Los tres trabajos son monólogos, los tres surgen de anécdotas
reelaboradas y con algún elemento propio de la navidad.
Es así , como la función abre con “Estrella de Navidad o la Guerra
de las Galaxias”, tal vez el texto más flojo del conjunto, pero que se
salva gracias a la desenfadada interpretación de Jorge Alejandro
Suárez, un joven hijo de un narcotraficante, cuya imaginería se
sustenta en los personajes y elementos de “La Guerra de las Galaxias”
de Lucas.
Poco importa que los años hallan transcurrido, él continúa
guardando su niño adentro y sin ningún empacho lo hace saber.
“Maldita Beba” es un monólogo peculiar, dos mujeres están en
escena, pero tan sólo habla una amargada mujer cuarentona
(estupenda Carmen Ramos), quien sigue soltera, por hacerse cargo
de su hermana muda “La Beba” (Victoria Benet), ésta última al ser
muda, sólo se expresa por la mirada y la gestualidad de su lenguaje
corporal.
La mujer se siente atada a cadena perpetua con su hermana y a
ella le achaca todos sus males. Es el trabajo que escrito y dirigido por
Mariana Giménez, el más pensado para un público femenino.
Y finalmente los Antinavideños 2010, cierran con un texto construido
en una perspectiva escatológica, “Baltasar”, el cual es interpretado por
Hiram Molina, con gran soltura.
El fetichismo y sus consecuencias son trazados; la soledad llevada a
sus extremos en un texto con un buen trazo dramático, y a pesar que
hace reír, conmueve de manera profunda.
La temporada de los ANtinavideños, inició el pasado 18 y terminará
el jueves 30 de diciembre, a excepción del 24 y el 25, se lleva a cabo
en el Teatro La Capilla, bien vale la pena la vuelta.


EL AMOR EN EL OTOÑO DE LA VIDA EN
UN LARGO INTERMEDIO, DE NORMA ROMÁNCALVO,
BAJO LA DIRECCIÓN DE GERMÁN CASTILLO
 Por: Alejandro Laborie Elías
 Un sinnúmero de ocasiones hemos escuchado que el amor no tiene edades. El tema lo retoma la maestra Norma Román Calvo para llevar a escena este sentimiento, cuando los protagonistas están en el otoño de sus vidas, cuando el propio interesado piensa que no tiene derecho a disfrutar, menos a sentir lo que considera sólo debe acontecer en la juventud, en la obra intitulada Un largo intermedio.
          Bajo la dirección de Germán Castillo, el texto cobra vida. Una dramaturgia sencilla, sin mayores complicaciones de estructura, lineal y por lo mismo predecible; no hay un fondo interesante para profundizar en la reflexión; hay sentido del humor y es una comedia ligera que llama la atención que el montaje tenga lugar en el Centro Cultural del Bosque.
          Cinco personas de la tercera edad –tres mujeres y dos hombres- se reúnen para dar paso a un reencuentro de viejos compañeros de escuela, después de muchos años de no verse. Todos y cada uno van contando sus vidas, recuerdan sus primeros amores, las frustraciones de quienes esperaban se les declararan y no aconteció o a quienes les hubiera gustado manifestar su amor sin hacerlo. Todos se cuestionan si han sido felices. Una de las amigas feliz viuda, otra que le ha dado vuelo a la hilacha, otra que... Ellos, uno separado después de un matrimonio desastroso, el otro un solterón empedernido que no quiere saber nada de uniones formales.
          Cinco desilusionados que se reencuentran en una cena aburrida, intrascendente. Sin embargo, dos de ellos recordarán sus años mozos y las respectivas atracciones que sentían el uno por el otro y… como cuento de hadas un final feliz ante la alegría, real o fingida, del resto del grupo.
          La historia es protagonizada por Martha Aura, María de la Luz Cendejas, Bárbara Eibenschutz, Humberto Yáñez y Felio Eliel. Las actuaciones son bastante disímbolas, diversos estilos y técnicas para abordar la propuesta dramatúrgica y de dirección, esta última de lo más elemental y sin asumir ningún riesgo.
          Lo mejor, actoralmente hablando, es Marta Aura –quien está más guapa que nunca y con una gran personalidad- ella se roba la puesta, apartándose en ocasiones de la comedia para entrar de lleno en un teatro serio. La participación de María de la Luz es interesante, ya que no es un género donde se le vea frecuentemente y junto con Marta son el alma de la obra. Bárbara, por increíble que parezca, desconcertante, en ocasiones metida de lleno y en otras distraída, sobre todo cuando se desplaza por el escenario; no como justificación pero si como explicación , tal vez se deba a que sufrió un accidente que le afectó uno de sus pies, hecho que obligó a suspender algunas funciones después del estreno.
          Humberto y Felio para llorar, ambos se encuentran en las postrimerías como actores. Planos, poco emotivos, en ocasiones más recitando que expresando con emotividad sus diálogos y con cero gracia cuando se trata de provocar la risa en los espectadores.
          En concreto una puesta en escena muy pobre, sin ninguna pretensión estética o artística. Es un lástima porque se esperaba más de Germán y su equipo actoral, salvo Marta y María de la Luz por lo antes expresado. Rescatable la escenografía más que realista del propio Castillo.
          Un largo intermedio, título que hace alusión al tiempo que pasó para que la pareja que concretiza su reencuentro sentimental, desde que eran estudiantes en la preparatoria hasta llegar a la tercera edad y convertir en realidad el sueño que duró varias décadas.
          La obra de la maestra Norma Román Calvo es representada en el Teatro Orientación, del Centro Cultural del Bosque, en la Ciudad de México, los jueves y viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.
 Diciembre 2010
Varias Pastorelas y un gran montaje en el Galeón
Por BENJAMIN BERNAL
Pastorelas:  Exconvento de Churubusco y Helénico

Llegaron la tradicional lucha del bien contra el mal, en el convento de Churubusco, ubicado en la calle de Xiconténcatl , cerca del Metro General Anaya, se puede ver a Lucia Guilmain, Carlos Pichardo, Salvador Hurtado, Daniel Abundis, David Parrilla, Dante Cerone, Gerardo del Valle, María Sánchez, Nancy Gama, Meztli Piña, Gigi Avilez, Ensamble Barroco, Músicos Norma Villarreal (Ars Antiqua) Flautas, Miguel Amin, Violin. En este hermoso jardín han estado El Loco Valdez, Carlos Rico, Pablo Cheng. Lo diferente es que siempre hay piñata, tamales, atole, para que la familia viva una experiencia singular. Es la huerta del museo del General Anaya, el que dijo “si tuviérmos municiones no estarían ustedes aquí”
En el Claustro del Helénico estará la tradicional pastorela Mexicana, con Rogelio Guerra, Enrique Chi, Raúl Greco, Montserrat De León, actores que encabezan el elenco, el Director y Productor es Rafael Pardo, lo diferente es que se ha construido con dichos y refranes populares “La tortilla y la mujer se deben comer bien calientes, pues si la dejan enfriar ni el diablo les mete el diente; vámonos muriendo todos que están enterrando gratis; si el trabajo es salud, que trabajen los enfermos” También recomendamos la Pastorela de El Círculo Teatral, en Veracruz 107, Condesa, dirige Victor Carpinteiro,entrada libre.
 
Veintidos, veintidós, en el Galeón



En el Teatro Ofelia, Thiers y Ejército Nacional, se puede ver esta obra de Odin Dupeyron, que actúa con Mauricio Ochmann. El tema es vigente y candente, Mauricio es un hombre de mediana edad, con una trayectoria llena de éxitos y fracasos, cuando lo vemos ya ha decidido pasar a mejor vida. Sin embargo, no acaba ahí la obra, empieza, entra en esa habitación un enigmático personaje, que podría ser un ángel, duende, demonio, médium o fantasma, ha recibido la encomienda de hacer un recuento, del pasado del humano. Es un trámite que no esperaba pasar.¿Qué puede reflexionar en estas circunstancias? Quizá se enfrente uno a revisar decisiones actuales y pasadas, que tendrán repercusión en el futuro. No debo platicarle más, debo decir que al tiempo que se ve la angustia del recién fallecido, cada quien tiene  pensamientos acerca de su propia biografía, logrando así una catarsis colectiva, que es la misión primordial del teatro. Sábados 6 y 8 p.m. Impactante.

Por el gusto de morir bajo el volcán, El Galeón

Rafael Sánchez Navarro tiene uno de los roles más difíciles en su carrera, logra sacarlo con gran talento. David Hevia adapta la novela de Malcolm Lowry y también dirige. Quizá recuerde el libro, calificada una novela fundamental para México. Retrata a un diplomático, dipsómano, que vive en el Casino de la Selva, legendario hotel que estuvo en Cuernavaca. La trama tiene sabor a Tennesse Williams o Eugene Oneil, presenta seres decadentes en un mundo de apariencias. Le acompañan Marina de Tavira,Sergio Cataño, Miguel Cooper, Miguel Conde, Miguel Angel López, entre otros roles para enmarcar esa extraña mezcla que logra Hevia. Hay caprichos como meter un gallo de pelea, una ¿teibolera? y la feria pueblerina cercana al dia de muertos, excelente obra para ver actuar a un señorón de las tablas, en una obra demasiado larga, pues nos hizo estar tres horas en el Galeón. Excelente.  

  
Teatrikando
Fela Fábregas es la mujer del año

     



Por BENJAMIN BERNAL
Un grupo de talentosas damas organiza desde hace cincuenta años, la entrega de éste reconocimiento: entregan una estatuilla y anillo de Diamantes Tiffany a una mujer.  Gaby Vargas, Silvia Pinal, Lolita Ayala, Ma. de los Angeles Moreno, Julieta Fierro, estuvieron en el presídium, entre otras, ceremonia que se realizó en el señorial Alcázar de Chapultepec para celebrar a la dama que se ha distinguido por una vida de talento, Fela Fábregas, a quien damos el más cordial de los abrazos por este reconocimiento nacional que está dando la vuelta al mundo, no necesita presentaciones, es eje de la dinastía Fábregas, cuya anterior cabeza fue Manolo, es una mujer valiosa para México, dueña del Centro Teatral Privado más importante de Latino América y quizá del mundo, además de productora. Los socios de APT nos unimos al júbilo de la familia Teatral.  
Moby Dick
     
Texto singular en que todo se explica, evitando dejar que las acciones muestren lo que estamos viendo. Para mi gusto es mejor el teatro en tiempo presente (aquí y ahora) donde el guión vaya marcando el paso del tiempo mediante multimedia (que si hay) voz en off, otro tipo de ayudas (que también hay) para dar vida a la novela de Herman Melville (1819-1891) en que hay dos líneas de acción el hombre contra el mar y también contra un magnífico ejemplar de ballena. Se enfrentan Ahab con una ballena blanca, que simboliza el mundo, así como el entorno que le rodea podría ser la humanidad, cada uno es parte de los vicios y virtudes de la humanidad. El primer acto estuvo apoyado en su micrófono, magnifica cada emisión (¿en un foro pequeño?) en el segundo descubrimos al actor sólo frente al público, sin electrónica. Victor Civeira desempeña múltiples personajes bajo la dirección de Lorenzo González Letechipia y algunos personajes incidentales. Lo más destacado es la evolución limpia de Victor, que seesfuerza por transmitir su mensaje. Su calificación es alta, si fuera boleta del uno al diez; se puede ver en el Wilberto Cantón los miércoles a las 20 horas.
Tonantzin en la Carpa Geodésica
 
Germán Gastelum nos invitó a ver el ensayo general de Tonantzin, obra de Agustin Morales Carvahlo, tuvieron la presencia de aficionados y familiares. Me llama la atención el vestuario, el uso de espacios, las actuaciones de todos y cada uno de los numerosos integrantes de esta compañía. Se planea estrenar al tiempo que festejamos el 12 de diciembre, dia consagrado a rendir homenaje a esta figura mítica importante para los mexicanos. Hace muchos años leí a García Icazbalceta acerca de la historicidad  de la Virgen de Guadalupe, años más tarde supe que Tonantzin era la deidad prehispánica que veían en la imagen que conocemos. Disfruté mucho la entrega de los actores y la disciplina que aplica Gastelum, su director. La música es muy agradable así como las letras, a través de las cuales se narra esta visión antagónica, de los españoles, los nativos de América y las dos religiones; he escuchado disertar a Miguel Sabido acerca de esta etapa, ambos no hablaban el idioma del otro y tampoco querían aprenderlo. Cada quien tenía en mente distintas interpretaciones para el ícono. Se podrá ver los domingos a las 19 hs, frente al Monumento a Obregón.
FRAGMENTOS DE UN DISCURSO EXPRESS
Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro
El amor, sublime sentimiento que en principio todo lo puede, todo lo soporta y todo lo perdona, puede ser, y es, la fuente de la que emanan todas las desgracias existenciales que llevan a la persona a sucumbir en el laberinto de la desgracia sentimental.
Este es el tema fundamental de la puesta en escena Fragmentos de un discurso express, tratado sobre el amor, híbrido basado en Fragmentos de un discurso amoroso, de Roland Barthes y en Chungking Express , de Wong Kar Wai, adaptados para el teatro en una versión libre por Laura Uribe.
La trama gira en torno a un policía, He-Quiwu, y una aeromoza, May. El primero, después de un encuentro circunstancial, se prende de la mujer de una forma fatal, amor que durará por siempre, con la salvedad de que no será correspondido. El infeliz ve en todas las mujeres a su amada y se va relacionando con otras que, curiosamente, llevan por nombre el mismo que lo perturba.
El infeliz queda a la espera de un cambio de actitud de su amada, mientras tanto se dedica a comprar latas de piñas en almíbar con la fecha de caducidad 1º de mayo, que es el postre favorito de May, además de que es el día en que festeja su cumpleaños: “Si May no ha cambiado su decisión cuando haya comprado 30 latas, entonces su amor también habrá caducado”. De la misma forma los actores-personajes se preguntaran si el sentimiento ha caducado.
Una historia de amor volátil, sin bases sólidas, un amor espontáneo que se aferra a lo que no es, a lo que se cree debería ser, a la estupidez en la que se hunden y la lucha en la que se enfrascan todos aquellos que viven para el ser amado, esperando una correspondencia que nunca se dará. Un hombre que deambula por el mundo sin más ilusión que la que su propio engaño alimenta, una historia fragmentada como la vida de su protagonista.



Laura Uribe asume una adaptación peculiar, en el fondo toma las ideas, las interpreta y reinterpreta para el escenario, para un espectáculo alternativo donde lo parte plástica es esencial.
A partir de un espacio vacío, los dos actores –la actriz caracteriza varios personajes- se regodean en una danza de cortejo amoroso, las coreografías, al menos en principio, son el alma de la propuesta y las palabras sólo sirven para expresar ideas vagas pero con el suficiente contenido para ubicar el contexto, todo apoyado en una multiplicidad y diversidad de géneros musicales (pareciera que los temas salen de una rocola de cantina).
Marianella Villa y Rodolfo Guillén son los responsables de dar vida escénica a la tormentosa relación. Ella, una mujer bajita de estatura sin mayores atributos físicos, explota de manera sorprendente su gracia y talento, enriquece el espectáculo alternativo con su agilidad y dotes para el baile – las coreografías no siguen los cánones estrictos de cada uno de los géneros que se interpretan-, lo que a la postre redunda en que Marianella sea el alma de la propuesta de Laura. Rodolfo denota deficiencias actorales, falta de condición física y regular expresividad, sobretodo si se parte del desgarramiento emocional que padece su personaje.
Laura se inclina por una literatura del movimiento, por la sensualidad corporal, por el soporte de quienes están en escena no por lo que está en el escenario, por una pantomima descriptiva. Una iluminación sencilla y provocar la imaginación del espectador.
Un detalle interesante es que la obra concluye, al menos es lo que se pensaría. Los actores dan las gracias e invitan a quienes deseen retirarse a hacerlo y a los que decidan quedarse unos minutos más… hay otra historia, un epílogo que…
Una adaptación y una propuesta alternativa para adentrarse en las penalidades del amor, misma que se representa en el Centro Cultural de la Diversidad (Colima 267, Col. Roma), de la Ciudad de México, los miércoles a las 20:30 horas.

¿QUIÉN ES MACBETH?
Eugenia Galeano Inclán
28 de noviembre de 2010
Con tanta opción que nos ofrece la cartelera teatral citadina, cada vez es más difícil elegir qué obra debemos ir a ver. En ocasiones, basamos nuestra preferencia en el autor, otras tantas en el grupo o compañía, nos puede llamar la atención el director, o bien, el elenco. De cualquier forma, lo que habremos de ver queda sujeto al talento empeñado en la realización del montaje, a nuestro gusto personal e incluso al sentir individual del momento, toda vez que, según nuestras propias vivencias o percepciones, una obra nos puede llegar más que otra en un momento determinado. Ahora bien, entre las propuestas de teatro alternativo, aun cuando no conozcamos a fondo la obra de un autor y el elenco nos sea totalmente desconocido, podríamos llevarnos una grata sorpresa, como es el caso de la obra de la que comentaremos en este espacio. Se trata de ¿Quién es Macbeth?, una adaptación de Medardo Treviño sobre la obra de William Shakespeare.
Medardo Treviño vio su primera luz en el Rancho El Chapotito, ubicado en el municipio de Río
Bravo, en Tamaulipas. Inicialmente había pensado dedicarse a la medicina, para cuyo estudio
viajó a Monterrey. Por cosas del destino, tras conocer a Luis Martín y a Lola Bravo su vocación
se inclinó hacia el teatro. Lo más probable es que la semilla de esta vocación haya sido sembrada por la abuela de Medardo desde sus primeros años de vida, pues él la reconoce como una narradora imaginativa y espontánea que inventaba cuentos e historias para entretener a los nietos. Ya imbuido en el ámbito teatral, cursó talleres con Hugo Argüelles, Enrique Mijares y Oscar Liera, entre otros. Desde ese entonces, el motor de su vida es el teatro. A lo largo de su vida laboral se ha desempeñado como actor, director, dramaturgo, promotor cultural y periodista.
En la actualidad tiene tras de sí una extensa trayectoria llevando el teatro tamaulipeco más allá
de cualquier frontera. Entre los múltiples premios que le han sido otorgados destacan, por su
importancia, el Premio Nacional de Dramaturgia Emilio Carballido que obtuvo el año pasado, su designación como Creador Emérito de Tamaulipas en este año y su reciente ingreso al Sistema Nacional de Creadores.
Consciente de los problemas que actualmente aquejan al país, respetuoso de quien quiera alzar la voz sea en contra o a favor, ávido testigo de las fuerzas políticas, de la lucha de poderes, lector incansable, y conocedor del sentir humano, Medardo Treviño apuesta a un teatro experimental en donde utiliza todos estos elementos para traducir su teatro en vehículo social. La obra ¿Quién es Macbeth? gira en torno a los momentos previos al suicidio de Lady Macbeth cuando para tomar la decisión final se enfrenta con todos sus miedos, temores y repulsiones. Tomando como base el texto del atemporal y siempre vigente William Shakespeare, Medardo crea un concepto propio de gran impacto. Un concepto integral que es respetado de principio a fin no sólo por él sino por todo su elenco en un montaje excepcionalmente logrado, en donde habrá de participar en forma activa el espectador común. Desde la tercera llamada integran a los asistentes, uno a uno, conforme van ingresando al teatro.
¿Quién es Macbeth? está plagada de afligidos personajes que no logran serenidad alguna ni para dormir, teniendo que cargar a cuestas equipajes repletos de pesadillas o sentencias, presas de la ambición y del deseo, objeto de maldiciones, acechados por sus propias culpas en todo trance, con la muerte pisándoles los talones, sólo logrando transmutar la realidad en pasajes oníricos que quizá los atemorizarán más que sus verdaderos contrincantes. Personajes que no tienen forma ni sexo, a veces, brujas, a veces humanos. Para encarnar a estos seres, Medardo cuenta con la complicidad y entrega absoluta de su elenco formado por Mónica Gómez (Lady Macbeth), Víctor Arellano (Macbeth), Taydeé Hernández, Carlos A. López, Salev Setra, Armando Garrido y Pepe Navarrete (Brujas). Actores que entregan cuerpo y alma en cada función, totalmente comprometidos en el proyecto, ofreciendo un trabajo actoral y corporal descomunal. Sin desmerecer en lo más mínimo al resto del elenco, pudiéramos decir que sobresale en cierta medida la interpretación de Mónica Gómez, quizá por ser la única mujer, de frágil figura que contrasta enormemente con sus atléticos movimientos, con una presencia escénica de gran fuerza y capacidades corporales ilimitadas.
Magnífica labor desempeña Medardo Treviño en la multiplicidad de sus funciones, como autor, director, diseñador de escenografía (junto con Norte Sur Teatro), diseñador de Vestuario (junto con Taydeé Hernández y Norte Sur Teatro), Productor Ejecutivo (también junto a Norte Sur Teatro) y como iluminador activo.
El resto del equipo creativo está conformado por Mónica Gómez como Asistente de Dirección,
Taydeé Hernández en la Coreografía, Rudy de la Fuente en Maquillaje y Peinado, Arturo Honorio en el Diseño de Iluminación, Salev Setra y Taydeé Hernández en la Selección Musical y Salev Setra como entrenador de animales.
La coproducción de CONACULTA, el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Coordinación Nacional de Teatro y Norte Sur Teatro ¿Quién es Macbeth? se presentó en el Teatro Jiménez Rueda del 25 al 28 de noviembre de 2010. Durante su presentación en Tampico la obra obtuvo diez premios y su derecho a presentarse en la Muestra Nacional de Teatro.
Una gratificante puesta en escena con pocos recursos, grandes sorpresas y tremendo impacto. La recomendamos ampliamente, sugiriéndole no pierda la oportunidad de ver una última función en el Distrito Federal el MARTES 30 DE NOVIEMBRE en EL CÍRCULO TEATRAL a las OCHO DE LA NOCHE. Procure llegar temprano, el cupo es limitado.

MEDARDO TREVIÑO RESPONSABLE DE UNA IMPRESIONANTE REINTERPRETACIÓN DE MACBETH
Por: Alejandro Laborie Elías
 William Shakespeare, probablemente sea el dramaturgo que más es llevado a escena en el mundo, tanto por la belleza de sus textos como por la profundidad de los temas que trata. Ningún director se considera pleno si no ha montado alguna de sus obras, sea en la forma tradicional o convencional, o por arriesgar hacia nuevas propuestas, relecturas, adaptaciones, estilos, cambios de géneros o un largo etcétera.
          Medardo Treviño, director tamaulipeco no es la excepción. Tuve la oportunidad de conocerlo alrededor de hace 20 años, en Ciudad Victoria y desde ese entonces su ímpetu juvenil lo llevaba a asumir propuestas de vanguardia, en una época donde las dificultades eran muchas, donde la moral provinciana no aceptaba que los directores se salieran de los convencionalismos estéticos y éticos, sin embargo a él eso no lo detuvo.
  Al frente de un grupo de entusiastas, retadores e irreverentes actores se comprometió con sus ideales teatrales, lo que a la postre lo convirtió en uno de los más destacados representantes del teatro del noreste de la República Mexicana. El tiempo ha pasado y para fortuna de quienes lo conocemos y respetamos, su necesidad de apartarse de lo fácil, de no agradar a quienes no ven más allá de sus narices, Medardo continúa sorprendiendo, provocando, retando al espectador para que amplíe su panorama teatral.
 Su teatro podrá o no gustar, lo cierto es que no pasa desapercibido, siempre quedan en la memoria sus montajes. En el caso que nos concierne para efectos de esta nota, la puesta lleva por título ¿Quién es Macbeth?, adaptación sobre la obra de William Shakespeare.
 Si bien el “nuevo” texto conserva la esencia y las condiciones propias de los personajes, Medardo le da un enfoque actual, contemporáneo, pero por ello no se debe entender o creer que lo que hace es traer la trama y a los protagonistas a nuestro México contemporáneo.

Lo que concretiza es extraer el fondo con otra forma para penetrar, taladrar y ensangrentar el alma de aquellos cuya indiferencia a la violencia, traiciones, impunidad y… reaccionen. Creo, a título estrictamente personal, que al igual que Shakespeare -toda proporción guardada- Medardo toma una historia que sucede en cualquier parte del mundo para mostrar la realidad que acontece en el mundo real en el que vivimos los mexicanos.
 Un escenario en penumbra, donde los personajes transitan como fantasmas de una realidad que existe pero que no se quiere ver. Aquí cabe destacar que la mayor parte de la iluminación se realiza con lámparas de mano -creo que se les conoce comúnmente como sordas- manipuladas por los mismo actores y dos personas de apoyo en el proscenio. Un efecto difícil de explicar con palabras, porque el teatro es para verse no para contarse. Lo cierto es que a partir de una concepción lumínica de los más sencillo, logra efectos de luz y sobras impresionantes.
 Otro aspecto a destacar es la unidad del espectáculo. De principio a fin es homogéneo con el planteamiento de Medardo no hay “locuras” u ocurrencias a medio camino. Un montaje inmerso en la violencia, pero no descarada sino a partir de simbolismo que adquieren, si se me permite la estupidez, un tono poético; un modo de asumir la fealdad de la humanidad para crear una belleza teatral. La sencillez llevada hasta sus últimas consecuencias para crear una complejidad a partir de la nada, que en principio es injusto, porque la “nada” es el talento para crear a partir de la imaginación, de lo onírico, de la necesidad de ser y estar.
 La sangre corre por el escenario, dos estructuras se transforman en todo sin dejar de ser nada.  El vestuario desgarrado es el alma misma de quienes se debaten en la lucha por el poder. La traición y el asesinato en la que viven nuestros políticos queda a la luz en medio de la penumbra que demuestra la vasca que es la política en todos los tiempos. Medardo conjuga a la perfección reflexión y arte.
 El elenco, integrado por tan sólo siete actores, se compenetra de lleno en el planteamiento del director; ninguno se antepone al resto, una unidad actoral impecable, asumiendo riesgos físicos e histriónicos. Todo o nada.
 ¿Quién es Macbeth? se presentó en la Ciudad de México, con tan sólo dos funciones en el teatro Jiménez Rueda, provocando la admiración del respetable, que en más de algún caso se conmocionó y sorprendió con el buen teatro que se hace en el interior de la República Mexicana, en concreto en Tamaulipas. Se programo una función más en el Círculo Teatral y sin haberla visto y prejuzgando no es el espacio conveniente para la puesta, partiendo de sus limitadas dimensiones.
 En fin, para aquellos que tengan la oportunidad de ver esta puesta en escena no lo duden ni un minuto, si no quedo a merced de sus reclamaciones aunque termine como Macbeth.
Noviembre 2010

LUMI CABAZOS Y CARLOS ARAGÓN PROTAGONIZAN
LA LARGA CENA DE NAVIDAD

Por: Alejandro Laborie Elías
Una de las grandes fiestas que se celebran en buena parte del mundo es con motivo del nacimiento de Jesús, ocasión que reúne a las familias en torno a la mesa para compartir los alimentos e intercambiar regalos, además de que es la oportunidad ideal para olvidar rencores y perdonar ofensas. La Nochebuena también es motivo de tristeza para muchos, sobre todo cuando por primera vez no estarán los seres queridos que se han adelantado al más allá.
          Este es el punto de partida de la puesta en escena La larga cena de Navidad, de Thornton Wilder, bajo la dirección de Otto Minera, que tiene como peculiaridad –en clara alusión al título- que el convivio tiene una duración de noventa años, a pesar de que el montaje se desarrolla en tan sólo hora y media.
          Se trata de una pieza, que como tal tiene poca acción, muestra aspectos cotidianos que a pesar de ser poco complejos aunque si frecuentes, sirven al o a los personajes –y al público- para extraer conclusiones importantes que transforman sus vidas. Más que una acción externa hay una acción interna.
          Cabe destacar la excelente dramaturgia del estadounidense, quien con sólo una palabra o un diálogo logra que el espectador capte que han pasado uno o varios años, aún cuando no hay cambios bruscos de escenas, apagones o telonazos. Cuatro generaciones transitan frente al público y transmitirán su sentir, su devenir y mostraran mucho de lo que hay en su interior.
          El texto no es un tratado sobre la condición humana o sobre las tradiciones sociales, de forma sencilla aborda la cotidianidad de la vida y de la muerte; de cómo las familias ven llegar nuevos miembros y a la par otros parten; generaciones que dan paso a las siguientes, porque el mundo continúa girando y sólo los protagonistas se van sucediendo.
          Sin embargo, una cosa es el texto donde el dramaturgo puede escribir y sugerir todo lo que desee y otra, muy diferente, es que el director logre el cometido. En este caso concreto, Otto Minera –también responsable de la traducción y adaptación al ámbito de la sociedad mexicana- con algunas modificaciones en el vestuario o aditamentos como anteojos o pelucas y algunos toques de maquillaje que se hacen frente a los espectadores, concretiza en el escenario el trascurrir del tiempo.
          Otto, con el apoyo de Humberto Spíndola (arte), Atenea Chávez y Auda Caraza (escenografía), Cristina Sauza (vestuario) y Marcela Flores (iluminación), recrean un comedor sencillo, se puede decir que simple, que consta de una mesa que se “abre” en tres partes, para dejar hacia el proscenio una especie de altar tipo ofrenda. Además de dos “puertas”, por la que llegaran los nuevos miembros de la familia y partirán los que han cumplido su ciclo existencial.
          El principio de la puesta da la impresión, tal vez por la época, que la concepción escénica del director se aproxima más a una pastorela, inclusive el “decorado” reafirma la impresión inicial, sin embargo a medida que transcurre la misma, se olvida el espacio tan simplón donde de desarrolla la pieza, para adentrarse en la esencia misma del texto.
          El elenco lo encabezan Lumi Cabazos y Carlos Aragón. La primera retorna a los escenarios después de una larga ausencia y a pesar de ello demuestra que tiene la suficiente experiencia para subir al tablado y explotar su talento. Con relación a Carlos no hay mucho que agregar, es un primer actor y en este caso sólo lo vuelve a demostrar.
 Otros que destacan por su histrionismo y capacidad “camaleónica” son Sofía Padilla, Emilio Guerrero y, en forma especial y callada (su personaje no tiene diálogos) Victoria Santaella, a quien injustamente le dan un lugar de tercera en el programa de mano, cuando su trabajo es muy superior (valga la redundancia) con respecto a otros con más fama.
          Una excelente obra que invita a la reflexión, no aquella que obliga a la profundidad del pensamiento que trata de razonar todo, en este caso la sencillez de la cotidianeidad es lo que queda en el centro de la temática.
Texto ideal para esta época, que como cada año reunirá en torno a la mesa a la familia y -aunque sea en espíritu- a los que nos han dejado aún cuando sobrevivan en el recuerdo de quienes los aman.
          La larga cena de Navidad se representa en el teatro Wilberto Cantón, de la Ciudad de México, los viernes alas 19:30 y 21:30, sábados 19:00 y 21:00 y domingos 18:00 y 20:00 horas.

 Noviembre 2010
Teatrikando
Hablemos de foros alternativos
A veces se encuentra uno <verdaderas joyas>

Por BENJAMIN BERNAL
Hoy hablaremos de Los fastidios minúsculos del matrimonio, texto de Alfonso Reyes, con actuación de Marcia Romero. Nos cuenta que a partir de un texto de García Márquez empezaron a trabajar este montaje, hasta que lograron su propio texto, son totalmente distintos, hizo temporada los martes. Habla de una mujer que espera a la pareja, narra lo que siente y desea expres ar, mi entusiasmo por este trabajo es sincera actuación de la monologuista, resulta un reto convencer al respetable con un tema muy visto como el de la soledad. Recuerdo La voz Humana, No soy feliz pero tengo marido, que realiza actualmente Laura Zapata. Excelente trabajo de este director y su actriz estuvo en el Foco ( Tlacotalpan 16 col.Roma)
Estocolmo, en el Wilberto Cantón 
 

Germán Gastelum dirige a Fernanda Cantón y Carlos Barroso, un texto por demás interesante de Luis Carlos Pichardo, que hace mofa de los roles tradicionales de captor y raptada. Se trata de mostrar la virilidad, empuje, conocimiento de un novelista para desarrollar su labor cuando tiene a una linda chica capturada. Ella no le cree nada, al contrario, cuando puede toma la iniciativa y le da órdenes, llega el momento en que podría escapar y no lo hace, es más divertido quedarse a trabajar con su amigo esa narración de crímenes que nunca cometerá, siempre será más divertida la fantasía. Una farsa, un tanto cargada al terreno del absurdo, momentos de lucha libre, flashes del subconsciente para que se luzcan ese excelente par de actores jóvenes. Muy divertida, se puede ver los lunes en el Wilberto Cantón de Guadalupe Inn.
 Rebanadas de vida
El texto es de Verónica Musalem y la dirección de Angélica Rogel, de la Muestra de Artes Escénicas de la ciudad de México, estuvo en el Sergio Magaña, me tocó verlos en una vecindad de la calle de Cuba, por el momento ahí terminan. Se trata de convocar a los habitantes de una cierta zona para asistir al teatro. Que vean momentos en la vida de una pareja singular, ya que Pilar Cerecero y Mahalat Sánchez conducen un programa de televisión acerca de cocina. De manera intermitente se plantean escenas de otra especie, amores, desamores, para que vayamos divirtiéndonos con este ejercicio actoral que dura menos de hora y media. Afortunadamente fue un viernes por la noche en que el frio nos respetó, había público de todas las edades, custodiados por los muros descarapelados, ideales para una acuarela, con una columna sosteniendo un puente que algún días se caerá, permitió disfrutar de estas dos jovencitas con ganas de crear nuevo público con este texto ingenioso. Este fin de semana acaba el Festival y tiene múltiples sedes.

Las embarazadas

Ya regresaron de Chile y Colombia a donde fueron a representar a México. Gaby Bermúdez y Marcela Morett, bajo la dirección de Renato de la Riva logran una extraordinaria aventura en el estilo de González Caballero, hijo directo de Ionesco, pero muy chilango. Demuestran cada noche por qué los invitaron a estos festivales y divirtieron a los sudamericanos estas dos señoronas con enormes vientres a punto de explotar, reunidas para dialogar entre ellas, con los metiches de sus bebés en el vientre, con precisión matemática de la cabina para meter sus voces y efectos especiales, sábados, Foro Luces de Bohemia, Orizaba 193,col. Roma.ma.

Teatrikando

El Coleccionista



Excelente la construcción de la personalidad de Frederick, a quien encarna el de la dinastía Bichir.
La mente de él es diferente a todas las que usted ha conocido, se ha enamorado de Miranda, jovencita que piensa sólo en su escuela y en el arte, en tanto que Frederick se ve favorecido con un golpe de suerte que le hace soñar en tener lo que sabe será imposible. O quizá sea perfectamente realizable, todo es cuestión del azar, esa es la labor del dramaturgo, mantenernos atentos a la escena que viene, donde es apreciable la inteligencia del personaje femenino que avanza, retrocede, para ir conociendo a un hombre que tiene sus manías, tics, desos, frustraciones, para mantener a cada aficionado al teatro como un psiquiatra en activo.
Benjamin Cann es quien dirige, también la adaptación, el tiene una larga trayectoria, entre las que recordamos Una vida en el Teatro, Enemigos de clase; Máscara contra Cabellera, obra de Victor Hugo Rascón Banda, obra absolutamente visual, que versa sobre el sindicalismo en el medio de las luchas, el pancracio pues,  recordamos la obra con cariño y admiración, ahora que ya se esta olvidando al Chihuahuense, al morir todo mundo le rendía homenajes y ahora sus obras están en los anaqueles, se montan obras extranjera y sólo se le menciona en los discursos. Pero regresando a El Coleccionista, podemos asegurar que vimos un trabajo equilibrado, en el que cada elemento está en su lugar. Ha trabajado cada escena de una manera fina, con inmersiones en el alma humana para divertirnos y aprender un poco más de esto que llaman el síndrome de Estocolmo, empezar a tener simpatía por el captor y hasta complicidad, aunque usted no lo crea.
Una obra que usted puede ver en el Helénico de Avenida Revolución 1,500, en San Angel. Puede usted tener la seguridad de que verá una obra diferente al filme, ya que al ser dos lenguajes, un director y dos actores distintos, cada equilibrio y momento dramático cambia, es fino, pero es chilango.
Fue una de las alfombras rojas con mayor lucimiento del año: Pepe Solé, Alejandro y Odiseo Bichir, Lilia Aragón, Paty Pascual, Ignacio López Tarso, Shanik Berman, Laura Luz, para acompañar otra producción de Pedro y Jorge Ortiz de Pinedo.



Teatrikando
Rain Man, del cine al teatro
Por BENJAMIN BERNAL

Uno de los más esperados estrenos del año, que reunió una amplia colección de figuras del espectáculo, ya sabe usted, en la  calle de Versalles, el Teatro Diego Rivera. Como era de esperarse la función empezó tarde. Platicamos con Alejandro Gou (que celebra el 29 cien funciones de Timbiriche) José María Yazpik, Rafael Perrin y Manuel Landeta, entre muchos famosos que acudieron a ver el éxito de esta obra que protagonizaron Tom Cruise y Dustin Hoffman en cine, en 1998 ganó algunos premios Oscar. Me llama la atención que crean que es interesante revivir los éxitos ochenteros, el público es quien tiene la última palabra.
Nos recibe una escenografía un tanto rara, pues los principales momentos suceden al fondo en vez de al frente (proscenio) madera y beige, la ropa refleja esa era en que todavía se adoraba a los Beatles y anunciaba que vendría el baile Disco con John Travolta. Podían haberlo ambientado con multimedia, en vez de utilizar una escenografía de Sergio Villegas que seguramente no ganará premio alguno. Nos enteran que Rain Man era un amigo imaginario de su infancia, del joven interpretado por Alfonso Herrera, expresa que a su padre “nada de lo que el hiciera le parecía suficiente”, quien interpreta a un Yuppie (Young urban profesional) que tuvieron toda una legendaria época, por sus pocos escrúpulos para generar dinero. El billete era como un dios.
La dirección es un tanto convencional, habían muchas formas de ir resolviendo el avance de las escenas, la que escogió no resulta del todo bella y ágil. Insistimos con un poco de multimedia y trasladar los momentos más emocionantes a proscenio hubiera ganado fuerza narrativa. Pero, pues así está dirigida. La novia de Alfonso es Paola Núñez, quien logra cumplir con una actuación sincera, en tono medio, con la función de ser la conciencia del ambicioso hermano. Su padre ha dejado un testamento que no le satisface ni tantito. Pero no es mi estilo contarle la trama, sino las sensaciones que usted podría tener con esta elenco de primer nivel.
 El autismo es un tema de moda, en aquellos años apenas se empezaba a difundir a nivel general. El autista es Plutarco Haza, el Yuppi es Alfonso Herrera, quien lleva el enorme peso de ir viviendo distintas etapas y emociones porque a nadie la gusta hacerse responsable de un hermano con una psicología diferente. Probablemente usted ha visto el filme que ya pasa por tv abierta. Esta forma de percibir la realidad deja que desarrolle ciertas percepciones, pero niega el acceso a otras. En este caso el hermano tiene una gran capacidad matemática que da lugar a momentos jocosos. La actuación de Plutarco ganan la simpatía del público que le premia con aplausos durante el desarrollo de la obra.
Por su parte Alfonso Herrera tiene el hueso  duro de roer, un tipo duro, con avaricia, que deberá sufrir transformaciones, o sea, lo que juzgamos un personaje complejo sobre los escenarios. “Esta desmaplizado y deslibrizado” Plutarco son de los momentos de especial humor de esta obra. Los gestos del autista con frecuencia afectan el sonido del micrófono, hay que cuidarlo.
Una obra que irá perfeccionándose con las funciones, pero que ya desde el estreno para prensa se puede apreciar que es un gran trabajo, en que dos actores se lucen y mandan a casa al público con una reflexión: respetar y amar a nuestra familia si es “diferente” 


Teatrikando

       
Hidalgo

Por BENJAMIN BERNAL
¡Qué texto logró Miguel Sabido¡ y logró deslumbrar en el Teatro Hidalgo este mes de noviembre, para recordar que se cumplen cien años de la Guerra de Independencia. Como se dijo esa noche, es un conjunto actoral de excelencia el que da vida a “El Juicio de Hidalgo”, denominado humildemente “espectáculo”, cuando en realidad es un drama histórico con toda la barba. Fue un lleno total para uno de los recintos con más butacas en México, con todo y que deseaban demolerlo hace un par de años, en un acto criminal al que todos los teatristas se unieron para evitarlo.
Roberto Sosa, Angélica Aragón, Eduardo Santamarina, Juan Ignacio Aranda, Manuel Ojeda, Roberto Damico, acompañan al padre de la patria, encarnado en Jorge Ortiz de Pinedo. Siempre se acerca el aficionado a los teatros para ver a su figura televisiva ante un reto formal y serio como el que reseñamos, así que podemos comunicar el resultado placentero de ver un gran texto, interpretado con limpieza en cada uno de los detalles. La materia prima de un montaje es la parte literaria, la selección de los actores (Rafael Inclán, en El Avaro fue otro acierto de Sabido hace pocos meses) el desempeño de cada uno, escenografía, multimedia, vestuario y cada detalle para servir al mensaje del autor. Y cumple con amplitud.
Nos recibe un discurso fuerte de Roberto Sosa, al fondo se ve una pirámide, momentos después estará el escenario vacío. Nos informan sobre la discusión de la época “ser gente de razón o indio”, “había prohibición para que montaran caballo, tener armas” ser como los demás y vivir con leyes distintas. Hidalgo enseñaba todas las ideas nacidas en la Revolución Francesa con Voltaire y Montesquieu. Falsamente se acusó a Hidalgo de Ateo, ¿no vieron que usó a la Virgen de Guadalupe como baluarte? Hay parlamentos que mueven a profunda reflexión a quienes estudiamos historia, era necesario ver esos textos representados para una vivencia total. ¿Cómo debían llamarse? ¿Novohispanos? Estados Unidos de América nos ganó el nombre, que era el más exacto. Además recriminan haber dado acceso al bautismo a los naturales de América.
Califican a Miguel Hidalgo y Castillo de  afrancesado organizador de obras teatrales de Moliere, y que tuvo cuatro hijos con sus feligresas. Nos comunican que Nepantla quiere decir “entre dos”, ¿un sacerdote o un libertino? Hay toda una lección acerca de las castas que existían, saltapatrás, chirrión… también la diferencia entre los Españoles de nobles intenciones y los gachupines que eran quienes comerciaban con seres humanos, innobles que abusaban y explotaban a los indios. ¿Era una guerra santa? Los dioses antiguos contra los dioses recién conocidos en América?
Hay aplausos a los textos que monologan la Corregidora, protagonizado por Angélica Aragón, a Damico, Roberto Sosa, Manuel Ojeda y por supuesto Ortíz de Pinedo. Tonantzin Guadalupe es mostrada en múltiples ocasiones para dar sentido a los momentos de efervescencia, con uso de la video proyección para completar la narración con close ups. Logra emocionar ante 300 años de odio acumulado contra los gachupines. Dirige el mismo Miguel Sabido

AZIZ GUAL: UN HURACÁN EN ESCENA

Por Perla Schwartz

La creatividad desbordante, un espléndido lenguaje corporal y un
manejo profundo de la mímica son los elementos que desarrolla, en un
equilibrio fusionado, Aziz Gual en su espectáculo “Huraclown”, que se
presenta sábados y domingos a las 13 horas en el teatro Casa de la
Paz.

Él es uno de los más destacados clowns mexicanos y ello lo deja
entrever, graduado del Ringling Bros and Barnus Circus en México,
Gual se impone en escena, a partir de su gran fuerza expresiva. En su
espectáculo unipersonal, él despliega talento y sensibilidad, por ello
mismo, atrae de manera igual a niños y adultos.

El espectador tan sólo debe permitir emprender una travesía a través
de la imaginación. “Huraclown” se conforma de alrededor de 15
cuadros, que a modo de un modelo para armar, se van enlazando el
uno con el otro, a pesar de ser independientes entre sí.

La mayoría de ellos, no obstante de tener un tinte lúdico, tienen un
dejo de nostalgia o de melancolía. Gual sabe equilibrar la fantasía,
con la espontaneidad y el dominio de la técnica clown. El becario
del FONCA 2009-2011, con trayectoria destacada como intérprete,
requiere tan sólo de los recursos mínimos para actuar.

Lo mismo se presenta un cuadro sobre gangsters, que a pesar de
sus caras de malvados son muy graciosos, o el hombre que envejece
por esperar y esperar la llegada al parque de la mujer amada quien
nunca se presente.

Alegre es la escena del clown que toca el acordeón, o cuando hace
equilibrios para no caerse de su monociclo. Pero de los momentos
más vibrantes de este espectáculo es la coreografía dedicada a los
resortes gigantescos, capaces de expeler varios globos blancos.

Aquí, como en algunos otros cuadros, Gual es apoyado por Valerio

Vázquez y Malcolm Méndez.

Pero uno de los cuadros más emotivos es cuando el clown va a
bordo de su barca- hecha con papel estraza, navega en un mar
de plástico azul y parte a la búsqueda de su amada y entona una
romanza.

En suma, Aziz Gual divierte y lleva a su espectador a una travesía
donde el timón es la imaginación.

EL AMOR FUENTE DE LA QUE EMANAN LAS DESGRACIAS EXISTENCIALES ENFRAGMENTOS DE UN DISCURSO EXPRESS

Por: Alejandro Laborie Elías

El amor, sublime sentimiento que en principio todo lo puede, todo lo soporta y todo lo perdona, puede ser, y es, la fuente de la que emanan todas las desgracias existenciales que llevan a la persona a sucumbir en el laberinto de la desgracia sentimental.

         Este es el tema fundamental de la puesta en escena Fragmentos de un discurso express, tratado sobre el amor, híbrido basado en Fragmentos de un discurso amoroso, de Roland Barthes y enChungking Express, de Wong Kar Wai, adaptados para el teatro en una versión libre por Laura Uribe.

         La trama gira en torno a un policía, He-Quiwu, y una aeromoza, May. El primero, después de un encuentro circunstancial, se prende de la mujer de una forma fatal, amor que durará por siempre, con la salvedad de que no será correspondido. El infeliz ve en todas las mujeres a su amada y se va relacionando con otras que, curiosamente, llevan por nombre el mismo que lo perturba.

         El infeliz queda a la espera de un cambio de actitud de su amada, mientras tanto se dedica a comprar latas de piñas en almíbar con la fecha de caducidad 1º de mayo, que es el postre favorito de May, además de que es el día en que festeja su cumpleaños: “Si May no ha cambiado su decisión cuando haya comprado 30 latas, entonces su amor también habrá caducado”. De la misma forma los actores-personajes se preguntaran si el sentimiento ha caducado.

         Una historia de amor volátil, sin bases sólidas, un amor espontáneo que se aferra a lo que no es, a lo que se cree debería ser, a la estupidez en la que se hunden y la lucha en la que se enfrascan todos aquellos que viven para el ser amado, esperando una correspondencia que nunca se dará. Un hombre que deambula por el mundo sin más ilusión que la que su propio engaño alimenta, una historia fragmentada como la vida de su protagonista.

         Laura Uribe asume una adaptación peculiar, en el fondo toma las ideas, las interpreta y reinterpreta para el escenario, para un espectáculo alternativo donde lo parte plástica es esencial.

A partir de un espacio vacío, los dos actores –la actriz caracteriza varios personajes- se regodean en una danza de cortejo amoroso, las coreografías, al menos en principio, son el alma de la propuesta y las palabras sólo sirven para expresar ideas vagas pero con el suficiente contenido para ubicar el contexto, todo apoyado en una multiplicidad y diversidad de géneros musicales (pareciera que los temas salen de una rocola de cantina).

         Marianella Villa y Rodolfo Guillén son los responsables de dar vida escénica a la tormentosa relación. Ella, una mujer bajita de estatura sin mayores atributos físicos, explota de manera sorprendente su gracia y talento, enriquece el espectáculo alternativo con su agilidad y dotes para el baile – las coreografías no siguen los cánones estrictos de cada uno de los géneros que se interpretan-, lo que a la postre redunda en que Marianella sea el alma de la propuesta de Laura. Rodolfo denota deficiencias actorales, falta de condición física y regular expresividad, sobretodo si se parte del desgarramiento emocional que padece su personaje.

         Laura se inclina por una literatura del movimiento, por la sensualidad corporal, por el soporte de quienes están en escena no por lo que está en el escenario, por una pantomima descriptiva. Una iluminación sencilla y provocar la imaginación del espectador.

         Un detalle interesante es que la obra concluye, al menos es lo que se pensaría. Los actores dan las gracias e invitan a quienes deseen retirarse a hacerlo y a los que decidan quedarse unos minutos más… hay otra historia, un epílogo que…

         Una adaptación y una propuesta alternativa para adentrarse en las penalidades del amor, misma que se representa en el Centro Cultural de la Diversidad (Colima 267, Col. Roma), de la Ciudad de México, los martes a las 20:30 horas.

Noviembre 2010

Teatrikando

¿Por qué gusta "A chorus line" La línea del coro
*¿Es un clásico?

* ¿Una vez que usted es primera figura, se iría al coro?

Por BENJAMIN BERNAL
¿Cuáles son las comedias musicales que se consideran “Clásicas”? Oklahoma, West Side Story y A Chorus line, la primera porque usa las coreografía como parta de la narración, si se eliminaran quedaría trunca la historia; la segunda al introducir el jazz bailado, con una historia poco convencional, Hamlet en los suburbios neoyorquinos; y la obra que nos ocupa A Chorus line, interesante para quien se quiera asomar a la vida y alma de los bailarines de un arte que, se dice en la obra, está languideciendo. Aunque en la realidad, México vive una especial efervescencia de musicales,  al grado de que asegura Alvaro Cerviño hay más escuelas de esa materia que Oxxos.
Alguna vez se habló de Mary Poppins como proyecto de Ocesa, la que tendrá que seguir esperando,pues estamos asistiendo a los últimos estrenos del año, con Juegos Siniestros, de Anthony Shaffer, en el Insurgentes con Daniel Gimenez Cacho y Jose Maria Yazpik.
 Lograron en muy poco tiempo éste montaje cien por ciento profesional y bien aterrizado, hace pocos meses dábamos cuenta de la presentación del elenco, luego acudimos al ensayo para prensa, y por fin, estuvimos en el estreno, que cumplió y quizá excedió expectativas. En una de estas reuniones Morris Gilberto aseguró que si no hay suficiente dinero para un montajes, es mejor no meterse, lo que constatamos, es una obra sin las grandes inversiones de La Bella y la Bestia o Los Miserables, pero esta obra número 19 de Ocesa, tiene todos los elementos de las grandes producciones, la promoción entre ellos.
Logran close ups cerrando espacios de luz, para enfatizar algunos instantes, cada uno de los integrantes desarrolla su momento especial para contar detalles curriculares. El hispano Paco Morales es Zach el director que mantuvo una relación con Cassie, realizado con gran calidad por Estibalitz Ruiz, Mauricio Salas tiene un carismático rol que cumple fielmente, el relatar con desenfado su incursión en el show busines. El elenco es numeroso, Gabriela Albo, Ana Cecilia Anzaldúa, Cecilia de la Cueva, Alma Escudero, Roberto Hernández, Humberto Ramos, entre otros. Hay varios roles destacables, por la personalidad que adoptan, la historia que narran, los momentos especialmente diseñados para emocionar.
La historia que contiene es atractiva para el público, conocerá las peripecias de cada aspirante,  un dia descubren que bailar es una forma de fuga, el teatro es puerta abierta a la libertad, donde la edad marca una frontera absoluta, los contratos dependen de pasar una sesión como esta, donde hay una persona que nos analiza y juzga si debe aceptar a alguien. Una breve sesión no permite ver las posibilidades futuras, un instante de nerviosismo y habrá que esperar otra oportunidad. Cada uno tiene una personalidad, la apreciamos, pero cuando visten el traje final, todos son iguales, escena visualmente poderosa, que refleja el glamour, luminosidad, elegancia de las grandes producciones; pero todos ellos son piezas intercambiables, con substitutos y relevos, es esa quizá la nostalgia que nos dejan los diez y nueve personajes y más de quince números musicales.
La prueba más grande de un musical es analizar al salir, ¿hay alguna tonada que se me haya quedado?, una idea, momento, personaje, ¿me ha dejado huella imborrable? Si, créame, al salir recordará múltiples imágenes y notas con brillos dorados.


Teatrikando
Juegos siniestros
Por BENJAMIN BERNAL
Usted ha visto los anuncios de Juegos Siniestros, Daniel Gimenez Cacho y Jose Maria Yazpik la estrenaron en  el Insurgentes con dirección de Enrique Singer y escenografía de Jorge Ballina,  excelentes todos los elementos de este manjar artístico. Evento que convierte la semana en la más importante del año en la actividad Teatral. A Chorus line y la que nos ocupa, uf, dos alfombras rojas memorables (bueno, ni eran rojas, pero así se dice) Los productores más exitosos de los últimos años estuvieron reunido, Morris Gilbert, Fela Fábregas, Federico González Compean, Tina Galindo, Claudio Carrera, dando la bienvenida a Leonor Teatro, empresa productora que tiene a la cabeza a Jose Maria Yazpik.
Lejos estamos de Gou, Varela, padres, Palacios, Ramiro Jiménez, generaciones de empresarios que ya han cedido la batuta a las que estamos viendo llegar, entre ellos esta Pedro, hijo de Jorge Ortiz de Pinedo que el dia 12 estrena El Coleccionista en el Helénico, con Bárbara Mori y Bruno Bichir, la dirección es de Benjamín Cann.
Me pareció asistir a El Sabueso, obra estrenada en el Manolo Fábregas, con Adolfo Marsillac y Manolo Fábregas, obra de Anthony Shaffer,  en 1971. Se parece un tanto al inicio, más adelante, demuestra el autor de Sleuth, Juegos siniestros, por qué es un éxito su texto. Hay un poco de acento hispano en Giménez Cacho me decía Fela, bueno, pues quizá sean los nervios. Evitaré contar la trama, no es mi hábito, es mala idea decir que John es el asesino.
Una historia de suspenso, el personaje central es el autor, hermano gemelo de Peter Shaffer (Eqqus) el secreto de ésta obra es no transitar sobre lo aparente y siempre guardar otra prestidigitación literaria. Vuelta de tuerca le dicen a estas apariciones, para decirlo con retórica. Vayamos por partes: vemos una escenografía monumental, como la apabullante fuente de Trevi en Elsa y Fred, para ubicarnos en una mansión con cuatro vistas, una es la sala, otra es la parte donde hay un guarda ropa, entrada principal con estanque y vista desde una ventana. También nos recibirá un maniquí, para adentrarnos en la atmósfera de misterio.
Al inicio, sabemos que Daniel Giménez Cacho ha descubierto que su mujer tiene un amante, por lo que desea confrontarse con él, encuentro que guarda situaciones y giros inesperados. Estamos en Londres, capital de las novelas detectivescas, Agatha Christie y Connann Doyle le preceden.  Hay una gran cantidad de detalles que me gustaría destacar, momentos para hacer énfasis en un lugar o detalle, que servirá para culminar otra idea macabra. Esa es la mente prodigiosa de quien habrá de cometer un crimen. ¿Cuál o cuáles?
Los dos actores son frecuentemente vistos en cine, televisión, también en Teatro, a Daniel le acabamos de ver “Trabajando un dia particular” adaptación de un filme de Ettore Scola, donde no se necesita nada más que una silla, libros y gises, para recrear la Italia en plena guerra. A Yazpik le acabamos de ver en Estas ahí y Festen, así que ambos estaban esperando una obra grande, para hacer ruido y posicionarse como la vanguardiamexicana, ya que a los egresados de cine y televisión siempre se les espera para ver si pasan el examen.  Son gente de teatro y aquí  lo demuestran. Calificación diez perfecto.  

Teatrikando
Por BENJAMIN BERNAL
El Cuarteto de Eugenio Toussaint, mañana que dejó nostalgias

En el jardin de la ex hacienda de San Gabriel, nos reunimos alrededor de doscientos aficionados al jazz para degustar una sesión matutina. “Oinos. Música para beber vino” es el nombre del recital. Esa palabra griega que traduce “Vino” llenó nuestra imaginación de colores y aromas esenciales para el buen beber, compañía profética de que vendrá una buena comida. Así que excitados los sentidos nos dominó el sol apabullante, las cabelleras coronadas en rayos de sol, ¿estoy en la realidad?
Escuchar jazz es fácil, nada más nos dejamos llevar y ya. Aaron Cruz (contrabajo),Gabriel Puentes ( batería),el mismo Toussaint (innecesario mencionar que estaba al piano), forman el núcleo original, invitaron a Luca Litera a dar vida a una armónica dulce y guanajuatense. Se dividió el programa en Elementos del proceso y evolución del vino, zonas, y varietales. Hay sabor a improvisado, también ataque a segmentos clásicos, la calidad interpretativa relampaguea como el sol de las doce que nos devoraba.
Toussaint se levanta y sienta presa de las emociones, notas que le abanican protectoras. –No hay cabernet a la mano- Descienden de la batería cascadas impresionistas. El bajo es manejado con brio y juego, escobillando los metales. Las manos también afinan los aplausos. Circulatorias las notas que se caen de los pentagramas llenos de color, festividades sabatinas, atmósferas y longitudes de todas las épocas. Octubre del 2010 se esta terminando, Estela Leñero demostraba su emotivo acuerdo con la técnica amorosa que regalaba el grupo.
Sabores a Gershwin, Corea, contrapunto del mediodía, el alma soplando en el metal, asociación intimista de doscientas conscientes sensibilidades. Sutilezas musicales que imitan los instantes posteriores al acto amoroso, en un jardín soleado y públicamente, corre un vientecillo.
California, Toscana, Bordeaux, es un viaje estático para degustar en la mente las intensidades del piano, armónica, dedos sobre cuerdas persiguiendo el hálito vital de las percusiones. Pinot noir, Sauv blanc, celebración, rocían la imaginaria fiesta dionisiaca, que ha de continuar hasta bien entrada la tarde, cada uno en su refugio gastronómico. Por fin una nube envuelve el sol descendente, alivia unos minutos, como no tiene reversa, retorna el calor amable.
Imagino que un filme registra los momentos que vivimos, una por una las caras reflejan los pensamientos, los aislamientos, encubrimientos para revitalizar esa mañana, en la exhacienda de San Gabriel en Guanajuato. Maravillosa aventura que nos tenía  reservada el Festival Internacional Cervantino, con Eugenio, que agradecía la presencia de sus esposa e hija en las afiladas sillas de ese jardin señorial, para que lo guardáramos para siempre en la memoria del jazz clásico-latino.      
Si, la nostalgia fue por el vino, que llegaría más tarde.



     

Teatrikando
Colombia en el FIC, Fragmentos de un sueño
Por BENJAMIN BERNAL

  • El grupo Malandro es colombiano,radica en Suiza
  • Omar Porras dirige, desmitifica los Bicentenarios
Nos reciben a telón abierto con madera de desecho, puertas, baúles, huacales; cuarenta por ciento de butacas vacías. Es un espectáculo integrador, vamos a escuchar hay música de la región bolivariana, mucha tierra y lluvia sobre escena, para que no haya planicies se elevarán sobre unmontículo. Entran los actores a interpretar con arpa, guitarras y percusiones, cantan homenajeando a su tierra, es una semblanza que se va alejando de lo didáctico para penetrar en las metáforas teatralizadas.
El titulo de la obra es Fragmentos de un sueño, estrenada en Francia, se refiere fundamentalmente a Simón Bolívar, confrontado con textos de quienes le conocieron,  les salió clara y contundente la narración. Bravo por los colombianos. Nos platica breves momentos den la vida del héroe venezolano, para dar una idea conjunta de la zona. Son diferentes ellos, nosotros en México, nos sentimos dueños y señores de la tierra, en cambio allá se sienten próximos a los países vecinos, realmente es una división artificial escudarnos en banderas, cuando nos unen el idioma, orígenes y cultura. Si hay diferencias, pero somos muy parecidos.  
Libertad,Igualdad, Fraternidad, expresan ante los invasores que humillan a la población, quienes les reciben sin malicia, Alexander Von Humboldt es de los primeros que visualizan una nueva tierra con libertad e identidad propia, se ve en una de las escenas. Con regularidad nos muestran y dicen párrafos detextos escritos por Bolivar (Delirio sobre el Chimborazo) de una gran calidad literaria y sutiles reflexiones de alguien que pudo ser soldado y visionario.
Este grupo con sede en Suiza, es dirigido por Omar Parras, el texto de deWilliam Ospina, en el elenco hay cantantes, músicos y actores; es una moda mundial que sean interdisciplinarios, ya quien maneja solo una posibilidad se ve limitado. Trabajan Omar Parras, Carlos Gutiérrez, Juanita Delgado, Zoraida Rojas, Erick Bongcam, Elio Seliano, Yeison Carrillo, Luis Carlos Celis, Andrés Rodríguez y Luis Eduardo Garzón. Logran todos un trabajo eminentemente  teatral, se alejaron de hacer un texto basado en citas, alabanzas o remembranzas míticas de la gesta que se vivió, con lo que se aproximan  a una denuncia dolida de las carencias y defectos comunes en Latinoamérica.
“Porque la servidumbre se vuelve costumbre” Excelentemente musicalizadas las diferentes secciones de la vida colombiana, para magnificar un escenario realmente pequeño como es el Cervantes de Guanajuato. Demostrando que una narración musicalizada si puede darnos ideas, contradiciendo la maldición de que el género debe ser serio o banal. Sonidos fuertes, para contrastar con la música, tierra que les llena la boca, baños de pintura colombiana, regresan rápidamente para continuar las escenas poéticas. Baladitas inocentes para contrastar  con la estatua y pechera bolivariana. No es tan simple como unir canciones y darles una pseudo trama. No. Hay una narración actoral-desplazamientos, atmósferas, que involucran al espectador y salimos enamorados de forma y fondo.
Alegría, tambores, guitarras, acordeón, percusiones locales. Casi dos horas para que entendamos a los hermanos del sur y veamos en un espejo que poco ha cambiado, tenemos mucho por recorrer. Estuvieron en el Festival Internacional Cervantino, el fin de octubre de 2010.

Teatrikando
Los siete dedos de la mano, Les 7 doigts de lamain
Por BENJAMIN BERNAL

Circo, cabaret y teatro se puede unir, lo demuestran con dos horas de diversión en el 38 Festival Internacional Cervantino -Auditorio del Estado- sus integrantes son Sebastian Soldevila, quien dirige y habla español (además de ser evidentemente el más fuerte para las audacias acrobáticas)  Evelyn Allard, Emile Bonnavaud, Isabelle Chasse, Krin Haglund, Patrick Leonard, Samnuel  Tetreault. Hay un DJ especial, muy divertido, contundente al hacer mezclas y provocar todo tipo de ruidos con la voz y el equipo.
Este año hay quizá menos visitantes, mucho orden, cientos de jóvenes por las calles, pero el Festival Internacional Cervantino sigue adelante. Tocó su turno a una extraña, pero bien realizada forma de hacer teatro. A partir de los ochentas, hay una moda mundial, francesa, canadiense, brasileña, que no ha tocado imitar o asimilar en México, la acrobacia, el circo, el humor incorporado al teatro. Sin más objetivo que divertir, sin más ideal que trazar un guion sencillo para contarnos sobre la vida, el humor, los miedos. En este caso, nos esbozan otra trama fantástica: los artistas canadienses nos han atrapado, todos los espectadores deberemos pasar lista y tomar consciencia de que estamos en el dia del juicio final, habrá un examen para  ir a otro lugar, ellos están aplicándolo y aprobando. ¿Tendría miedo usted?
Nosotros con el elenco estamos en el pugatorio, ellos tratarán todo el tiempo de escapar, cae un actor del cielo sobre unas cajas y no le pasa nada, tememos que esa sea nuestra suerte, una chica tiene cara de egresada de una clínica psiquiátrica y deambula como zombie, pero logra contorsiones insólitas. Son ” Los siete dedos de la mano” un grupo que en el nombre lleva su fama, hay un aforismo que se refiere a “trabajar conjuntamente, como los cinco dedos de la mano” Ellos dicen siete y basta. Su coordinación es perfecta. Vimos secretarias acróbatas y que además cantan.
Una propuesta casi sin literatura, que permite involucrarnos con ellos, manejan el acto consistente en bailar sobre telas que cuelgan de los telares, el  diábolo que usted y yo usamos de niños, ahora lo llevan a terrenos espectaculares.  Colgar sobre cadenas, rutinas dancísticas solos lo mismo que en grupo son de lo más normal que hacen. Porque en todo son extraordinarios, golpean por todas partes a un miembro de la compañía, el de escasa estatura, parece de goma, otros se flexionan como si la anatomía fuera caricatura continua.
En internet se puede ver varios trabajos de ellos, se parecen un poco al espectáculo que vimos: llamado La vie, la vida. Que al final tiene como idea cumbre mandarnos a disfrutar la vida, divertirnos, amar (en todos los sentidos, si porque es claridoso en sus conceptos),  aprovechar ahora que estamos vivos, no dejar llegar ese purgatorio mítico -que un Papa ya derogó-
Si viajaran por otras ciudades con este show casi teatral, no se los pierda.


Teatrikando
Meno Fortas en al Festival Internacional Cervantino
POR BENJAMIN BERNAL

Estoy en las lejanas tierras de Vicente Fox (bueno, ni tanto), poco después del concierto de Elthon John, años después de que el Festival Internacional Cervantino estuviera a punto de morir, cuando decían que era “la cantina mas grande del mundo”, sin haber obtenido la personalidad jurídica plena, pero con partidas presupuestales perfectamente colocadas sobre el cuello, patrocinios abundantes, para demostrar que si se puede llevar a cabo un Festival de las Artes, sin permitir que se parezca a la Feria Taurina de Aguascalientes y la de Texcoco, del Caballo. Son temas distintos.
Pude ver en el Julio Castillo Montezuma, controvertida ópera que Claudio Valdez Kuri llevò a escena para romper los mitos relativos al Bicentenario, donde pudimos indignarnos al descubrir la invasión, abusos y saqueo que se ocultan tras las palabras conquista y civilización.
Quizano haya personaje más importante que El Fausto de Goethe, es extenso el drama original, como el montaje de Eimuntas Nekrosius, se puede ver en cualquier país e idioma gracias a que se usa poco texto y subtitulos proyectados sobre la boca del escenario. Nace en 1998 este grupo, cuyo nombre quiere decir Fortaleza del Arte, para demostrar que  hay nuevos caminos para las antiguas obras.
Ofrecen manejarse en el camino de lo artesanal pero llegar a una superproducción, sin la estrechez financiera de un Peter Brook, o manejarse con el desbordamiento económico de Broadway, podemos ver la comunicación de estos lituanos. En un espacio convencional abre el telón para que veamos escenografías fantásticas, algunas de ellas creadas con poco dinero, el teatro no necesita de grandes equipos, o bien que los usen las propuestas que lo impliquen. No así Fausto. Se dice en el texto que los hombres son más brutales que las bestias, al tiempo que rompen platos rojos con una escopeta en el firmamento.
Música sinfónica por momentos, “todo se ensombrece, mi lámpara se amortigua, soy Fausto tu igual” Personajes que deambulan en bicicleta, hombres equiparables a dioses, “las alas del hombre no son corpóreas” Veo 20 o 30% de asientos vacios al finalizar el 1er acto, este grupo tiene difusión y fama dirigido hacia quienes siguen de manera continua el arte de Thalía, falta educación, promoción masiva hacia esta manifestación por encima de los festivales comunes.
Manejan metáforas interesantísimas como las cuerdas que indican el paso del tiempo, caos mental, por fin sonó un teléfono en las butacas  (que lo sacan, bravo) aparece por fin Margarita, juguetona, sin un tono de voz “educado”, los ademanes tampoco corresponden a una dama en el sentido tradicional. ¿De qué se ha enamorado Fausto? Nada esa noche es convencional, es como Aldonza escrita por Goethe.   Sale de lo convencional, conoceremos la historia verdadera de ella, segun Nekrosius, quien hace  cambios, agregados, poderosas metáforas visuales para ir permitiendo el avance de acciones dentro de grandes maderas, conos metálicos, soledad de los bosques, pasos de baile intercalados con momentos de humor lituano. Quiza otras bromas de ellos no sean perceptibles al mantenernos atentos a las propuestas  visuales. La Aldonza de los lituanos es calificada de prostituta  por su propio hermano, mismo que muere. Algo parecido a jueces analizan si es hechicera, los desplazamientos, escenografía, movimiento individual, música ambiental, va renovando la forma de contarnos teatralmente una historia que creíamos conocer.  No son cuatro horas de  lo mismo, sino un constante renovar historias, para que la penumbra los cubra finalmente.
Es una forma de mantenernos atentos a las características propias del ser humano, a quien creíamos conocer, pero Fausto lo exploró y Nekrosius lo reinventó.        

       
Estrelladas
La APT promueve la restauración de muchísimos espacios para el teatro
Los nuevos cineastas en pro de crear una auténtica industria fílmica
Manzanero es profeta en su tierra
Por Humberto Morales

Un grupo de actores se acercó a la fracción perredista de la Cámara Baja para modificar la Ley 226-bis, a efecto de conseguir 50 millones de pesos para apoyar la escenificación de 25obras de teatro.
En contrapartida, Benjamín Bernal, presidente de la Agrupación de Periodistas Teatrales afirmo que esa cantidad serviría mucho mejor para la restauración de muchísimos espacios en todo el país para que se ofrecieran una multitud de espectáculos.
Lo anterior, el pasado domingo en el Foro José Martí, en donde se le dio un reconocimiento por su aporte al arte y la cultura y como festejo por sus treinta años como periodista.
Bernal subrayó que,  como siempre, existen en el medio muchos actores y actrices que quisieran que el Gobierno apoyara más la actividad escénica, con lo cual todos estamos de acuerdo, sólo que al entregar los ya citados 50 millones de pesos, sólo se beneficiará a una porción muy pequeña de la familia teatral, mientras que de apoyar su propuesta sería un respaldo muy fuerte  a esta excelente actividad cultural.
Dio a conocer que el 57 por ciento de los municipios de todo el país no cuentan con un local teatral, por lo que las autoridades culturales deberían ver esta situación y apoyar no sólo llevar un espectáculo una vez al año, como se hace en poquísimas poblaciones, sino edificar auditorios en donde se trabaje el talento local.
Desde hace mucho tiempo nosotros en lo particular hemos trabajado constantemente para que las autoridades den un mayor apoyo a la actividad escénica. Incluso cuando estaban en el poder Vicente Fox y Andrés Manuel Lopez Obrador, lanzamos la iniciativa de que fuera obligatoria la materia de teatro como actividad artística desde la secundaria, que obviamente no se apoyó.
Ahora como la familia fílmica logró un apoyo del gobierno federal para la reactivación de planes y proyectos cinematográficos, actores que realmente aman a al teatro han sugerido que por ley se otorgue un subsidio, algo que nos parece bueno, pero que no resulta un gran apoyo a esta actividad por lo que nos declaramos partidarios de la propuesta de la APT porque así se aprovecharían muchísimos espacios en el territorio nacional.
No es esta la primera vez que existe conciencia entre la familia teatral para trabajar en pro de esta actividad, pues en tiempos de José López Portillo se crearon cooperativas y el Gobierno proporcionó carpas para que se ofrecieran diversos montajes en lugares en donde el público no tiene la oportunidad de admirar este tipo de espectáculos.
Por desgracia este intento no continuó por los problemas económicos que se suscitaron con la salida de Lopez Portillo, y esta acción importante para el desarrollo teatral se canceló definitivamente.
También hay que destacar que como propuesta de los teatreros para obtener recursos del Gobierno sólo beneficia a unos cuantos, ya lo que se requiere es que las autoridades culturales gasten menos en la alta burocracia y se apoye definitivamente el arte escénico pero en todo el país, algo que ayudaría muchísimo a acerca al público en general a las salas para que disfrute del arte de Talía y Melpémone,  solazándose, educándose y gozando de la actividad artística más sobresaliente.
OJALA LO LOGREN
Dentro del importante Festival de cine de Morelia, quien junto con sus otros compañeros han destacado la real situación que priva en esta actividad, al señalar que hoy los directores viven de estar saltando de un lugar a otro, por lo que es necesario una gestación de industria en donde los cineastas logran sobrevivir.
Baste recordar que en la llamada época de oro del cine mexicano se llegaron a realizar más de 2000 cintas al año, algo ahora impensable.
Con toda sinceridad, también reconocieron que más problemática que el renglón económico lo que realmente falta en las nuevas generaciones es la creatividad.
¿Por qué tan es tan sustancial este renglón? Simplemente porque al existir en las cintas esto que es vital, sería un auténtico foco de atención para los cinéfilos, quienes están cansados de ver las mismas escenas, la misma mediocridad y las mismas situaciones, cuando en los caminos del arte se pueden explorar muchos asuntos y ofrecer otras perspectivas de entretenimiento.


CARLOS ARAGÓN ENCARNA LA LUCHA DE PODER
ENTRE MAESTRO Y ALUMNOS

Por: Alejandro Laborie Elías.

Generaciones van y generaciones vienen, sin embargo un aspecto que no ha variado en siglos es la lucha de poder que se da entre alumnos y profesores, unos por demostrar que juntos son más fuertes que sus mentores y los otros por controlar a sus pupilos sin importar el método, ni las técnicas, en ocasiones ni las consecuencias.

         Este es el tema central del monólogo intitulado La guerra de Klamm, de Rai Hensel, interpretado por el primer actor Carlos Aragón, bajo la dirección de Aracelia Guerrero, montado en un espacio que no es precisamente un escenario sino que se trata del Salón de Ensayos del Centro Cultural del Bosque.

         La trama gira en torno a un profesor, Klamm, que es acusado por sus alumnos de haber provocado el suicidio de un compañero, por no otorgarle un solo punto que le faltaba para poderse graduar. Sus discípulos le declaran la guerra, lo que se traduce en una total indiferencia hacia las clases de literatura que imparte el primero.

         El muro de indiferencia ante el que se enfrenta el maestro lo van desesperando y trata por todos los medios de reconciliarse con el grupo, a tal grado de humillarse y perder la dignidad y, por lo mismo, la respetabilidad. Un hombre perturbado que ve trastocada su reputación y su orgullo, que se vale de las calumnias contra sus colegas y director, para llegar a una situación límite que lo conduce a…

         Un texto que va captando la atención a medida que transcurre y que hace recordar a los adultos cuando uno le hacia la vida de cuadritos a los profesores y una excelente obra para los que hoy son adolescentes y viven esa lucha de poder.

         Aracelia se decidió por una escenografía, si así se le puede llamar, que no es otra cosa que la recreación de un salón de clases, esto es un pizarrón, un escritorio, una silla y los pupitres.

Los espectadores se incorporan a la “escenografía” y se convierten en los alumnos que en forma silenciosa retan y atacan con su indeferencia al maestro para tratar de descubrir a medida que transcurre la obra si éste es culpable o no del delito que le imputan.

De hecho, cada uno de los asistentes es invitado a guardar su pertenencias el la parte baja de los pupitres, recibe un lápiz y en un momento dado sus hojas para un examen de interpretación literaria. Como es de suponerse, la mayoría deja la hoja en blanco lo que apoya el propósito de la obra: la indiferencia.

Una puesta en escena de corte realista, excelentemente interpretada por Carlos, quien demuestra que sólo hace falta un actor para mover las entrañas de quienes asisten al maravilloso hecho llamado teatro.

Los estados anímicos que va desarrollando son impresionantes, el manejo de su voz, sus expresiones faciales, inclusive las sensaciones que transmite con su cuerpo son imposible de describir con meras palabras, gracias en buena parte por la propuesta de su directora, que deja todo el peso de la palabra para impactar a los alumnos-espectadores.

Una obra digna de ser apreciada por los padres de hijos adolescentes y comprender como una situación meramente escolar puede llevar a alguien a privarse de su vida; más recomendable aún para los jóvenes y no menos valiosa para los que ejercen el magisterios, que debería ser más una labor por vocación que una postura de poder.

La guerra de Klamm se representa en el Centro Cultural del Bosque, de la Ciudad de México, los sábados y domingos alas 13:00 horas.

Octubre 2010


EN LOS INSENSATOS, LA LIBERTAD Y LA REBELIÓN ES SINÓNIMO DE LOCURA

Por: Alejandro Laborie Elías

A través de una sui géneris combinación de realidad y fantasía, elementos lúdicos y oníricos, David Olguín –uno de los más destacados dramaturgos contemporáneos- se zambulle en el mundo de los locos, donde la libertad y la rebelión sólo es concebida por los orates, mediante un texto intitulado Los Insensatos.

         El 2 de septiembre de 1910, el entonces presidente de la República Mexicana, Don Porfirio Díaz, inauguró el Manicomio General de La Castañeda, con motivo de los festejos del primer centenario de la Independencia de México. El edificio fue el primero de una serie de obras arquitectónicas que caracterizaron ese periodo.

         Por curioso que parezca, Don Porfirio pretendía mostrar al mundo la modernidad a la que el país deseaba incorporarse. En realidad, bajo el lema de Orden y Progreso, este edificio se convirtió en el hogar de todos los pordioseros –hoy conocidos como teporochos-, homosexuales y, por qué no, uno que otro disidente político. En concreto, la arquitectura era la muestra plena del arte del poder.

         El texto dramático de David es complicado, difícil de seguir, al menos en su inicio ya que se eterniza el planteamiento integral porque, entre otras cosas, aborda una multiplicidad de temas que tardan en asimilarse. De hecho el primer acto se vuelve interminable y bien podría ser recortado sin detrimento del fondo.

         El segundo acto es lo más valioso de la dramaturgia, misma que se vale de una serie de metáforas que al ser llevadas a escena enriquecen la propuesta; metáforas a través de objetos que adquieren una simbología digna de un semiótico, como una tina que se transforma, ante los ojos de los espectadores, en La Nave de los Locos.

         Nuevamente David nos muestra su pasión por los hechos históricos y su profundo afán por llevarlos al escenario, con la ventaja de ser un excelente escritor. Cabe aclarar que no es el típico que sólo retoma los acontecimientos para recrearlos, no, su imaginación e interpretación de los hechos es lo que le da fuerza y vigor a sus obras.

         Sin ser un texto de corte psicológico –ni lo pretende- si hay todo un contenido sobre las mentes de unos seres recluidos bajo las peores condiciones, por qué son unos que se dicen cuerdos los que califican de orates a una minoría indefensa y que sólo por ser diferentes son condenados peor que si fueran criminales.

         David asume la dirección de su propia obra –como en anteriores ocasiones- y atinadamente reúne a un grupo de actores que en forma idónea caracterizan a cada uno de los personajes. Los más importante es que la dirección los integra a la perfección y ninguno se dispara, porque hay que recordar que los papeles de borrachos y locos son de los más difíciles de interpretar en el teatro.

         Gabriel Pascal diseñó más que una escenografía un espacio, que se reduce a una habitación –el cuarto de enfermeros- que es tomada por los locos, quienes en un acto de rebelión se asumen como los gobernantes que tiene el poder y la capacidad de decisión para llevar adelante sus “locas” ideas políticas. A medida que transcurren las escenas queda para la reflexión si los verdaderos locos no son quienes han detentado y detentan la conducción de las naciones. Gabriel comprendió que la fuerza del texto es fundamental, de ahí que además del espacio ideal, se apoyó en una iluminación que enriquece el ambiente, no hay pretensiones de lucimiento sino de eficacia dramática.

         El cuerpo actoral está conformado por Rodrigo Espinoza, José Concepción Macías, Humberto Solórzano, Ramón Barragán, Luis Mora, Rodolfo Guerrero, Maricela Peñalosa y Raúl Espinosa Faessel. Sólo Rodrigo es quien está por debajo del trabajo de conjunto y su personaje, por momentos, parece salir de otra obra –su personaje es un actor y Olguín hace teatro dentro del teatro, lo que podría darle una explicación, no una justificación- y algo le falta para alcanzar la fuerza dramática requerida.

Ramón sencillamente espléndido, un personaje que por si mismo hace reír, en el buen sentido del término, a pesar de que tiene una palabra que el propio autor desgasta en forma inmediata de tantas veces que se menciona. El resto como ya se mencionó, perfectamente integrados realizando una buena labor de conjunto.

Una serie de locos que se preguntan qué le pasó al país. Una Castañeda que si bien hoy ya no existe nos recuerda el recinto de la Cámara de Diputados donde cualquier “loco” toma la tribuna y defiende sus sinrazones, sin olvidar a aquellos locos contemporáneos que han ingresado al recinto legislativo a caballo o que se han puesto máscaras de cochinitos y un largo etcétera.

Los Insensatos se representa en el teatro El Milagro, de la Ciudad de México, los jueves y viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas. La temporada se llevará a cabo hasta el 28 de noviembre.

Octubre 2010



Teatrikando
Por BENJAMIN BERNAL


La controversia deVallladolid

Con escenografía metálica,  como se usa en los conciertos, vemos un excelente trabajo retórico en  varios niveles, todo esto  jueves a domingo, en el  Juan Ruiz de Alarcón. Me recordó Pueblo rechazado, el texto pasa a primer plano para ir aclarando un tema controvertido, en este caso la calidad de los indígenas, ¿tienen alma o no? A 30 pesos el boleto, no hay razón para perderse estos espectáculos universitrios. Conviven ropa actual y trajes de época, entra alguno en una Harley Davison. Las frases en latin son frecuentes para indicarnos que pocos lo conocían y unos cuantos sabían leer y escribir, investigación acerca del maltrato de que han sido objeto; realmente hoy sigue siendo materia de controversia que tanto les ayudan, o perjudican sus “representantes” ¿Cómo salvar el alma sin salvar el cuerpo? ¿Serán acaso descendientes de seres del infierno? José Caballero dirige ésta obra de Jean Clude Carriere, con traducción de José Caballero y Rosa Marta Fernández. Es curioso que autores mexicanos hablen de Irak y un francés aborde temas importantes, este año de  Bicentenario.
Gran trabajo de Hernán Mendoza en el rol de Fray Bartolomé de las Casas, Toumani Cámara Velázquez, Carlos Alberto Orozco, entre otros. Obra que contiene una guerra argumentada, Hernán es de las Casas, quien confronta al tribunal eclesiástico. Poco efectivo el bufón que debería hacernos reir, pero la calificación global es alta para este montaje histórico.

Tanto soñé en ti       
Una pieza delicada, poética, pero tambié teatral, reúne textos de Apollinaire, Kafka, Poniatowska, bajo una línea conductora, la mujer abandonada que vive recordando eso que es casi un fantasma, Sandra Peña,boliviana, es la actriz que interpreta estos fragmentos, el espectáculo tiene gran belleza y erotismo. Sobre ella cae la luz de un retroproyector que maneja Olivier Dautairs para ir creando la escenografía, sobre ella, sillón o sobre su ropa. Hay un ciclo contínuo los sábados a las seis en La Alianza Francesa de San Angel, se la recomendamos porque disfrutamos de bellas novedades en ambos idiomas, para que todos sigamos la trama.
Clowndestinos
Hace un año recibieron premio de APT, mejor ontaje humorístico, Los Huevo Cartoon. Originarios de Querétaro, ahora regresan a la carga con Deshaciendo Cuentos, un grupo que recuerda a Les Luthieres, pero tienen personalidad propia. Toman los cuentos clásicos, como Caperucita Roja y logran otra historia, hilarante, irreverente y fresca. Rodolfo Riva Palacio, Fernando Meza, Armando González, Polo Rojas y Jurgan Bautista mantienen la atención acerca de sus cultas propuestas para que sepamos pronunciar el nombre de un cuentista francés. Les acompaña dos bellas jovencitas para además, echar relajo. Viernes 21 horas, texto y dirección de Rodolfo Riva Palacio.
Conferencia sobre Periodismo de Espectáculos , Festival ENEAE
El dia 17 de octubre, a las 14 horas, dará una conferencia el Presidente de APT, al celebrar 30 años de ejercicio profesional. Será en la Casa de la Cultura José Martí, Dr. Mora 1, cerca de la Alameda Central, el otorgante será el Festival Jade Evolucion Arte (Encuentro de Artes Escénicas) dirigido por Donnovan Santos, todose octubre hay actividades gratuitas, conferencias, películas, conciertos y exposiciones en varias sedes.                    

LAS MENINAS Y NEURASTENIA: DOS OBRAS DE DRAMAFEST BICENTENARIO

Por Perla Schwartz

Cuatro fueron las obras montadas en el marco de Dramafest Bicentenario
2010. Es así como tenemos “Las meninas”, un juguete escénico de gran
calidad escrito por Ernesto Anaya (autor también de “Croll” que se presentó
en Dramafest 2006).

Texto lúdico, que bordea en torno a la esterilidad creativa, experimentada
por el pintor Diego de Velázquez, los últimos 20 años de su vida, y en este
contexto, después de un chispazo de iluminación, pinta “Las meninas”, una
de sus obras maestras, la cual ha trascendido el tiempo y los espacios.

El dramaturgo intenta responder a las interrogantes de que se esconde tras
dicho cuadro, y lo hace con gran dominio de la dramaturgia, con inteligente,
al tiempo que realiza una disección crítica de una sociedad permeada
por la hipocresía y las supuestas buenas costumbres, una doble moral,
perfectamente dibujada en el retrato de la Infanta Margarita (que cuenta
con una interpretación de Aurora Cano, quien es también la directora de
Dramafest).

Cordelia Dvorak es la encargada de diseñar una escenografía, a modo de un
cuadro que se despliega, y dentro de éste transcurren los diversos eventos
que narra la obra, asimismo conjuntó un bello vestuario vistoso y acorde a la
época en que se desarrolla la acción.

El joven director español Ignacio García, especialista en ópera, es quien es
el encargado de la puesta en escena y lo ha hecho de un modo sensitivo,
cuidando hasta el último detalle, creando sutiles atmósferas. Permite el
lucimiento de Diego de Velázquez, a cargo del experimentado actor Javier
Díaz Dueñas, así como el despliegue de eficacia actoral del resto del elenco
conformado por Ichi Balmori y Violeta Sarmiento como las Meninas y de
Arturo Vences, como la Maribola, un enigmático personaje, de naturaleza
andrógina, del cual se vale el dramaturgo para llevar al espectador a una
serie de reflexiones de escritores contemporáneos como Borges o Lewis
Carroll.

“Las Meninas” es una obra muy gozosa, lástima de su corta temporada que
se llevó a cabo en el MUAC, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo
del Centro Cultural Universitario, ojalá se vuelva a reponer, deja muy en claro
el cómo una sociedad prejuiciosa no avanza.

Otra de las obras presentadas en Dramafest Bicentenario, y que aún
continúa en temporada, los lunes a las 20.30 horas en el Teatro Helénico
es “Neurastenia” de Ximena Escalante, la premisa es buena, se está
representando una obra en torno a Leona Vicario, y en los camerinos se
suscitan una serie de enredos, a partir de que un ladrón se introduce, de este
modo quedan de manifiesto, las bajas pasiones que esconden los intérpretes
de la misma.

Desafortunadamente el desarrollo dramatúrgico de la obra deja mucho que
desear, los parlamentos se dispersan, caen en muchos clisés, y la figura de
Vicario se desdibuja y nunca alcanza altos vuelos.

El director Carlos Corona hace su mejor esfuerzo para sacar avante la puesta
en escena, pero se torna larga y aburrida, a pesar de contar en su reparto,
con buenos actores como Karina Gidi y Carlos Aragón.

El único toque lúdico rescatable, y sobre todo por la gracia y desenvoltura
que los interpreta es la participación de la talentosa Carmen Ramos en dos
papeles como cocinera y sirvienta.


  
Columna Teatrikando
 GORDA, se va de cartelera

Por BENJAMIN BERNAL

Fue de las primeras obras del presente 2010 y está a punto de dejar la cartelera, así que debe apurarse para poder verla.  Se estrenó durante lassemanas en que México vivía una experiencia Surrealista, el extravío de la niña Paulette y las desconcertantes declaraciones de quienes intervinieron en el caso. Bueno, pues vi, Gorda, obra que pudo llevar a escena Eugenio Derbéz, pero se la ganó el grupo donde trabaja Morris Gilbert; Fat Pig de Neil Labute me resultó divertida, interesante, aunque la verdad, hicieron tanto ruido a la actriz hispana Mireia Gubianas, chica que ya había cumplido con ese rol en España y Argentina, que acudí esperando tener una experiencia fuera de serie. Lo hace bien, es agradable, sin embargo, se ubica dentro de los estándares que vemos cada semana. En esa misma obra Héctor Suárez Gomíz deja una fuerte impresión por un sincero trabajo, sin las sobreactuaciones que nos muestra en El Pelón, entrega en Gorda una enorme variedad de tonos e intenciones.  Juán Carlos Barreto es eficiente, aunque le veo fuera de edad, ya que son dos amigos muy llevaditos y no pienso que se pudieran comunicar así, siendo de distintas década, Barreto se ve de 50 y Suárez de 30. Pero ambos logran buenas y divertidas escenas.
Buen texto, eficiente dirección del argentino Daniel Veronese, a quien ya conocemos los amantes del teatro, pues desde 2009 está en escena “Mujeres soñaron caballos” en otro género, otro estilo, que también gustó mucho. Gorda es una comedia romántica, sirve para hablar de la segregación y señalamiento -dice Veronesse- que reciben los que son diferentes, aunque se centra en una joven que establece una relación amorosa, de la que él duda por momentos. No por inseguridad personal como en el caso de Sweet Charity, sino por el medio ambiente social. Somos discriminados los mexicanos en otras latitudes, pero internamente hacemos menos a obesos, flacos, morenos, por mencionar sólo algunas diferencias.
Usan una escenografía diseñada por Alberto Negrín más o menos útil que obliga a largas caminatas para las escenas de la oficina, luego están en un bar y van a la recámara, adecuada a secas, con vestuario convencional de nuestra épocade Emilio Rebollar. Este año he visto algunos temas nuevos e inquietantes, este es uno de ellos, la obesidad no era prevenida por las autoridades y ahora que les resulta muy costosa lanzan campañas de alarma. Así que ningún productor podía desaprovechar el tema, aunque de ahí a decir “que aborda la discriminación en general” es verle demasiadas cualidades.  Cristina Pastor es la nueva actriz que lleva el rol central, con buen desempeño, como era de esperarse en una producción de esta naturaleza.
 Se puede ver en el Fernando Soler del Centro Teatral Manolo Fábregas de la Colonia San Rafael,  ahora, a esperar un "Dios Salvaje" con  Ludwika Paleta, Rodrigo Murray, Mónica Dionne y Flavio Medina, luego  A Chorus line...

Teatrikando

Por BENJAMIN BERNAL
La crítica teatral, teoría y práctica


Este lunes hubo un panel en el teatro El Granero, se reunieron los principales representantes del periodismo  especializado en Artes Escénicas,dio una conferencia Rodolfo Obregon, profesor universitario acerca de la crítica ensayística y explicó sus requisitos. Más tarde se realizó un panel para profundizar en el tema: Tomás Urtuástegui, presidente de la AMCT (Asociación de Críticos de teatro), Rosa Margot Ochoa,  periodista y escritora; Jaime Chabaud, director de la revista Paso de Gato y quien esto escribe. Como siempre se propuso: Es necesario elevar el nivel de los periodistas, recuperar los espacios en los medios; adaptarse a las herramientas modernas, blogs, facebook, twitter, radio y televisión; unirse gremialmente siempre será una buena idea.
Leí a los asistentes la crónica que tengo publicada en un libro: Nacimiento y evolución del periodismo especializado, desde que en 1937 Xavier Villaurrutia y Francisco Monterde inician esta labor a través de la Asociación de Cronistas de Espectáculos y Musicales. Se describe el nacimiento de la AMCT, que aproximadamente tiene 65años; la Agrupación de Periodistas Teatrales por su  parte cuenta 28 años; ambas especializadas en teatro y han ganado el respeto del medio artístico. Más tarde han aparecido otras que simplemente entregan reconocimientos a cantantes, empresarios y médicos. La época ha cambiado la manera de hacer periodismo escrito, radiofónico, televisivo, internet, determina otro lenguaje  y extensión. Quedando el ensayo para las revista especializadas y público restiringido. La APT por su parte se define como integrada por comunicadores, sin implicar la palabra crítica, que parece confrontar innecesariamente.
Los insensatos, teatro El Milagro

    
Rodrigo Espinoza, JoséConcepción Macías, Humberto Solórzano, Ramón Barragán, Luis Mora, Rodolfo Guerrero, Maricela Peñaloza y Raul Espinosa dan vida a un hospital que abre sus puertas, lo inaugura Porfirio Diaz. Dirige y escribe el guion David Olguin. ¿Qué país es este? Desde su banco ven como nos llevaron al baile, estableciendo la posibilidad perpetua de la sinrazón. La arquitecutra es poder, dicen porque esel año en que se inaugura el Palacio de Bellas Artes y también el Manicomio de Mixcoac, la famosa Castañeda, donde ahora esta la Preparatoria número 8. Levántate y anda, le aclaran que no pertenece al texto. Septiembre se llama el afeminado  loco que deambula provocando controversias. Somos doctores, concéntrense, somos orden y progreso, ¡qué ves atrás de esta mediocridad¡
Un montaje que hacen coincidir con el Centenario y Bicentenario sin ánimo de quemar incienso a los héroes que nos dieron patria, ¿festejamos algo?Ejercicio actoral interesante para que nos pongamos frente al espejo y preguntemos: los políticos están en la Castañeda, nosotros, ¿cuando entramos? Es un manicomio el de afuera y los cuerdos están dentro. Pero festejemos, señores. Milan 18 col. Juárez.

Señorita Julia

  
En la Gruta de El Helénico, vimos esta obra de August Strindberg, con adaptación de Sergio López Vigueras, trabajo que me dejó satisfecho al mostrarla esencia del poder femenino, encarnado en una bella actriz, enmarcado por el abuso de un padre narcotraficante al que nunca vemos. Esta modificación al texto sirve para que imaginemos las entrañas de una familia mafiosa, que seguramente existe, con una aspiración de independencia, salir huyendo con unos kilitos para empezar una nueva vida. Quizá les falte un pcoo más de fuerza, violencia, erotismo, para que impacten más las escenas finales, ya que tenemos momentos románticos que se deben romper. Maricela Peñaloza, Rodolfo Blanco y Maria del Carmen Félix. Buen trabajo.

Teatrikando
Teatro Ofelia: Casa de Muñecas


Por BENJAMIN BERNAL

Fui a ver Casa de Muñecasde Henrik Ibsen (1828-196), en el Teatro Ofelia, ya saben en la calle de Thiers. Esta clásica obra cuestiona la estructura denominada familia, que da lugar a los roles hombre-mujer, misma que tantos problemas ha creado. ¿Es inamovible?Algun día la mujer no quiso jugar ese papel y creó el feminismo. Me interesó verla aunque la conozco bien para saber si el aficionado muestra interés, ya que el foro de la Anzures ha tenido altibajos, A vivir tiene largas temporadas y otras obras para nada.
 Veamos cada detalle:  como texto es interesante, bajo la adaptación deAntonio Algarra, en tres actos, pero breves. Escenografía mínima deJorge Ramírez, con uso de poco presupuesto, y vestuario sin mayor relevancia, apoyo de un patrocinador, montaje “bonito” a secas. Ya sabe usted, están enfocados al aficionado que quiere ver clásicos, fundamentales para una cultura general bien nutrida.

Recordamos de Ibsen, Espectros y Peer Gynt,  frecuentemente llevadas a escena en el ambiente universitario,  por eso es digno de aplauso este esfuerzo en al ámbito comercial que se centra en otro tipo deespectáculos de mayor frivolidad. Pasemos al elenco: Erika Rendón interpreta a Nora, el clásico personaje, con desempeño limpio y preciso, al mismo nivel Gilda Valderrábano, actriz que da vida a su Cristina; amiga de la mujer que usaron de arquetipo para el feminismo. Tal vez esta fuera de época, ya que el acto inmoral cometido, es inocente en nuestra época, cuando políticos y banqueros corruptos son ejemplo a seguir de la juventud mundial. No le contaré la historia, que probablemente conozca. Pasaré a Ivan Romo, Torvaldo, quien apenas cumple con su rol. A menor nivel Ricardo Nájera y Nathan Witenberg. Un detalle fuera de lugar es la forma de cojear del Médico, balanceo deambos lados es falso, ojalá lo cambiara. Y no les vendrá mal un poco demaquillaje para verse viejos, son demasiado jóvenes para darnos a personajes de venerable edad.
Hay momentos álgidos que se vieron sobreactuados, algo lenta por momentos, el clásico portazo final está ausente, detalles que podrían ir afinando conforme sientan la respuesta en taquilla. Para hacer una  evaluación global, la obra me gusta, hay que verla para disfrutar una propuesta fundamental para la dramaturgia, con algunas actuaciones interesantes y una dirección que requiere mejorarse.  

TARTUFO
Felipe Oliva, Alejandro La Madrid, Marco Vinicio Estrello, Cinthya Quintana y Bárbara Méndez dan vida al texto de Moliere. Adaptado por Felipe, quien también dirige, para que nos divirtamos  un buen rato. Han centrado la atención en los detalles que cambiaron, Tartufo es tremendista, levanta las faldas de la dama de la casa, la sirvienta y la hija, abre escotes, vaya, tiene elementos para ser XXXX, aunque se detienen para que sea familiar. Se divierten ellos y nos entretienen todo el tiempo. Usan escenografía mínima y vestuario adecuado. Pienso que si la llevara a ser más atrevida, quizá funcionara de maravilla en un teatro bar. Muy recomendable, puede verla en el Teatro Coyoacan, Héroes del 47 cerca de división del Norte. Viernes a domingo.  La hija del dramaturgo Wilebaldo López, Mariana Brito es una mujer muy emprendedora, acaba de cumplir 10 años como promotora teatral y sigue adelante.

TREN 05
En el mismo teatro Coyoacán vi  Tren 05, trabajo interesante con dirección de José Roberto Puente. El texto ha sido creado por ellos mismos, con la idea de mostrar la soledad que invade esta época, la soledad y el desencanto. Los objetivos que establecen nuestros padres, maestros, los medios, empresas, filmes, que nos hacen sentir vacios. Kary Carmona, Paola Estrada, Roberto Garza, Thalìa Meléndez, Gabriel Martínez, son buenos actores todos y la  dirección logra mantener el interés durante 80 o 90 minutos que dura la acción. Interesante, atractivo montaje que todavía puede recibir algunos ajustes para hacerla demayor impacto. Pero, como está es un excelente trabajo colectivo. Jueves, 20 hs.

 EL FILOSOFO DECLARA
En el Teatro Santa Catarina vi el estreno de Juan Villoro, su arribo al terreno de la dramaturgia. Es un caso excepcional, pues hace un año lo vi en Teatro el Milagro, el mismo leía su obra ¡y ya fue estrenada¡ Después le cuento.

A CHORUS LINE, segundo musical del año (Qué fea tropicalización del nombre *)
  

Un año de escasas propuestas en materia musical, sólo Hair Spray y esta, por eso nos dió gusto que presentaran al elenco  de A chorus line, 2010, con el feo nombre de La linea del coro. Antes llamada Audición y el Gran Final, tropicalizar el nombre nos parece poco afortunado, porque los conocedores la identifican como A chorus line (que nadie pronuncia mal si eso  creen los directivos) En realidad le podrían llamar Audición o Casting, vocablos generalizados y entendibles. Salvo que haya problemas con los derechos de autor.
Olivia Bucio estuvo en aquella ocasión estelarizando, recuerdo que no había grandes figuras, fue en el teatro Silvia Pinal.
Ahora estan María Filippini, Paco Morales, Estebalitz Ruiz, Ana Cecilia Anzaldúa, Mauricio Salas, Rogelio Suárez, Jacobo Toledo, entre otros.Por cierto, se habla del 3 de noviembre para estrenar.
Algo es significativo, sin duda, será una de las obras musicales con menos presupuesto en materia de escenografía, ya que debe mostrar el foro desnudo para una Audición  o casting. 
Se dice que se trata de sesiones agobiantes, audiciones pesadas, castings que exigen mucho, para que finalmente logren ser contratados. A la pregunta de ¿son humillantes? Asegura Mauricio que no, pero depende de la persona que dirige la sesión. El filme y la obra son ampliamente conocidos por los que andamos arriba de 50, ya que vimos el filme, obra o escuchamos a los mayores, ahora vienen las campañas masivas para interesar a los realmente jóvenes. No dudamos que será un "trancazo"
* sobre el nombre: such is a tropic

EL FILÓSOFO DECLARA: TEATRO DE LA PALABRA

Por Perla Schwartz

La egolatría, la vanidad, las neurosis incontenibles que prevalecen endeterminados pensadores e intelectuales son abordadas de una manera lúdica e incisiva por Juan Villoro en “El filósofo declara”, obra montada con precisión y un gran trazo escénico por Antonio Castro.

Teatro que se fundamenta en la palabra, pero que el responsable de la puesta en escena, supo darle un desenvolvimiento ágil, para que destaquen las frases dichas por los diferentes personajes, sin que su discurso resulte tedioso o cansado.

La acción gira en torno al Profesor (un estupendo Arturo Ríos), un hombre un tanto frustrado, en vista de que no logró destacar al igual que otros colegas filósofos, él guarda resabios de lo que pudo haber sido y a final de cuentas no fue.

En el ocaso de su vida es acompañado por su fiel esposa y compañera Clara, interpretada por Pilar Ixquic Mata desplegando varios matices en su personaje, una Clara que debió dejar a un lado, su promisoria carrera como pensadora, para dedicarse a un marido difícil, pero del que decidió ser una cómplice total.

“El filósofo declara” se desarrolla en una noche un tanto accidentada, que será festín de los egos, al tiempo que desenmascaramiento de las pasiones

más ocultas, con la llegada azarosa de la sobrina Pilar (Fabiana Perzabal) quien impondrá cierto toque de sutileza a las bizarras discusiones.

Y los “convidados de piedra” también serán Jacinto, el chofer (Edgar Parra), así como el Pato Bermúdez (Emilio chavarría), presidente de la Academia de Filosofía. El texto de Villoro es hilarante y da un retrato de los ámbitos intelectuales, de las ostentaciones de la inteligencia, del festín desbordado de los egos.

Tal vez el tono de la obra sea un tanto intelectual, pero ello no obsta para que sea sumamente hilarante, al tiempo que invite al espectador a una reflexión profunda, en cuanto que “no todo lo que reluce es oro”.

El diseño de la escenografía y vestuario a cargo de Mónica Raya, es un firme soporte para el desarrollo de una puesta en escena, que conjuga a un buen elenco, a un director sensible y ante todo un texto dramático de primer nivel que deja de manifiesto esas miserias humanas, que no son tan fáciles de disfrazar.

“El filósofo declara” de Juan Villoro se presenta los jueves y viernes a las 19.30 horas, los sábados a las 19 y los domingos a las 18 horas en el Teatro Santa Catarina, con temporada hasta el próximo 21 de noviembre.

Panel la Crítica Teatral en México, Conferencia Magistral, septiembre 2010

Voy a incluir unos párrafos acerca del nacimiento de la Agrupación de Periodistas Teatrales... Dijo Benjamín Bernal al iniciar su intervención
Reseña de la mesa redonda La critica de Teatro en México
Realizada en el teatro El Granero 13/sept/2010
Convocada por la maestra Isabel Quintanar, directora del Centro Mexicano de Teatro ITI UNESCO, abrió el evento Rodolfo Obregón, con una conferencia magistral quien aseguro que no hay crítica en México y que el nivel del teatro es deficiente “estamos muy lejos, "tan lejos de Alemania, como en el Mundial estuvimos de España o de Brasil". Su propuesta es revalorar la crítica ensayística, ya que se han perdido los espacios, es el Director del Citru.



El panel que vino enseguida integrado por periodistas y teatristas expresaron sus puntos de vista sobre ese tema:
Jaime Chabaud, Director de la Revista Paso de Gato: Hay que salvar los espacios que se han perdido, hay diferentes niveles, uno que han llamado “crítica de consumo” Hacen un flaco favor en llamar crítico a todo el que escribe, en el siglo XIX era más ensayística, ojalá volviéramos a la crítica de entonces. Me gustan cuando son verdaderas joyitas, por ser ensayísiticas o hasta ingenuas, pero que den elementos al lector para juzgar si asistir o no.
Mario Saavedra, Jefe de Cultura de una Delegación Política, dice que es un espacio dedicado a laliteratura, claro que el espacio siempre será insuficiente, mostró acuerdo con los demás conceptos vertidos.
Tomás Urtusástegui, presidente de la Asociación Mexicana de Críticos Teatrales centró su ponencia en los elementos esenciales que debe contener, claridad, fuerza, de ser posible expresarlo con belleza, conocimiento de los géneros, además de estar inmersos en el mundo del teatro, en el caso de una obra, de sus actores, director, vestuarista. Resaltar lo mejor y lo peor. Los artistas las ven como alimento para su ego, para solicitar becas Fonca. Hay que reconocer, agrego, que hay algunas que sólo entienden los especialistas. Actualmente en las asociaciones hay gente de edad, hacen falta jóvenes.
Gustavo Suárez Ojeda, presidente de un reciente grupo de Periodistas, en general expresó su armonía con las ideas que venía escuchando.
Rosa Margot Ochoa, socia de AMCT, escritora y dramaturga leyó un texto que será publicado en la Revista Teatro del ITI UNESCO:
El Arquitecto Francisco Peredo, presidente de la Asociación Internacional de Teatro Amateur, mostró su afinidad con los conceptos que habían sido vertidos.
A continuación las palabras de Benjamín Bernal, Presidente de la APT, Agrupación de Periodistas Teatrales, quien cumple ocho años en ese puesto.
La APT, fundada por Emmanuel Haro Villa (ya fallecido), tiene más de28 años de vida: “Es muy difícil en un tiempo tan acotado dar un panorama de la Crítica Teatral en México, voy a incluir unos párrafos acerca del nacimiento de la Agrupación de Periodistas Teatrales.
Publiqué en el año 2003 un breve ensayo histórico, donde hago una reseña del nacimiento y evolución del Periodismo de espectáculos, pequeño libro que fue regalado en la XXIV Premiación de APT. Hago referencia a la reunión que hubo en mayo de 1938, en el Café Paris formado por un grupo de Periodistas de Espectáculos, quienes tuvieron la idea de entregar premios a lo mejor del año 1937. Le llamaron Asociación de Cronistas de Espectáculos Teatrales y Musicales, con la presencia de Francisco Monterde, Alfonso de Icaza, Manuel Horta, Armando de Maria y Campls, Xavier Villaurrutia, José F. Elizondo, Guillermo Castillo, Antonio Esquivel y Jerónimo Baqueiro Foster.
En él mismo recuerdo que la Crítica Teatral nace con enfoque en el Teatro Comercial fundamentalmente. Continuó diciendo Bernal, esos periodistas se reunieron para redactar un comunicado que publicarían dando a conocer lo mejor del año en sus respectivos medios. Quizá sin pensar que años después fuera convirtiéndose en entrega de premios formal, con cena o sin ella, que da lugar a diversos tipos de ceremonia que gusta mucho al artista y a los medios informativos. Se habla y dicen muchas cosas acerca de estas reuniones, pero la verdad es que el 90% de los aficionados, así como los teatristas asisten con gusto . Cuando menos en el lobby tendrán múltiples entrevistas, APT logra una afluencia importante de las personas que invita, los famosos y figuras en embrión.
Estuvieron Jaime Chabaud, Rosa Margot Ochoa, Tomás Urtusástegui, Mario Saavedra, Paco Peredo, Benjamín Bernal
Cuando empecé a escribir de esta materia en Novedades, la Asociación que debía cubrir año con año era la Asociación de Críticos de Teatro que presidía Don Rafael Solana. Era más especializada en el teatro comercial que en el ambiente del teatro Institucional, aunque si lo incluyeM; Fui parte de ella algunos años. Vi entrar y salir a muchos socios. Los últimos Presidentes son Jorge Ramos Zepeda (fallecido director y dramaturgo) y Tomás Urtusástegui(dramaturgo), con quienes he llevado una sólida amistad.
Más tarde una separación amistosa dio lugar al nacimiento de la Unión de Críticos y Cronistas de Periodistas de Teatro, presidida por Ana Ofelia Bello, con fuerte influencia y apoyo de Sebastián Verti. A la muerte de Ana Ofelia nadie retomó las premiaciones. Actualmente se encuentra en suspenso.
APT, cumple 28 años de servicio
Su definición básica es que está integrada por comunicadores, haremos el próximo febrero la XXVIII entrega de premios a lo mejor del Teatro.Colaboramos estrechamente en el Primer Seminario de Crítica de Teatro en México, organizado por el CEMEX, muchos años antes de que yo fuera Presidente, era nada más socio de APT y Secretario General de AICT.
Participé en un congreso sobre crítica teatral organizado por Emmanuel Haro Villa y Fernando de Ita en Querétaro. Alrededor del año 1998 colaboré con la maestra Quintanar en el Primer Seminario para Críticos de Teatro, patrocinado por el ITI UNESCO. Hemos realizado actividades en el Instituto Andrés Soler, en CECS Universidad de Comunicación, diversas conferencias aprovechando la experiencia de Mario de la Reguera y Humberto Morales. Entre otros homenajes: Dirijo desde hace varios años El Diario de un Loco (n. 1929, fallecido el 10 octubre de 1987) Estrenado en su 15 aniversario luctuoso, porque la memoria del teatrista y del espectador es débil. Nuestra labor es no dejar que se olviden. Otro ha sido a Sergio Corona, Lya Engel, connotada periodista de Proceso.
Colaboramos estrechamente con el Centro Mexicano de Teatro ITI UNESCO en los Festivales del tipo Amantes del Teatro, las mesas redondas, El Humor en México. Ahora apoyé éste Panel que sin duda será piedra fundamental para que evolucione y se fortalezca, el Periodismo de las Artes Escénicas.
APT tiene en sus objetivos institucionalizar algunos de sus elementos, por ejemplo: no cambiar de socios frecuentemente; fecha fija para las ceremonias, generalmente el tercer lunes de febrero y aplicar criterios aceptados por toda la comunidad teatral para señalar categorías.
En mi caso, me ha tocado no cambiar la sede gracias a la generosidad de la señora Fela Fábregas, lo que ayuda mucho a que sientan que hay continuidad, llevamos diez años de estar ahí, en su Teatro. Ser siempre los primeros en señalar ternas y premiados nos obliga a ser más cuidadosos en nuestra aplicación de criterios, aunque también es un orgullo la posibilidad de marcar la pauta.
Otras Agrupaciones y Asociaciones de periodistas: nace la ACPT, producto de un roce que da lugar a una escisión. Tiene quince años de realizar su entrega de premios, la ceremonia de premiación normalmente es un mes después de la que realizamos. Asegura el también abogado, Bernal.
La Academia Mexicana de Teatro se inició como una alternativa para fomentar la comunicación de los creadores con el público, recuerdo a Claudio Obregón como su Presidente, generalmente se dedica a realizar actividades de carácter académico
No existe Crítica Teatral en México. El nivel del teatro local esta lejos de las grandes capitales del mundo: Rodolfo Obregon
La Academia Mexicana del Humor, tiene relación con el CEMEX (primer presidente Raúl Vale, actual Jorge Ortiz de Pinedo) ha realizado mesas redondas, reuniones, homenajes y funciones de beneficencia como alguna reciente para el Teatro Aldama por un incendio que vivieron. Tiene muy buena relación con el CEMEX (Centro Mexicano de Teatro ITI UNESCO) recordamos que apoyó el ciclo La Risa en México con personalidades como Sergio Corona, Nicolás Alvarado, José Solé, David Ramos, Rodolfo Obregón, Polo Ortín y Edgar Cevallos, de los que recuerdo.
Hay grupos de periodistas y amigos del arte que hacen entregas, sin hacerla en cierto mes o saltándose algunos años; otras de más reciente creación son muy abiertas a dar reconocimientos a otros personajes, Empresarios, Médicos, Familiares de gente famosa o quizá hijos de cantantes distinguidos. El Paseo de las Estrellas, ustedes lo conocen, dedica sus reconocimientos al mundo del espectáculo en general, también incluye teatro.
A nivel anecdótico es mucho lo que se puede decir, como la participación de algunos aficionados al Teatro que hacen crónica, artículo o nota y pomposamente le llaman crítica, lo que desorienta un poco a los lectores, aunque no duran mucho en la fuente. Cuando son periodistas adentro de la nómina de los medios, están sujetos a los criterios de su empresa; si es necesario especializarlo o mandarlo a otra sección, se pierde toda esa experiencia y conocimiento.
Nosotros (APT) admitimos nuevos socios con frecuencia, aunque tenemos algunos criterios de selección, una de ellas consiste en establecer requisitos de acceso y plazos para adquirir todos los derechos, para apreciar su permanencia y deseos de convivir en un ambiente de cordialidad, ya que se han visto experiencias desagradables en otras asociaciones. Hay periodistas que se dicen independientes, algunos porque así lo han decidido, otros porque no les aceptarían en ninguna parte y todos pueden recordar sus nombres.
También hay etapas en que algunas Asociaciones de críticos no han realizado la ceremonia tradicional, supliéndola por una entrega virtual y luego enviando los diplomas a cada artista. Por eso menciono que así nacieron las asociaciones, informan a través de sus diarios o programas de radio, método sencillo, sin costos, ni el enorme trabajo organizativo que implica.
Grupos que organizan entregas de reconocimientos o fiestas, en Salones donde hay Cena incluida, en diversas especialidades que también atienden teatro. Les agradan a los artistas, quienes acuden a dejarse ver por las cámaras fotográficas o televisivas, en general son reuniones agradables, con mayor o menor glamour. A los medios informativos les simpatizan, porque tendrán entrevistas sobre los chismes, divorcios y juicios penales de moda. No nacen con un criterio académico, sin duda.
El Premio Arlequín empieza como baile de disfraces, se parece a una premiación teatral, aunque no se focaliza en ello. Mencionaremos Los Globos de Oro y alguna revista de espectáculos, con criterio abierto a otras materias. En fin, considero que lo importante es el trabajo que todos ellos hacen para el lucimiento de los artistas; conviven los famosos con los que apenas empiezan, con los compañeros que no ve hace años, los aficionados para ver a la gente del cine y la pantalla chica. El modelo Broadway impera en estas reuniones, con ciertas novedades como la alfombra roja, que a veces es un tapetito, una pared con logotipos que saben evitar los fotógrafos y camarógrafos.
Hay diferentes niveles de reuniones que convocan las Asociaciones de Periodistas Especializados, todas son buenas porque ayudan a la promoción del Arte y el Entretenimiento. Es más parafrasearé a Voltaire, si no existieran este tipo de uniones gremiales habría que inventarlas”
Fué una reunión Maratónica, en que el público asistente aguantó con estoicismo las frases y palabras propias de los teatristas, sin entenderlas del todo, pero ahí estuvieron. No así varios de los ponentes, quienes aduciendo citas y compromisos, previos (fueron convocados hace un mes) salieron huyendo ante la cascada de conceptos que motivan e interesan sólo al gremio. Destacan varias ideas recurrentes esa noche: que no pagan a los críticos en sus respectivos medios, no hay escuelas donde estudiar ese tema, que le dan poco espacio por lo que escriben lo que se puede, los espacios de crítica teatral en los diarios son inexistentes o breves, los lectores prefieren la nota clara, breve, que los conceptos rebuscados. Se repitió varias veces esa noche Bruquiano, Bentley, dudamos que se hayan entendido en su contexto, salvo los que escriben en medios especializados, que desaparecen con demasiada frecuencia, salvo la que dirige uno de esos panelistas, que se salva de esta tradición. Los editores prefieren chismes, sin la menor duda.
En cuanto a revivir la crítica del siglo XIX se ve difícil, con la competencia del cine, radio, televisión, la preferencia por la nota roja, twitter, facebook, los blogs, donde el código comunicacional se reduce peligrosamente, confinando a los críticos que añoran los espacios especializados, a escribir en revistas de circulación limitada con lectores que se consideran arquetipos de la ortodoxia. Sobre el teatro alemán, diré que acabo de ver un montaje que devino en carnicería con estruendosa música. Hay de gustos a gustos.
Lo malo del teatro extranjero es que lo imitan los grupos nacionales, esperando que nadie haya visto el original y les sorprenda la "novedosa propuesta"
Acerca de la crítica teatral, Rafael Solana aseguraba que no daba talleres especializados, porque al rato "todos van a imitar ese modelo"
Hay de opiniones a opiniones.
 


Teatrikando

El Filósofo declara

Por BENJAMIN BERNAL

Asistí hace cosa de un año  a la lectura de este guión teatral, que con un poco de trabajo sería una comedia perfecta, debo aclarar que es un texto disfrutable en el ambiente universitario, donde fue estrenado hace poco. Pero en un lugar con público heterogéneo, que mezclara todas las capas sociales, difícilmente lograría hacer reir. Quizá haciéndolo algo más cercano a comedia ligera, o llevándola más hacia el teatro del absurdo, que tuviera cercanía con Harold Pinter.
Me gustó mucho desde que la leyó Juan Villoro en El Milagro, se veían las posibilidades sobre escena, con la dirección adecuada de algún cerebro creativo y transgresor; propuesta que se queda en algo de menos poder. Antonio Castro dirige y es  eficiente para contar esta historia que nos lleva del texto muy elevado (Hegeliano no ortodoxo) hasta la banalidad de no consumir Fanta. No es porque yo prefiera otra marca. Hay algo en la parálisis fingida que no me checa, quizá sea la falta de sorpresa cuando se levanta El Profesor, en excelente nivel actoral junto con "El Chivo " de Amores Perros, Emilio Echevarría (el filósofo Pato Bermúdez) Pilar Ixquic Mata tiene hace un gran trabajo al mostrarse esposa amorosa del filósofo con neurosis borboteante.
Fabiana Perzabal y Egar Parra, completan el elenco para hacer el contrapunto con seres normales que dan pie a las furibundas frases del académico. Ropa y Maquillaje sin nada digno de contarles. “Cielo de perfección epistemológica, disfunción eréctil de la mayor parte de los miembros de la Academia” Su chofer es apodado el presocrático, porque es anterior a la razón… Los libros son vendidos por kilos para ser usados como pesas para ejercitarse. Seremos como Simone de Beauvoir y Jean Paul Sartre, expresa el paralítico. ¡Ese filósofo hace todo para apantallar¡ y para usar cuello de tortuga. Filósofo que se trivializa en hoteles de paso. Es una diosa a la que sobran brazos (se refiere a Kali)
Sin duda todos sabemos que haya un gargajo ontológico. ¿Cómo haces para decir tantos lugares comunes? Pregunta a su esposa. “Pienso como tu nada más quito todas las mamadas”  También hay un Hegeliano incómodo. O bien, especializamos nuestra ignorancia. Gusta mucho la frase “universidades, catedrales de la vanidad” o al ofrecer sopa de nóumeno. Hay sorpresas que no lanza el autor para molestar y ofender a el Profesor. Hablan de los académicos que escriben extensos artículos sobre profundos temas y que nadie lee.
Interesante trabajo con escenografía sencilla, algunas tares que se podrían aprovechar para inquietar el hambre del  público, pues prepara comida vegetariana. En fin es una obra que funcionará muy bien en el campus universitario, aunque deberían adaptarla para salir a foros dedicados a la mass media.  Son dos  profesores de filosofía que han luchado toda su vida, uno es Presidente de la Academia y ha de invitar al otro, todo lo demás es circunstancial, por lo que se iran complicando las discusiones al punto de que surja el delito.
Realmente me gustó desde que la escuché directamente de Villoro, ahora deberá tener éxito en un foro acostumbrado a recibir montajes interesantes y vanguardistas. Ojalá piensen en adaptarla para hacerla más digerible a todos. He dado cases de filosofía y sé que a muchos jóvenes se les atraganta. Pero, claro, Woody Alllen o Ionesco están dirigidos a ciertos espectadores, sin duda. Excelente estreno que puede usted ver en Santa Catarina, Coyoacán, de viernes a domingo.

Teatrikando

Teatro Ofelia: Casa de Muñecas

Por BENJAMIN BERNAL
   


Fui a ver Casa de Muñecas, de Henrik Ibsen (1828-196), en el Teatro Ofelia, ya saben en la calle de Thiers. Esta clásica obra cuestiona la estructura denominada familia, que da lugar a los roles hombre-mujer, misma que tantos problemas ha creado. ¿Es inamovible?Algun día la mujer no quiso jugar ese papel y creó el feminismo. Me interesó verla aunque la conozco bien para saber si el aficionado muestra interés, ya que el foro de la Anzures ha tenido altibajos, Avivir tiene largas temporadas y otras obras para nada.
 Veamos cada detalle:  como texto es interesante, bajo la adaptación de Antonio Algarra, en tres actos, pero breves. Escenografía mínima de Jorge Ramírez, con uso de poco presupuesto, y vestuario sin mayor relevancia, apoyo de un patrocinador, montaje “bonito” a secas. Ya sabe usted, están enfocados al aficionado que quiere ver clásicos, fundamentales para una cultura general bien nutrida.

Recordamos de Ibsen, Espectros y Peer Gynt,  frecuentemente llevadas a escena en el ambiente universitario,  por eso es digno de aplauso este esfuerzo en al ámbito comercial que se centra en otro tipo de espectáculos de mayor frivolidad. Pasemos al elenco: Erika Rendón interpreta a Nora, el clásico personaje, con desempeño limpio y preciso, al mismo nivel Gilda Valderrábano, actriz que da vida a su Cristina; amiga de la mujer que usaron de arquetipo para el feminismo. Tal vez esta fuera de época, ya que el acto inmoral cometido, es inocente en nuestra época, cuando políticos y banqueros corruptos son ejemplo a seguir de la juventud mundial. No le contaré la historia, que probablemente conozca. Pasaré a Ivan Romo, Torvaldo, quien apenas cumple con su rol. A menor nivel Ricardo Nájera y Nathan Witenberg. Un detalle fuera de lugar es la forma de cojear del Médico, balanceo de ambos lados es falso, ojalá lo cambiara. Y no les vendrá mal un poco de maquillaje para verse viejos, son demasiado jóvenes para darnos a personajes de venerable edad.
Hay momentos álgidos que se vieron sobreactuados, algo lenta por momentos, el clásico portazo final está ausente, detalles que podrían ir afinando conforme sientan la respuesta en taquilla. Para hacer una  evaluación global, la obra me gusta, hay que verla para disfrutar una propuesta fundamental para la dramaturgia, con algunas actuaciones interesantes y una dirección que requiere mejorarse.  

Tartufo
Felipe Oliva, Alejandro La Madrid, Marco Vinicio Estrello, Cinthya Quintana y Bárbara Méndez dan vida al texto de Moliere. Adaptado por Felipe, quien también dirige, para que nos divirtamos  un buen rato. Han centrado la atención en los detalles que cambiaron, Tartufo es tremendista, levanta las faldas de la dama de la casa, la sirvienta y la hija, abre escotes, vaya, tiene elementos para ser XXXX, aunque se detienen para que sea familiar. Se divierten ellos y nos entretienen todo el tiempo. Usan escenografía mínima y vestuario adecuado. Pienso que si la llevara a ser más atrevida, quizá funcionara de maravilla en un teatro bar. Muy recomendable, puede verla en el Teatro Coyoacan, Héroes del 47 cerca de división del Norte. Viernes a domingo.  La hija del dramaturgo Wilebaldo López, Mariana Brito es una mujer muy emprendedora, acaba de cumplir 10 años como promotora teatral y sigue adelante.

Tren 05
En el mismo teatro Coyoacán vi  Tren 05, trabajo interesante con dirección de José Roberto Puente. El texto ha sido creado por ellos mismos, con la idea de mostrar la soledad que invade esta época, la soledad y el desencanto. Los objetivos que establecen nuestros padres, maestros, los medios, empresas, filmes, que nos hacen sentir vacios. Kary Carmona, Paola Estrada, Roberto Garza, Thalìa Meléndez, Gabriel Martínez, son buenos actores todos y la  dirección logra mantener el interés durante 80 o 90 minutos que dura la acción. Interesante, atractivo montaje que todavía puede recibir algunos ajustes para hacerla de mayor impacto. Pero, como está es un excelente trabajo colectivo. Jueves, 20 hs.

 El Filósofo declara
En el Teatro Santa Catarina vi el estreno de Juan Villoro, su arribo al terreno de la dramaturgia. Es un caso excepcional, pues hace un año lo vi en Teatro el Milagro, el mismo leía su obra ¡y ya fue estrenada¡ Después le cuento.

A Chorus Line, segundo musical del año (Qué fea tropicalización del nombre)



  

Un año de escasas propuestas en materia musical, sólo Hair Spray y esta, por eso nos dió gusto que presentaran al elenco  de A chorus line, 2010, con el feo nombre de La linea del coro. Antes llamada Audición y el Gran Final, tropicalizar el nombre nos parece poco afortunado, porque los conocedores la identifican como A chorus line (que nadie pronuncia mal si eso  creen los directivos) En realidad le podrían llamar Audición o Casting, vocablos generalizados y entendibles. Salvo que haya problemas con los derechos de autor.
Olivia Bucio estuvo en aquella ocasión estelarizando, recuerdo que no había grandes figuras, fue en el teatro Silvia Pinal.


Ahora estan María Filippini, Paco Morales, Estebalitz Ruiz,Ana Cecilia Anzaldúa, Mauricio Salas, Rogelio Suárez, Jacobo Toledo, entre otros.Por cierto, se habla del 3 de noviembre para estrenar.
Algo es significativo, sin duda, será una de las obras musicales con menos presupuesto en materia de escenografía, ya que debe mostrar el foro desnudo para una Audición  o casting. 

Se dice que se trata de sesiones agobiantes, audiciones pesadas, castings que exigen mucho, para que finalmente logren ser contratados. A la pregunta de ¿son humillantes? Asegura Mauricio que no, pero depende de la persona que dirige la sesión. El filme y la obra son ampliamente conocidos por los que andamos arriba de 50, ya que vimos el filme, obra o escuchamos a los mayores, ahora vienen las campañas masivas para interesar a los realmente jóvenes. No dudamos que será un "trancazo"
* sobre el nombre: such is a tropic



BATRACIO Y DON QUIJOTE

Por Perla Schwartz

Por más que uno lo intente, es más que imposible agotar toda la oferta de
la amplia cartelera teatral, que día con día se ofrece en el Distrito Federal,
teatro comercial, del circuito cultural y underground. Lo afortunado, es que
hay varios montajes que bien vale la pena verse.
En esta ocasión me referiré a dos, que vi en fecha reciente.
“Batracio” escrita y dirigida por Mauricio Eugenio Galaz, es un espectáculo
con las características del teatro físico-acrobático, que comenzó a poner en
boga hace poco más de cinco años Richard Viqueira. Galaz participó con él,
como uno de sus actores en “El evangelio según Clark” y ahora se lanza a la
aventura de crear su propio espectáculo que toma como punto de partida
una lección falsa de biología, donde los protagonistas son los anfibios.
Tres actores en escena, Ricardo de los Cobos, Enrique Alguibay y el propio
Galaz, de quiénes hay que destacar ante todo, su lenguaje corporal, su
resistencia física, y el poder comunicar con soltura sus parlamentos, en
una obra que a final de cuenta, es una metáfora del ser humano y su
circunstancia.
Una obra a toda larva, como expresa el lema publicitario, por ahí desfilan
ranas, ajolotes, sapos y salamandras, con las mismas cualidades y debilidades
de cualquiera de nosotros, con sus amores y odios, con su necesidad de
partir a nuevas aventuras, amando y desdeñando al líder político en turno.
Teatro lúdico, bien resuelto en poco más de una hora. Una reflexión
concienzuda de la metamorfosis y sus variantes. Este montaje se presenta los
martes a las 20.30 horas en el Foro Shakespeare, su principal atractivo reside
en que se trata de una aventura teatral diferente y atractiva.
DON QUIJOTE.- Hace poco más de mes y medio, el incansable actor Carlos
Bracho presenta los viernes en el Teatro Julio Prieto, un unipersonal, un
espectáculo de atril, donde presenta a Don Quijote, partiendo de una
selección que él mismo hizo de textos y diálogos de la obra magna de Miguel
de Cervantes Saavedra.
Prescindiendo de efectismo, el actor da vida al Caballero Andante
enajenado tras la lectura de muchísimas novelas de caballería, así como a su
fiel escudero Sancho de la Panza y algunos personajes de soporte como son
el cura confesor y el carretero.


Selección de textos eficaz a lo largo de poco más de una hora, donde Bracho
sabe imprimir emoción a cada uno de los diálogos que nos remiten a la
inmortalidad de una obra sabia que supo presagiar la corrupción de políticos,
así como el inevitable estallido de violencia.

Una experiencia gozosa que cuenta con una selección musical y algunos
efectos especiales de la autoría de Antonio Calvo y una bien trazada
iluminación de Javier Ramírez.
Carlos Bracho, vuelve a poner al día uno de los personajes más entrañables
y ricos de la literatura de todos los tiempos, eludiendo el riesgo de caer en
una didáctica facilista.
ANTES DEL DESAYUNO: DEL DESENCUENTRO AMOROSO Y LA ASFIXIA
Por Perla Schwartz
Eugene O Neill es uno de los dramaturgos norteamericanos más destacados
del siglo XX, él sabe diseccionar las diversas aristas del alma humana, una de sus

obras centrales es “Largo viaje del día hacia la noche”, ahora el joven director
Juan Carlos Cuellar nos ofrece una adaptación de uno de sus primeros textos,el
monólogo “Antes del desayuno” que data de 1916, y que desde hace poco más de
dos meses se viene presentando en el Espacio Urgente del Foro Shakespeare.
En esta ocasión no es Mrs. Rowland la que lanzará su panegírico de ardor y
profundo sufrimiento ante el desencuentro amoroso de su marido, ahora es la
Señora Quiñones, porque importa su nombre, lo que destaca es la dureza con
que O Neill hace una radiografía de la pareja que se trunca, en el momento más
inesperado.
Con toda parsimonia, ella prepara el café matinal, se sienta en la mesa y cavila,
su esposo que tan sólo se expresará con lenguaje corporal permanece en el baño,
cabizbajo, ausente, encerrado en su propio mundo, tal vez oiga lo que ella dice
pero no escucha.
La señora Quiñones se queja que su marido es un bueno para nada, de que no le
sirve ser poeta, si no es un buen proveedor, de su supuesta infidelidad amorosa,
de ese tener que compartir un mismo techo tan sólo por la costumbre, y no
porque exista entre ambos una complicidad cotidiana.
Al ser monólogo, el peso de la puesta en escena recae en Itari Marta quien
logra una interpretación convincente de su atribulado personaje, sabe matizar,
compartir el dolor de esta mujer, tal vez hacia el final de la obra sobre actúe un
poco, pero el balance de su actuación es positivo.
Por su parte Ammel Rodrigo, es el silente Alfredo, el esposo, quien tomará una
decisión radical. Ambos son dirigidos desde un trazo minimalista, que apuesta por
generar una angustia creciente en el espectador por el joven director Juan Carlos
Cuellar, apoyado en una sencilla escenografía y una buena iluminación de Roberto
López Rodríguez.
“Antes del desayuno” es el rescate de un valioso texto de la dramaturgia
contemporánea, además de una propuesta bien fundamentada. SE presenta
viernes a las 19.30, sábados a las 20 y domingos a las 18 hrs en el Espacio Urgente


del Foro Shakespeare.

LA RETIRADA: EL RECUENTO DE LOS DAÑOS
Por Perla Schwartz

Teatro que se fundamenta en el peso y el calibre de las palabras, teatro
recorrido por una gran carga de violencia emocional a punto de estallar,
ésta es la mejor manera de describir “La retirada”, escrita por el dramaturgo
inglés William Nicholson (guionista de “Gladiador”, argumentista televisivo),
obra que tras su éxito en Londres, en Broadway, llega a cartelera nacional.
Tres personas en pugna: padre, madre e hijo, un trío que gravita en una
especie de Torre de Babel. Él, Eduardo es maestro de historia (Rogelio
Guerra), ella, Alicia (Nuria Bagés) le toma tiempo terminar una antología
poética, se auto sabotea una y otra vez.
Y en medio de ellos, Jaime, el hijo (vimos función con Rolf Petersen), los
quiere entrañablemente a ambos, pero le cuesta mucho trabajo asumir el
resquebrajamiento de la relación amorosa de sus padres, tras 33 años de
unión matrimonial.
Y como gran metáfora de este desmoronamiento, la retirada de Napoleón
de Moscú en medio de un agreste paisaje nevado, en donde cualquier ser
humano puede llegar a hundirse de manera irreversible.

Una cuidada puesta en escena de Jorge Arturo Vargas, quien sabe dar peso
a cada uno de sus personajes, y que a través de un multimedia que aparece
en una ventana, va dibujando los altibajos de estos seres, que Nicholson ha
trazado con pleno conocimiento de las contradicciones que conforman a la
condición humana.
Un lenguaje en apariencia trivial es la base de un discurso ficcional, que
contiene carga metafórica, así como filosófica, así tenemos que la madre dice
en algún momento: “Las mujeres de cierta edad nos volvemos invisibles”,
o cuando el hijo afirma: “Mamá tu infelicidad me devastaba, pero no podía
ayudarte.”
“La retirada” es una obra intensa, salpicada de fragmentos de poesía, de
autores como: Pedro Salinas, Jorge Luis Borges, y Rosario Castellanos, entre
otros, de seguro esa fue la adaptación para México, puesto que NIcholson es
inglés.
Retrato de la conspiración de los fuertes contra los débiles, recuento de
los daños de seres humanos en una situación límite. Obra que concientiza
que el mundo es un lugar aterrador, y que no todo lo que se piensa dura por
siempre.
Obra muy bien montada por Vargas, que tiene como gran acierto, manejar
dos actores en el proscenio, es decir en un primer plano y el tercero como
espectador o testigo de la acción, además del intermitente sonido del tren.
En “La retirada”, subyace la siguiente reflexión borgiana: “Tengo que alabar
a quien me hiere”.
Se presenta, viernes, sábados y domingos en el Teatro del Centro Libanés.
CÁNCER DE OLVIDO: DE LA CONFUSIÓN DEL ESPÍRITU
Por Perla Schwartz
A partir de los festejos en torno al Bicentenario de la Independencia y
del centenario de la Revolución Mexicana, han surgido un sinnúmero de
propuestas teatrales, algunas basadas en episodios de dichos períodos o
en algunos de sus personajes más destacados, y otras como la que hoy nos
ocupa, cuestionando la idiosincrasia del mexicano, o criticando ciertos viejos
vicios que aun no se han logrado superar, y que por el contrario, conforme
pasa el tiempo, parecen agravarse.
Es así como el monólogo “Cáncer de olvido” escrito y dirigido por Víctor
Salcido, a través de una escritura nerviosa. Un tanto confusa, retrata a
Martín Serrano, un literato afamado, que por hablar de más, es secuestrado,
encerrado y torturado, al dejarlo aislado, sin alimento.
Es el momento, en que este escritor experimenta una especie de
esquizofrenia, pues asume los roles de sus diversas personalidades, buscando
resguardar esa mínima libertad para expresarse que aun tiene.
Si algo sostiene la puesta en escena de “Cáncer de olvido” es la
interpretación de ese gran actor que es Roberto Sosa, polifacético,
convincente y con un gran carisma, solo él saca a flote un texto si bien
interesante, que es inconexo y que en muchas ocasiones recurre a un humor
forzado para intentar hacer que el espectador se ría.
Sosa, le da varios matices al contradictorio Serrano y lo hace con pleno
dominio interpretativo. Intelectual con ideas progresistas que se desdobla
en su carcelero, en el terrorista o en el dictador que recién asumió el poder.
Sosa da cuenta que es un gran actor, lástima que el texto de “Cáncer de
olvido” no tenga ese vuelo, a pesar que parta de la premisa de rompecabezas
para armar, si bien tiene algunas frases y reflexiones agudas e incisivas, tiene
otras que rozan el humor televisivo.
En cuestión de puesta en escena, Salcido comete algunos errores, como el
largo preámbulo musical del principio, el exceso de oscuros para marcar las
transiciones, el poner a una “chica sexy” a bailar junto a un televisor para
representar a la Patria.
Hay algunos momentos chispeantes como cuando se alude a la asociación
de un México Positivo, y para ser miembro baste con adquirir una pulsera de
a peso.
En fin, confiemos que Víctor Salcido, con el tiempo crezca como director y
dramaturgo.
“Cáncer de olvido” se presenta los miércoles a las 20.30 en el Teatro
Helénico.
26 de Agosto de 2010
Mentiras
Georgina Martínez Porras
“MENTIRAS” es una divertitrágica comedia musical, que José Manuel López Velarde, trae para que el público experimente momentos agradables recordando los maravillosos años 80’s, una década tan colorida y apasionada que marcó a varias  generaciones y ahora a los espectadores.
“Recordar es volver a vivir”, es por esto que la puesta en escena “MENTIRAS” invita al público a retroceder, emocionarse, cantar y reír al identificarse con el ambiente que se genera en el escenario.
“El Me Mintió”, “Mentiras”, “De Mí Enamórate”, “¿Cómo Te Va Mi Amor?”, “Pobre Secretaria”, “Noche de Copas”, Lo Siento Mi Amor”, “Quiero Dormir Cansado”, “Detrás de Mi Ventana”, Toda la Vida”, “Mudanzas”, son algunos de los temas cantados en dicha obra musical, melodías tan famosas que es imposible dejar de transportarse a esa época.
“Daniela”, “Yuri”, “Lupita”, “Dulce” y “Emmanuel”, son los personajes interpretados por: Pía Aun, Crisanta Gómez, Mariana Treviño, María Fernanda, Leticia López, Paola Gómez, Georgina Levin, Ana Cecilia Anzaldúa, Sandra Lan, Lorena Barquet, Jimena Parés, Lolita Cortés, Hiromi, Patricio Borguetti, Mauricio Martínez, Mauricio Salas, Rykardo Hernández y Mariano Palacios, alternando funciones.
La trama da inicio cuando una persona misteriosa llama por teléfono a Daniela, Yuri, Lupita y Dulce para avisarles que Emmanuel ha fallecido; es entonces que estas mujeres se encuentran en la funeraria, donde les dan a conocer una dramática carta acusando a una de haberlo asesinado. Se arma un alboroto y cada una de ellas va recordando las vivencias que tuvo con Emmanuel, para así poder descubrir a la culpable del homicidio.
Esta puesta en escena hace que el espectador obtenga una experiencia única e irrepetible. La entrega, pasión y profesionalismo del elenco, provoca carcajadas y momentos agradables.
Un libreto fuera de lo común, con varias historias enlazadas y una ambientación espectacular.
Pocos elementos, mucha creatividad. Es impresionante la forma en que los actores interactúan con la escenografía, ya que ellos mismos se encargan de transformar el escenario trasladando los diferentes elementos, maniobrándolos para que a su vez se conviertan en un segundo objeto. Las sillas se convierten en mesas, las mesas en sillones y todos los elementos forman una enorme cama. Es impactante la rapidez con la que logran crear distintos ambientes.
La escenografía está montada sobre un círculo giratorio que ocupa la mayor parte del escenario, sobre él se encuentra el mobiliario que al momento girar, permite la aparición de distintos espacios. Con este sistema se logra la peculiaridad de que el bajar el telón se vuelve innecesario. Esto se ha logrado gracias a la asignación de enseres de distintos colores a cada personaje, en color amarillo se encuentran los elementos de Yuri, en rosa los de Daniela, en verde los de Dulce y en naranja los de Lupita, y así el público percibe a simple vista el entorno de cada personaje.
Todo tiene congruencia y se encuentra perfectamente definido, es la magia que logra cada pequeño detalle y cuyo objetivo es entretener, divertir, transportar, transmitir y hacer que el público termine bailando y cantando las famosas canciones de la época que hizo vibrar en su momento.

ENTREGAN A GERMÁN DEHESA
MEDALLA DE CIUDADANO DISTINGUIDO
Eugenia Galeano Inclán
20 de agosto de 2010
El martes 11 de agosto, el Gobierno del Distrito Federal, a través de su titular, Marcelo
Ebrard Casaubón entregó a Germán Dehesa la Medalla de Ciudadano Distinguido su labor
de difusión de esta nuestra ciudad a lo largo de todo el mundo y porque se le atribuye que
es uno de los mayores conocedores de rincones, recovecos y resquicios de la gran ciudad, a
través de los incansables recorridos que ha hecho, aparte de escucha de la múltiples voces
que afloran.
Con la mirada limpia que sólo tienen las personas de bien se presentó puntualmente
Germán Dehesa a recibir su medalla. Su amplia sonrisa contagiaba el buen humor a todos
los asistentes, su enorme agradecimiento conmovía. Con el físico un poco menguado a
consecuencia de los infartos que ha sufrido, se adivina que hoy en día ama más la vida
al haber librado exitosamente esas batallas. Quizá en esos avatares ha hecho análisis
de conciencia que lo han llevado a apreciar más sus haberes. Se mostraba satisfecho de
su trayectoria y de su quehacer cotidiano. Amoroso con todos sus seres cercanos, con
orgullo enorme por la manera de ser y por los logros de sus hijos –de quienes habló muy
cariñosamente–, coqueto con sus entrevistadoras, ocurrente y perspicaz, como siempre.
Al escritor, maestro y columnista mexicano se le reconoce que ha marcado la vida
intelectual del país con su singular estilo de usar la palabra para establecer el diálogo; ya
sea como conferenciante, columnista, actor y director de teatro, coordinador de talleres
literarios, autor de más de cincuenta espectáculos, guionista, conductor y anfitrión de
programas de radio y televisión.
En la ceremonia de entrega de la medalla, estuvieron presentes, además del homenajeado y
del Jefe del Gobierno del Distrito Federal, la Secretaria de Cultura Elena Cepeda de León,
el actor Héctor Bonilla, las periodistas y conductoras de programas de radio y televisión
Carmen Aristegui y Fernanda Familiar, la cantante Tania Libertad y el primogénito de
Germán, Angel Dehesa. En un acto muy emotivo, pasaron uno a uno al estrado a expresar
su sentir a Germán Dehesa, era tanto lo que querían expresar que los minutos corrían y
al final tuvieron que apresurarse un poco. Tania Libertad fue quien dio inicio y, en lugar
de hablar, optó por cantar a capela. Marcelo Ebrard Casaubón y Elena Cepeda de León
impartieron la solemnidad que se requería en un evento tan importante, si bien el señor
Ebrard adhiriéndose al humor de Germán, reveló que entre bambalinas Germán le había
preguntado si la medalla era de metal o en metálico, arrancando las risas al auditorio.
Héctor Bonilla pronunció la gran admiración que siente por Germán. Carmen Aristegui
elogio al maestro y habló de la entrañable amistad que los une. Fernanda Familiar no quiso
pasar al estrado y simplemente se sentó junto a Germán para hacerle algunas preguntas,
durante las cuales hizo una confesión propia –mucho tiempo atrás fue novia de Germán,
pero por un solo día. Angel Dehesa en un breve discurso destacó el profundo amor y
respeto que él y sus hermanos sienten por su progenitor.
Uno de los elementos indispensables en el trabajo de Germán Dehesa ha sido el humor,
que ha decir de él es herencia paterna, mientras que la mesura, la rebeldía y el ojo crítico,
le llegaron de su madre. Su legado al mundo son sus libros, en donde se encuentran
recopilados diálogos, soliloquios y ocurrencias de todo género. Algunos de sus títulos
son: Fallaste corazón, La Música de los Años o La vida y sus dibujos, que realizó con la
colaboración del artista plástico Juan Sebastián Barberá.
Acostumbra utilizar sus recuerdos personales como recursos narrativos. Su amplio
conocimiento sobre escritores, periodistas, cronistas, políticos y ciudadanos de a pie, así
como su privilegiada memoria le permiten hacer referencias literarias en forma puntual
y oportuna. Sus años de experiencia como lector titulado en la escuela de la vida y en la
Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM aunado a su ojo observador con sentido crítico
integrado, hacen que el trabajo del maestro Dehesa sea un deleite, un divertimento. Quién
no ha leído sus notas en la Gaceta del Ángel. Reído a rabiar en alguno de sus espectáculos,
o gozado de uno de sus libros o de sus obras teatrales. Relatos disfrutables en donde se
combinan la vida y la palabra.
Actualmente Germán es considerado uno de los líderes de opinión más importantes
de México, incluso sus aportaciones intelectuales han cruzado fronteras y su voz se ha
escuchado en otras latitudes. Recientemente fue galardonado en España con el Premio Don
Quijote de periodismo por la síntesis brillante entre el idioma español y el habla popular en
su trabajo periodístico.
Al finalizar la ceremonia, Germán Dehesa, a manera de celebración de sus 66 años de vida
y tras un año de no dar funciones –desde que se cerró la Planta de Luz en Plaza Loreto–
regresó encantado a la escena para estrenar Permiso para Vivir, un espectáculo totalmente
inédito.
Permiso para vivir fue escrito especialmente para aplaudir a la vida y para estrenarse en el
Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Acompañando al maestro Germán Dehesa participaron
sus “compinches” –como cariñosamente él los llama–. En la voz, Adriana Landeros, en
música y voz los guitarristas Jaime Guarneros, Ernesto Anaya y Antonio López, además del
actor Eligio Meléndez. Un paseo por anécdotas, recuerdos, críticas y diálogos en torno al
acto casi mágico de existir, a través de poesía, reflexiones y canciones, en un espectáculo
como aquellos que solía presentar en La Planta de Luz y que se extrañan tanto en el
esparcimiento nocturno de nuestra ciudad.
Honor a quien honor merece. Un aplauso y nuestras felicitaciones a Germán Dehesa, por su
merecidísimo nombramiento como Ciudadano Distinguido.

LA FORMA QUE SE DESPLIEGA

Eugenia Galeano Inclán
Fotografías tomadas por: Roberto Blenda
19 de agosto de 2010
El dramaturgo, director, actor y titiritero Daniel Veronese, originario de Argentina, adquirió fama al lograr innovar el entorno teatral. Primero, con su grupo El Periférico de Objetos basó su trabajo en la integración de actores y objetos, más adelante concedió a los objetos un lugar protagónico en sus montajes. Lo que se observa en toda su obra es un profundo conocimiento del sentir humano. Gusta de relatar historias que recorran diversos estados de ánimo para hacer aflorar distintos emociones.
Para este tipo de trabajos es imprescindible contar con experimentados intérpretes que puedan dar vida a sus personajes. Claro ejemplo de esto es Mujeres soñaron caballos que recientemente estuvo en cartelera en nuestro país. Ahí nos muestra una reunión aparentemente normal de tres parejas, pero pronto van surgiendo dificultades de convivencia, amores irracionales, histerias particulares (o colectivas) y hasta dónde puede llegar un ser humano bajo presión o ante una tragedia. La principal virtud de Veronese es atrapar al espectador de principio a fin, en forma tan contundente que podría decirse que durante el tiempo que se permanece dentro de la sala teatral el mundo exterior deja de tener importancia y sólo existe la perfecta comunión entre escenificación y público. En la escena mexicana alguien que logra el mismo efecto es Jorge Arturo Vargas, quien recientemente, con Amarillo hizo vibrar al espectador al tenderle un puente directo hasta los sentimientos más íntimos de los migrantes, a través de un montaje pleno de color y movimiento, con una enorme pantalla en la que se proyectaban múltiples imágenes dando realce a momentos específicos de la historia.
Ahora, con apoyo del Fondo Iberoamericano de Ayuda Iberescena y del programa para grupos artísticos profesionales México en Escena, Jorge Arturo Vargas monta una versión libre de La Forma que se Despliega, de la autoría de Daniel Veronese.
Jorge Arturo Vargas, reconocido director, actor físico y docente, tanto en actuación como en dirección teatral, tuvo sus inicios en la Universidad de Durango de donde salió con la idea clara
de lo que quería hacer en la vida. Tomó clases con Sigfrido Aguilar y luego comenzó a recorrer el mundo acrecentando su bagaje personal y cultural. Fue alumno de Steve Wasson, Courine Soum y Dan Stein en la Ecole du Mime Corporel. Etienne Decroux también fue su maestro. Cursó diversos talleres en la Mime Omnibus de Canadá y en el Odin Teatret, así como en la Escuela Internacional  de Teatro para América Latina y del Caribe. Fue fundador e integrante del grupo Mimus-Teatro.
Fungió como director del Grupo La Percha. Teatro de Movimiento. Pocos saben que durante su
estancia en Europa formó un dueto de teatro de calle que se presenta en forma regular en París, Zurich, Bruselas, Stuttgart y Barcelona. En la actualidad lo identificamos como el Fundador y Director Artístico de Teatro Línea de Sombra. Su amplia experiencia, aunada a su talento y a su sensible visión, lo ha llevado a crear una poética teatral distintiva aun cuando abarca una gama muy variada de montajes, en donde se ha especializado en presentar espectáculos transdisciplinarios y de teatro del cuerpo. Sólo por mencionar unos cuantos de sus montajes más representativos, recordamos: El Censor, Galería de Moribundos, La Mujer de Antes, Amarillo.
Con los apoyos antes mencionados, Teatro Línea de Sombra A.C. procedió al montaje de La Forma que se Despliega, desarrollándolo a través de un laboratorio, para el cual Jorge Arturo Vargas convocó al dramaturgo Noé Morales Muñoz. Noé es aún joven pero sus ideas sobre el teatro que quiere exponer son claras e innovadoras –afirma que “el teatro es una forma de dar rienda suelta a su necesidad de expresarse”. Ha logrado reconocimiento con algunas de sus puestas en escena, como son Día Cero, Los Prohombres y Disforia (que se refiere al desarreglo de emociones).
También fueron invitados al proyecto dos actores de sobrada solvencia: Roberto Ríos, conocido en el medio con el apodo de Raki, y Rosa María Bianchi, ambos polifacéticos y con experiencia en diversos campos. Por último, también llamó a tres nóveles actores Zuadd Atala, Ismena Romero y Raúl Mendoza.
Después de analizar el texto original, buscaron espacios susceptibles de ser fracturados y ahí fue donde insertaron nuevas expresiones que fueran más compatibles con el montaje que proyectaban, quedándose con aproximadamente un 60% de lo escrito por Veronese. En una especie de homenaje al autor, utilizaron una escenografía muy a su estilo: Una caja simple con algunas ventanitas donde se vislumbra lo que no está en escena, pero Jorge Arturo Vargas fue más lejos aún y para tal efecto diseñó todo un set de los que se estilan en cinematografía, a base de pequeñas maquetas con elementos ligados a la narración: un conejo, juguetes, fotografías, etcétera, aparte de cierta maquinaria. Si bien lo que ahí se conjunta no es mostrado al público en su totalidad, todo ello debe haber contribuido bastante al trabajo interno para la caracterización de los actores. Además, queda aquí de manifiesto la forma tan minuciosa en que se cuidaron todos los detalles y elementos de apoyo. Por cierto, la imagen de la obra es una fotografía fusionada con dibujo a tinta. Al salir de la sala los asistentes podrán apreciar mejor los pormenores de las maquetas referidas, dado que éstas se encuentran en la parte posterior al escenario.
El tema central de La Forma que se Despliega es el sufrimiento que produce la muerte de un hijo y su cuestionamiento es la imposibilidad de sentir el dolor ajeno. Para iniciar nos indican que la catástrofe es lo que sigue al desastre. El desastre ya ha ocurrido: murió un hijo. En un entorno de teatro de cámara, con ausencia absoluta de la cuarta pared, aparecen Raki y Rosa María –bella como siempre, casi sin maquillaje. Sus rostros reflejan consternación. Los dolientes padres expresan lo que sienten, de cara al público, fijando su mirada en los ojos de algún espectador. Podríamos decir que es una especie de autoconfesión porque revelarán pensamientos íntimos que difícilmente harían del conocimiento de terceros en cualquier otra situación. Están devastados, tratando de hallar explicación a lo inexplicable. Ni siquiera entienden cómo es que subsisten, les parecería mejor que no resistiera el cuerpo y sobreviniera una muerte súbita que evitara ese incisivo dolor. La mujer se lamenta de no haber tomado fotografías recientes a su hijo. Ambos evocan el momento en que se conocieron. La belleza de la jovencita lo impresiona a tal grado que en ese mismo momento sabe que quiere casarse con ella y le propone matrimonio. Tras la inesperada propuesta, ella se deja llevar por la ilusión. La incompatibilidad se hace patente desde el principio, pero por costumbre o inercia continúan. Al nacer el hijo, ya no hay vuelta atrás, los dos vuelcan todo su amor en él.
Con su partida, todo se derrumba, todo se desintegra, ya nada encuentra su lugar. El dolor lejos de unirlos los hace ajenos. Alternadamente la realidad y la ficción se entremezclan –alguna edecán irrumpirá, alguna trabajadora intentará hacer arreglos.
Las interpretaciones por parte de Rosa María Bianchi y de Roberto Ríos “Raki” son memorables, transmiten el dolor y se produce la magia teatral al conmover al espectador. Cumplen con sus roles Zuadd Atala, Ismena Romero en el escenario y Raúl Mendoza fuera de éste. Buena labor de Noé Morales en la dramaturgia con frescura y sensibilidad. Perfectamente bien integrados los trabajos de iluminación, sonido, movimiento actoral y gestual dosificados con precisión por Jorge Arturo Vargas, a quien consideramos en uno de los mejores momentos de su carrera, colocándose en un lugar preponderante entre los hacedores de teatro de nuestro país.
Recomendamos ampliamente La Forma que se Despliega por ser teatro de vanguardia, innovador, con excelente estética visual y convincentes actuaciones. Deje que el dolor le llegue, pero no se preocupe, de pronto le darán una fórmula teatral para liberarlo del mismo. Apresúrese a verla, la temporada es corta sólo estarán hasta este fin de semana. Sin embargo, dado que es un proyecto apoyado por Iberescena se presentará en Argentina y consideramos que existe la posibilidad de que la obra sea repuesta en el Distrito Federal en un futuro cercano.
La Forma que se Despliega se presenta -Teatro el Milagro-
Viernes 20 de agosto a las ocho y media de la noche
Sábado 21 de agosto a las siete de la noche
Domingo 22 de agosto a las seis de la tarde

Teatrikando
Chantal Andere, espléndida; Rodrigo Murray de antología
  • La guerra de los pasteles: por apachurrar el biscocho
  • ¿Una lección de historia? ¡Una farsa antihistórica¡
  • La Güera Rodríguez de Federico S. Inclán
Por BENJAMIN BERNAL

Los estrenos de Jorge Ortiz de Pinedo tienen un poderoso impacto en los medios, aficionados y teatristas de todas las especialidades acudimos a su invitación. Así que arribamos al Helénico el jueves; había una valla para contener la nube de reporteros e impedir que empujaran, atropellaran a los famosos (si, porque los demás no corremos peligro de usar como botana una  grabadora) llegamos una hora antes para ver lo que parecía una lección de historia de México. Hay quien no gusta de las vallas, se aleja lo más posible, otros son felices de dejarse entrevistar acerca de los pleitos de moda (Yuri vs Lucia Mendez, el Pirru, las prótesis más famosas del orbe)
Jacqueline Andere, Zaide Silvia Gutiérrez, Macedo de la Concha, la gobernadora de Yucatatan Ortega Pacheco, Norma Lazareno, Pedro Ortiz, Andrea Torre, Guillermo Wiechers, Carmen Salinas, el Chato Cejudo, Miguel Sabido, Ignacio López Tarso, José Elías Moreno, Bety Moreno, entre otras decenas de personalidades repartían codazos para poder tener un lugar en la planta baja del Helénico, que cuenta con un segundo piso pero nos dijeron que no dan telescopio. Así que desde mi excelente lugar de planta baja me dispuse a ver una obra de Federico Schroeder Inclán, muerto en 1981 a los 70 años.

Quise mencionar esto, porque se forma cuando el Porfirismo todavía está fresco en los ciudadanos y el autor es testigo de los vuelcos que da nuestro país con el Vasconcelismo y el fortalecimiento del partipolítica eso de “legitimista contra oportunista” parece escrita para ser representada ahora mismo. Llegamos a conocer los antecedentes de la guerra de los pasteles, con un amanerado Rodrigo Murray que es de antología, yo no daba crédito ¡se adapte a todo! En algun momento Chantal asegura que le apachurran el biscocho, eso es motivo de guerra sin duda. Si usted quiere ser culto tome un libro de historia sobre el Centenario y Bicentenario; si quiere reírse: vaya al Helénico.  

EL AMOR CONTRA LA INDIFERENCIA

Por: Alejandro Laborie Elías

El amor, el sentimiento más sublime del ser humano, nos puede llevar a las mejores acciones o las peores.  Secuestrar a una persona, humillarla, violarla y llevarla a situaciones límite, es una muestra de los mejores sentimientos, al menos en la mente de quien lo hace. Claro que no debería ser así, pero cuando el amornos mueve, somos capaces de todo.

         Inventar una historia a partir de una mentira, tan increíble que sólo el afectado la puede creer, es lo interesante deDespués del fin, de Dennis Kelly, bajo la dirección de Nora Manneck, que nos presenta una trama de amor e indiferencia.

         Dos hombres –aún en cuando el texto original son un hombre y una mujer- se debaten entre la pasión y…, reiterando, van a una situación límite, en que las pasiones, el amor, el dar todo por el otro y ninguna correspondencia, es lo interesante.

         Lo importante del texto es cómo se comporta la mente humana, no se trata de un planteamiento psicológico, sólo de una trama que nos hace reflexionar sobre la condición de la persona, de las circunstancias que nos conmueven cuando enfrentamos ala angustia, el miedo y la incertidumbre de cómo reaccionara el otro ante las muestras de amor.

         Dos hombres encerrados en un refugio antinuclear; dos hombres que padecen la desesperanza ante la falta de comida, de agua, de gas, de…, sin embargo uno sabe que todo es mentira, lo hace por amor el otro cree todo y por amor sufre lamayor vejación de su vida y…

         Un autor inglés –parece ser que es la primera vez que una de sus obras se monta en México- que reta al respetable a confrontar las diferencias de todo tipo, las relaciones de poder, no de gobierno, sino de quien domina a otro por el sólo hecho de amarlo, de sobrevivir a la tentación de todo por el todo.

         Nora Manneck, en calidad de directora escénica, hace un excelente trabajo, su lectura es correcta, género, ritmo y tono los adecuados, la historia la comprende y penetra en la mente de los espectadores para cuestionarlos, los obliga a reflexionar, a pensar de qué es lo bueno cuando los sentimientos dominan elalma del apasionado y en quien la indiferencia es su única motivación. ¿El amor es lo mejor o lo peor?

         Con una escenografía realista y por momentos naturalista, de Cristóbal García-Naranjo, una iluminación y musicalización que realzan la puesta en escena, Nora logra captar la atención, sobre un tema tan delicado como intrascendente a primera vista:el hombre es capaz de amar a pesar de que el resentimiento lo lleve a las peores traiciones contra sí mismo y a las peores canalladas contra el prójimo.

         Dos actores, uno maravilloso, el otro… mejorará a medida que corra la función, al menos es la esperanza. Adrián Alarcón desde el inicio se compenetra con el personaje, con la situación, con el ritmo o tono que marca la dirección; Cristóbal García un desastre, tarda media función en hacer lo que su compañero hace desde el principio. Actuaciones disímbolas, resultado parcial desde este rubro.

         Después del fin, obra de uno de los más destacados dramaturgos ingleses contemporáneos, se representa en el foroLa Gruta, los jueves a las 20:20 horas, hasta el 4 de noviembre.

Agosto 2010

     
Columna Teatrikando
Renato de la Riva y sus grupos se van a Chile y Colombia
Por BENJAMIN BERNAL
Las embarazadas así como La señora y sus amibas, dirigidas por Renato de la Riva ganaron la participación en dos Festivales: Chile y Colombia. Usted sabe, son especialistas en Teatro del Absurdo, especialmente Antonio González Caballero, el tema siempre es hablar de las lacras que aquejan la sociedad actual, desde la pareja, las relaciones sociales, los tabúes, la religión y mil situaciones que vivimos sin percibir lo doloroso que son, siempre será mejor reír. En el foro Luces de Bohemia de la colonia Roma, cada semana llegan grupos de todos los estados y de otros países para dar funciones que llenan sus cien butacas. El teatro de pequeño formato siempre es mejor que ir donde tienen que usar micrófonos, como es el caso de recintos  con 200 butacas y ¡los usan¡
Así que los esperamos para que nos cuenten cómo les fue en esta aventura, fueron con escaso apoyo oficial, al grado de que dio funciones sin sueldo “Ni princesas ni esclavas” para donar la taquilla a sus amigos. Se van Gabriela Bermúdez, Marcela Moret, Mario Mandujano, Ruben Elizalde, Alberto Noriega, Nacho Rodríguez y Renato de la Riva. Felicidades.
Elsa y Fred develó placa, Como envejecer con gracia la apadrinó
Realmente fue una función emotiva que concluyó con super figuras sobre la escena. Ignacio López Tarso fue declarado hace pocos años “El mejor actor del siglo XX” por la APT. Y con razón, le hemos visto recientemente Macario y 12 Hombres en pugna, para ahora deleitarnos en Elsa y Fred. En donde Beatriz Aguirre muestra un carisma singular, la calidad ni se menciona pues esta dama ha dejado una estela de éxitos en su vida. Las madrinas para la develación de  placa la hicieron Susana Alexander y Norma Lazareno, bellas y graciosas al momento de tomar el micrófono. No faltó el comercial “En lo que están de gira, vayan a vernos” dijo Susana. Javier López Chabelo fue el padrino que aseguró “es la primera vez que agarro un micrófono”. Nos congratulamos de que triunfen dos obras en las que se habla de la tercera edad, la amistad y el amor.
Nunca es tarde para amar
Roxana Chávez, ya sabe usted que dirige una Fundación que atiende a niños especiales, da una funcion el 26 de agosto de “Nunca es tarde para amar” en el Colegio de Contadores Públicos, habla del mismo tema, los romances en la edad madura, lo hace con buen humor y la taquilla es para la fundación Giordana Nahoul.  
Donnovan Santos prepara Comala.com, convoca a Casting.
Informa el director de Jadevolucion-Arte, que ya terminó Cristian Morales la versión teatral de Comala.com, para que sea estrenada en breve, con un elenco juvenil. Se habla del teatro José Marti , del Foco o del Rodolfo Usigli. En internet se localiza muy fácilmente.
Se estrenó La Guera Rodriguez, en el Helénico
En breve estaremos informando de esta obra de Federico S. Inclán,  en la que se habla de la era romántica de los “respetables” centros de reunión; la guera era culta y simpática. Participan Chantal Andere, Carlos Benavides, Carlos Ignacio, Martha Ofelia Galindo, Gonzalo Correa, Julio Vega, Arturo Lorca, Cecilia Romo, entre otros. En breve acudo.


EL BIEN SÓLO SE APRECIA CUANDO SE CONFRONTA CON EL MAL:
 MARQUÉS DE SADE

Por: Alejandro Laborie Elías

El Marqués de Sade, uno de esos personajes que siempre están presentes en la mente de la mayoría de la gente, es famoso por su crueldad, por su maldad y por sus ideas sobre el libertinaje, condiciones que han provocado la admiración y envidia de mucho y la condena de otros tantos.

Sin embargo, frases como “el bien sólo se aprecia cuando se confronta con el mal”, sirven de base para reflexionar sobre diversos comportamientos del ser humano, que para los religiosos son pecados o virtudes, para los legalistas delitos y para los sicólogos depravaciones.

         Lo anterior viene a colación porque es el tema central de la puesta en escena Justine y Juliette, basada en la narrativa del Marqués de Sade,  adaptada y dirigida por Rodrigo Carrillo Tripp, actuaciones de Alejandra Rodrigo, Marymar Ozuna y el propio Rodrigo Tripp, música en vivo con Paulo Piña.

         La trama gira en torno a dos hermanas que quedan huérfanas de padre y madre, pasar de las bondades de la riqueza a la pobreza total. Una virtuosa, la otra encaminada al libertinaje, diferencias de caracteres que las llevan a tomar diversos caminos. Al paso de los años hay un reencuentro, cuando una está a punto de ser ejecutada –la buena- y la otra –la mala- le salva la vida por la posición social de su esposo.

         En retrospectiva, cada una recuerda por lo que han pasado y en la eterna lucha del bien y el mal, resulta que la que se ha apartado de lo honroso y ha llevado su dignidad como persona y como mujer al inframundo ha tenido mejores recompensas que la pía a quien sólo el dolor a acompañado permanentemente.

         Esto invita a reflexionar –para bien o para mal, valga la paradoja- si los infelices son aquellos que reprimen sus deseos y los que gozan la vida son los sodomitas, los que disfrutan violando las normas morales, sociales y legales que los llevan a creer que el asesinato no debería ser un delito siempre que haya un motivo que los “justifique”.

         Se cuestiona la bondad, el amor y la misericordia de Dios; se pone en entredicho la autoridad moral de la Iglesia y sus ministros; sostener que el “ideal” de los libertinos no es el amor sino el odio.

Se arremete contra todos los valores y todo aquello que los represente. En las cofradías de los libertinos no se puede demostrar compasión porque es sinónimo de debilidad y eso conlleva a ser degradado – ¿más?- aún a costo de la propia vida.

         La depravación sexual para unos o el disfrute carnal sin límites para otros, la traición, el asesinato, convivir con el asesino de los familiares, el incesto, los pederastas, el alcohol y todo lo que una mente trastornada pueda concebir, se encuentra en este texto que es ejemplo químicamente puro de lo escatológico en todo su esplendor.

         El montaje de Rodrigo Carrillo Tripp es impecable, no en vano tardó dos años desde que concibió la idea, adaptó y llevó a escena el texto. Un acierto indiscutible es que, como un gran equilibrista, transita por la cuerda floja que delimita lo artístico de lo vulgar. Las escenas son fuertes, violentas física y psicológicamente, desnudos sin ningún tapujo, besos entre mujeres, contacto real y directo de ellas con el pene del personaje masculino y, a pesar de todo esto y reiterando, nunca cae en lo prosaico u ofensivo; todo es abordado desde la estética más sutil que se pueda imaginar, de ahí su gran acierto y la aceptación por parte del respetable.

         Alejandra Rodrigo, Marymar Ozuna y Rodrigo Tripp, se compenetran con la dirección, que opta por un trazo, ritmo y tono que da la impresión de una propuesta que conjuga el teatro clásico español, la comedia del arte y lo contemporáneo, para producir una escenificación sui géneris, atractiva, con humor álgido y que captura al espectador durante dos horas a través de la confusión de valores, la reflexión, el cuestionamiento y conclusiones que cada uno pueda deducir de lo que más le llegue, perturbe o conmocione su ética y escala de valores.

         El equipo actoral destaca por muchas razones, entre otras por su lenguaje corporal, manipulación de títeres, manejo de la voz, pantomima, desplazamiento escénico y, sobre todo, por anteponer todo para alcanzar el resultado. 

         Justine y Juliette, texto que nos puede o no llevar a pensar que la filosofía ideal es la que conduce a la felicidad, claro que depende lo que cada quien entienda por esto, se presentó en el Foro Shakesperare de la Ciudad de México –sólo dos funciones-, sin embargo ante la aceptación que tuvo –como sucedió en las diferentes plazas de la República Mexicana donde ha sido representada- en el mes de octubre llevará a cabo una temporada en el foro arriba mencionado.

Agosto 2010

LA TRISTE Y MORTAL REALIDAD DE NUESTRAS
INDOCUMENTADAS EN ARIZONA

Por: Alejandro Laborie Elías

La triste realidad de los indocumentados, la búsqueda del sueño americano, de un trabajo y un salario dignos, es el tema que aborda la obra Arizona, con la peculiaridad de que se centra en el caso de las mujeres migrantes, a partir de un trabajo de investigación que consistió en 100 entrevistas sobre casos concretos, realizadas por Ana Ochoa O’Leary, quien trabaja para una fundación estadounidense abocada a apoyar y ayudar a todos estos seres que caen en la desventura de cruzar la frontera para vivir la “pesadilla americana”

         El texto es de Kara Hartzler –abogada comprometida con la defensa y promoción de los Derechos Humanos-, traducción de Eva Tessler y Andrés Volovsek y dirección escénica de Rocío Belmont. El tema no es nuevo en el teatro, son múltiples los dramaturgos que han tomado la situación y problemática de los migrantes como punto de partida de sus obras, sin embargo en el caso concreto que nos concierne, una de las características es que hay mucho humor, claro negro, y como suele suceder en estos casos, la risa mitiga la tragedia para el espectador y permite realizar un análisis consciente pero no frustrante para quien paga un boleto.

         Si bien el origen del texto es un estudio antropológico específico, no por ello el tema deja de ser universal, porque con las variantes del caso, son casi igual las vejaciones, discriminaciones, violaciones y falta de respeto a la dignidad y derechos humanos de quienes se ven obligados a dejar sus países de origen por las razones que se quieran, en concreto cuando es por falta de trabajo o situaciones económicas.

         El tema viene a colación en forma oportuna, justo cuando ha entrado en vigor una ley por demás discriminatoria en el estado de Arizona –cabe aclarar que el título original fue cambiado para la versión en México, suponemos para producir un mejor efecto publicitario-, pero no se trata de un oportunismo sino de una coincidencia, como suele suceder en muchas ocasiones, esto es, la concordancia entre dramaturgia y realidad.

         El público se enfrentará a las penurias por las que pasan cuatro mujeres, tres mexicanas y una guatemalteca, de diversos orígenes geográficos y socioeconómicos. Una de Guadalajara, otra de la Ciudad de México, una más de Chiapas (indígena) y la ya citada de Guatemala. Cabe aclarar, porque puede pasar desapercibido para la mayoría, que una de ellas está muerta y es su espectro, su fantasma quien narra su pesadilla.

         En realidad se trata, más allá de un texto, de un homenaje a las mujeres migrantes, de cómo cuatro mujeres se enfrentan a su condición humana en situaciones extremas; de cómo la realidad de tantos mexicanos y mexicanas es más que falta de oportunidades, es la necesidad explotada ante las miradas indiferentes de gobierno y sociedad, a tal grado de que no falta el estúpido de sostenga que a los mexicanos no nos gusta trabajar, porque entonces la pregunta obligada sería: ¿A qué van tantos connacionales a los Estados Unidos, si no es a trabajar, a sabiendas de los riesgos y vejaciones de los que serán objetos?

         La dirección, a cargo de Rocío Belmont, se basa en un teatro minimalista, intimista, de cámara, enfrentar a los actores con el público a la distancia mínima, con el espacio vacío. Apoyada en una escenografía e iluminación de Mónica Kubli, quien a partir de corcho recrea el desierto y vestuario de Lupita Peckinpah.

Un excelente maquillaje del maestro Guizar –desgraciadamente el programa de mano omite el crédito- que queda en la frontera exacta de recrear la piel quemada por el sol y reseca por la falta de agua, además de las contusiones propias de la aventura; lo destacamos  porque un poco más de maquillaje y se correría el riesgo de convertir a los personajes en payasos, sobre todo por la cercanía con el público.

         Las actuaciones corren a cargo de cuatro egresadas del Círculo Teatral, comandado por Alberto Estrella y Víctor Carpinteiro: Olga Gottwald, Mikaela Lobos, Adriana Reséndiz y Jennifer Moreno, quienes asumen cuatro versiones femeninas en el desierto de Arizona, en forma que colinda con la narrativa por un lado y por otro con el diálogo, excesivo movimiento corporal, todo inmerso en el ámbito lúdico de cuentos o historias de origen indígena que le dan un toque mágico al texto. Trabajos dignos, no pretenciosos y que convierten la actuación en vitrinas de cuatro desgracias, unas con final trágico y otras no tanto.
         Arizona una denuncia contra el racismo puro, gritos de quienes quieren protestar ante los oídos sordos de autoridades y sociedad, se representa en el Círculo Teatral de la Ciudad de México, los viernes a las 20:30, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

Agosto 2010

 
Columna 
Teatrikando


5 Mujeres usando el mismo vestido, en el telón de Asfalto


Por BENJAMIN BERNAL

En el Telón de Asfalto vi esta obra de Alan Ball que se podría manejar en varios tonos, optaron por dirigirla como pieza, con tintes de melodrama. Frecuentemente vemos este tono en los filmes de simple entretenimiento televisivos, normalmente trato de adivinar ¿cuáles son los temas más importantes de esta obra? Y llegué a la conclusión que en este caso son las preferencias sexuales diferentes, la libre elección de un chavo ó chava para echar un free y cierta religión demoda. Así que traté de decidir que actuaciones me habían gustado más y ni a cual irle, están en buen nivel las chicas, quizá está por abajo el chavo que entra el final.
Dirige Raul Quintanilla, tal vez no sea su mejor trabajo, conozco su potencial por largos años. 

Paola Nuñez, Marimar Vega, Ceci Ponce, Erika de la Rosa y Griselda Contreras se desviven por convencernos de que son muy “vividas”, estudiadas y con ganas de pasarla bien en la boda de su amiga y pariente. Los secretos se van revelando poco a poco. Reitera este montaje algunos de los patrones aprendidos en las familias mexicanas, como hizo en la obra Entre Mujeres, obra que inaugura la revelación de intimidades femeninas.

Extrañamos que al abrir y cerrar la puerta no se filtre la música que hay abajo. Que bailen alguna rolita y entren comiendo, puesto que hay botana, comida y pastel. Pero son detalles menores, el vestuario, escenografía, aceptable. El hecho apabullante es que se divierte todo el público que va a ver a las figuras de TV Azteca y por cierto lo vi de todas las edades, sale muy contento.

Cumplió cinco años la escuela de comedia musical de Lalo Partida.

Felicidades. Lo celebraron con Los Miserables: ¡bravo¡ Los vimos en el ex Cine las Torres, en Satélite, disfrutamos de excelentes voces, buen nivel actoral, coreografías. Realmente me gustó el complicado trabajo de hacer y mover escenografías complicadas sin la ayuda de carísimo equipo. No hay círculo giratorio, mecánica teatral, el equipo de luces es menor, pero le sacan jugo a morir.  Me gustaron las actuaciones, la reproducción fiel de la obra que nos fascinó en el Centro Telmex y vimos no menos de cinco veces, para disfrutar las escenas tiernas y las humorísticas; el eje revolucionario sigue sepultado por elromance de Cosette, paro eso es culpa del adaptador.
Todo el elenco original de Los Miserables fue a dar la patadita de inicio en sus carreras a estos chavos, vaya un kick off.
Hay voces excelentes y actuaciones. La dirección de todos los aspectos: de primer nivel.

Las Tandas del Centenario

Uno de los recuerdos más vívidos que tengo es Enrique Alonso Cachirulo haciendo Chin Chun Chan, hace no tantos años. Ahora podemos ver las ironías de Carlos Pascual para disfrutar que nuestro pueblo y políticos, ¡no cambian ni un poco¡ 
Pilar Boliver se lleva la palma con sus cambios de personaje,pero  mejor no le cuento para que usted haga el favor de ir gozar de los precios populares los jueves. Y si tiene credencial de ITI UNESCO pagará una bicoca. Si tiene credencial de Insen, también.
Cada poco años cambiamos de presidente: Porfirio, Madero, Huerta, que subian, bajaban, se daban a la fuga o  se morían. Todo esto con un gran estilo del autor, que entendió el tema: las tandas llevan un mínimo de trama para que usted se divierta con la música, bailes y trajes de época. Hay mucho respeto, pero también esta presente el humor negro de Elizondo y otros famosos autores de principios del siglo XX.
Funcionan mejor las escenas con menos diálogos,en mi opinión, o bien faltó ensayo.
Hicimos cálculos, no creo que haya espectadores que hayan visto las verdaderas tandas, quizá haya muchos que vimos a Cachirulo hacer este género. Muy buena la idea de romper esquemas para sugerir un momento con Michael Jackson. ¡Un viejo amooor¡
Es la mejor oportunidad para que usted y sus hijos conozcan a los Héroes, los desmitifiquen y disfruten el teatro de tandas. Se presentan en el Teatro Julio Castillo, conjunto cultural del Bosque, fines de semana, para celebrar el Centenario y Bicentenario sin tanta formalidad.

Cómo envejecer con gracia, en el San Rafael

Norma Lazareno es la dama que sube a escena con Susana Alexander, logran dar vida a personajes entrañables para mi; una mujer que quiere disfrutar sus últimos años entre bromas y música alegre. Otra, que desea ser ordenada, ver todo lo que le gusta y al final comparten su vida. Quizá usted vea mucho matrimonios que discuten y pelean con vehemencia; parejas de ancianos de cualquier sexo, distintos pero se complementan, hay algo extraño en todos nosotros que rechaza la soledad. Muy bella pieza que nos habla de esa tercera edad, llena de pequeños detalles que nos hacen felices; porque mucha de esa alegría esta en pensarlo y planearlo. 
No extrañé nada, las escenografías son excelentes, los desarrollos de ambas señoras de la escena han quedado en mi memoria como magistrales; pensé que era obra de pequeño formato, no es así, soporta muy bien el cambio a un escenario gigante como es ese foro.  
Ya le conté de más, pero debe usted saber que en el cómodo San Rafael verá los fines de semana excelentes actuaciones y ternura a raudales. Es un platillo que dejará profunda huella, vimos taquillas a reventar para las dos funciones del sábado. Años después sedirá: ¡yo vi Cómo envejecer con gracia¡

Arizona
En el foro de Alberto Estrella vimos esta obra producto de la pluma de Ana Ochoa O´leray (entrevistas reales),  El texto es de Kara Hartzler –abogada especialista en Derechos Humanos, traducen Eva Tessler y Andrés Volovsek; gran dirección de Rocío Belmont. 
El elenco: Olga Gottwald, Mikaela Lobos, Adriana Reséndiz y Jennifer Moreno, gran trabajo de todas, temería ofender si señalara alguna como de más poderosa actuación. Debo decir que la dramaturgia es excelente,  porque cumple la aspiración de muchos, escuchar cuentos de nuestra tierra: sugerencias chamánicas, leyendas de ensueño y sentir que nos tocan el alma. Cuatro mujeres toman camino para ir a un mítico Estados Unidos, para cumplir su más caro deseo, trabajar. Parece crueldad mental lanzar a los mexicanos a buscar chamba fuera, pero así es desde que yo me acuerdo,aunque se incrementa cada dia.
Imagine usted los avatares que deben pasar y vencer, vacas que hacen sonidos, luces de ciudad, carreteras que se deben evitar, hambre que perfora el cinturón, desearían estar en casa, aceptar frijoles, pero ver a sus hijos. Es cuando ni ellas saben que motivación les hace olvidar las ampollas de los pies. Solidarias y peleoneras como es la raza latina.
Puede usted ver esta demostración de buen teatro en Veracruz 107, colonia Condesa, los fines de semana, son damas egresadas de esa misma escuela, algunas de ellas han recibido premio de APT.


Teatrikando
Por BENJAMIN BERNAL



Las heridas del viento, Otto Sirgo, dicen que la distancia es el olvido…





Es una obra de Juán Carlos Rubio, que explora en un tema de moda, ¿se puede ser heterosexual y homosexual al mismo tiempo? Sé que hago una pregunta un poco fuera de la lógica común, si es que la lógica existiera. ¿Nadie está medio embarazada, o es medio gay? hoy las cosas son distintas, hay píldora del dia siguiente y sicoanálisis fast track,si ya los políticos pueden promiscuamente unir izquierda y derecha. Usted debe ver esta obra que propone una ausencia de prejuicios para soñar, porque al manejarnos estrictamente en un lado de la “lógica humana” quizá estemos dañando a nuestra familia.
Otto Sirgo encabeza esta obra que se presentará los martes en el Polyforum Siqueiros para demostrar que Sirgo es un actor completo, al lado de Mauricio Mejía, Pablo Ruiz y Ricardo Franco, quienes alternan.  Es una obra en que la fina actuación de ambos nos permite penetrar en el alma humana <Otto busca a José Antonio y grita. Insiste. Jose Antonio es un gato. Y además, ni existe>
No, no le voy a contar la trama, pero sepa usted que el personaje central, recto y excesivamente cuadrado, escribe cartas que un dia serán leídas por su hijo. La trama es un melodrama cincuentero, con música (boleros) interpretados por Lucho Gatica. Pero con un fondo totalmente distinto, acorde  a la mentalidad abierta de hoy dia, para disfrutar de un duelo actoral de antología. Es innecesario decir que es de alto nivel y las actuaciones son manejadas dentro del buen gusto y calidad que acostumbra Rubén Lara, su productor.
Cada quien debe tener su misterio, dice el personaje afeminado en tanto abren las cartas del fallecido, asegura que confunde ” vivir con beber y beber con vivir” Y sin duda, me comprometo con usted que el teatro  sigue siendo el psicoanálisis más barato que existe, porque juzgamos en el ojo del otro las vivencias familiares que de otra manera pensamos nadie ve. No podría decirle qué pasa en esa familia que ha formado dos hijos con todo pero sin amor, el padre cree que con ser perfecto basta, con pagar lo que la familia consume y  la esposa demanda.
Es posible que el afeminado hombre, gracias a su buena suerte haya encontrado una filosofía de vida más sensata.  Pero no le cuento más para que comparemos puntos de vista cuando usted la vea. Al final de la obra fue Otto Sirgo a dar un beso a su esposa Maleni, para agradecer el fuerte  aplauso que le brindaba su público.
Ese hombre destrozó mi vida, grita el individuo vestido  con ropa que le ha prestado el Productor, finísima; bebe champán en una copa Versace, la buena vida es parte esencial en esta relación, invita al joven: elige bien la película que quieres ver el resto de tu vida; le advierte que no desea  explorar sobre sus preferencias sexuales, no, sin embargo es un seductor de tiempo completo. Amar no es más que las ganas de amar,¿ puede llenar su vida con tan sólo evocar el romanticismo de los boleros clásicos cincuenteros? ¿Es posible morir impoluto como Mishima? Al estilo de las historias que cuenta el cine  de oro mexicano, en vez de ron, finas sedas y tacones; veremos Armani y whisky barato. Acusa de malas ideas a los curas, ellos son acosadores, no hay que confundirse. La dirección da frente a la obra, le quita cierto mérito, obligado por la escenografía misma, de David Antón, que coloca una estorbosa lámpara en el punto focal que es tradicional se use al trazar perspectiva.
Ahí mismo, en los pasillos, me  enteré que Ni Santa ni golfa, obra de Martha Carillo que preparaban para estrenar en breve, se retrasa. Su adaptador Mauricio Pichardo (autor de XXX XX, la que hizo famosa Ari Telch) no quiso comentar más. Lleva a Paty Navidad como estelar.    

Teatrikando
Agosto, en el San Rafael
*Nos recuerda a Tennese Williams, Eugene Oneil y Arthur Miller
* Varias actuaciones para guardar en la memoria
Por BENJAMIN BERNAL
Durante doce semanas,  a partir de marzo, se puede ver “Agosto”,  producto teatral de Tracy Letts, obra que reúne a un gran elenco, entre los que se encuentran Lilia Aragón, Blanca Guerra, Oscar Bonfligio, Arsenio Campos, Raymundo Capetillo, Paco de la O, Alma Escudero, Raquel Garza, Verónica Jaspeado, Flavio Medina, Juan Navarro, María Reneé Prudencio y Sherlyn. Déjenme platicarles que vimos actuaciones de primer nivel en este conjunto actoral.  Se les puede clasificar como de antología a Lilia Aragón, Sherlyn, Blanca Guerra, Paco de la O y Raquel Garza brillan de manera especial.
Casi todos tenemos una familia así, claro usted no, pero yo si, una mujer mayor que dice frasecitas con veneno,  a veces con  intención, a veces sin ella, pero de que duelen, duelen. El timing, ritmo escénico lo es todo para lograr el efecto.  Blanca Guerra es la hija que ocupa una gran casa, en que vemos el exterior  a la derecha, a la izquierda el comedor, hay una escalera ascendente, vemos pasillos interiores, la cocina. Dura casi tres horas, por cierto.
Existe un tema a lo largo de las acciones, Arsenio  Campos aparece unos minutos, pero será el motivo de las reuniones posteriores, en ellas veremos brillar los secretos amores y odios que dan la textura  particular de esa familia. Raquel Garza va  con su esposo Raymundo Capetillo. Oscar Bonfiglio será el cónyuge de Blanca Guerra; su hija es Sherlyn que tendrá cierto momento de intimidad con Paco de la O. Hay un secreto, que no les revelaré por si usted acude a verla.
Hay alcoholismo en varios de sus integrantes, adicciones a los medicamentos de todo tipo, temas asociados al consumismo y las falsas presiones de esta sociedad enfocada al éxito (¿?) palabra que tiene significados de pacotilla y somete al más pintado.
Alma Escudero interpreta a una ayudante doméstica, desconozco la obra, si ella es piel roja o latina, pero en esta versión es de las etnias originales de Norteamérica; ella tiene un rol destacado en la trama, porque goza de solidez en su personalidad sin rencores de ningún tipo. El señalamiento y marginación esta en los otros.
Es una obra densa, con humor agradable y negro, al estilo de Tennese Williams o Eugene Oneil, fundadores del teatro norteamericano, que hasta lallegada de ellos era inexistente, vivían haciendo a todos los europeos.  Igual que en México, hasta Usigli sólo escenificaba a los hispanos, ingleses, franceses, ítalos. Bueno,pues Tracy Letts, nacido en 1965, logra darnos la impresión de que ha revivido Williams, con el racismo latente, amargura y sexualidad que clama satisfacción. Es fuerte intentar una frase que condense la atmósfera: esta familia –sociedad-desprecia al alcohólico, al drogadicto y al indio. Cada uno tiene su valor y su explicación, piense usted si usa estos prejuicios.
 Esa escenografía un poco impráctica es de Laura Rode, hay quien la considera magnífica, pienso que con algo sencillo y eficiente hubiera bastado. El vestuario es de ella misma, aceptable. Dirige Jaime Matarredona, quien como siempre logra un buen trabajo y hace creíbles a todos y cada uno. Ojalá la gente acuda a granel porque disfrutará un gran montaje.

SUSANA Alexander no sólo comparte el escenario con Norma Lazareno, sino también la dirige en "Cómo envejecer con Gracia", cuyo estreno fue anoche (julio de 2010) en el  
Teatro San Rafael

Mario de la Reguera




POR ningún motivo p
odíamos perdernos el estreno de la reposición de “Cómo envejecer con Gracia”, en el Teatro San Rafael, el cual, pese a su inmensidad, lució lleno total, para beneplácito de los productores Juan Torres y Guillermo Wiechers, cuyas permanentes sonrisas también se debieron a que dicha comedia debutó con el pie derecho en la taquilla cosechada en las tres funciones del pasado fin de semana.
(No es la primera vez que ambos productores presentan una obra en dicho foro, pues, si mal nos recordamos, años atrás lo hicieron montando el musical “Regina”, protagonizado por Lucero)
En esta nueva temporada se le rinde homenaje a la finada actriz Blanca Sánchez, quien dio vida al personaje que ahora interpreta Norma Lazareno, al lado de esa estupenda actriz que es Susana Alexander, quien también la dirige.
Cuando nos percatamos de la prolongada fila que teníamos que hacer para pedir los boletos, nos acercamos a una de las taquillas para pedirle a Ella Laboriel que por ahí recogiera los nuestros. Con la hermana consentida de Johnny, arribó Carmen Vicarte, una de las modelos más esplendorosas de la década de los setenta y que sigue tan bella y encantadora como la época en que sólo su chicharrón tronaba en el mundo de la pasarela y los comerciales televisados.
Aunque nada tienen qué ver, la primerísima actriz Margarita Sanz estuvo coco a codo con la legendaria vedette Lyn May; mientras que Claudia Islas -¡que le arreglen ese pelo!- lo mismo intercambiaba “smacks” con Pilar Pellicer que con Xavier Marc.
Divisamos a Manolo Sánchez Navarro, no así a mamá Fela (Fábregas), como tampoco a ninguno de los invitados habitués -Patricia Morán, Alejandro Gertz Manero, las hermanas Ayub (Gloria y la Beba), Kena Moreno, Joe Fletcher, Gloria Leal de Beteta, etcétera) de la dueña y señora del Centro Teatral Manolo Fábregas.
No nos quedamos con ganas de felicitar a Rosangela Balbó, por su flamante presidencia en la Estancia Infantil de la ANDA, donde tendrá a Martha Zamora y Diana Trillo entr
e sus más cercanas colaboradoras. Por cierto, nos llamó la atención que Guillermo Zarur no llegara con ninguna de ellas. A Maricruz Nájera la felicitamos por otros motivos: los constantes éxitos histriónicos de sus hijos Odiseo, Demian y Bruno Bichir, sin olvidarnos los de su nieto. A propósito, Demian es el protagonista de la película mexicana más esperada durante nuestro mes más patrio: “Hidalgo, la historia jamás contada”, donde comparte créditos con nuestra sobrina Ana de la Reguera y con la actriz tampiqueña Cecilia Suárez.
Más nombres: Aída Pierce, Miguel Palmer (su hija Valeria no se quedó con ganas de saludarlo, como tampoco la mamá de ésta), Maricarmen Resendez, Carlos Ignacio, Gabriela Goldsmith, Fred Roldán, Sara Montes, Pablo Ferrel, Yolanda Ciani, Araht de la Torre (papá), Carla Estrada, Rogelio Guerra, Vanessa Bauche, Fernando Vigoritto, Martha Julia, Manolo Bernal y Rosita Pelayo.
El momento más emotivo de la noche fue cuando los anfitriones (los ya mencionados Juan y Guillermo) presentaron al papá de la homenajeada, don Luis Sánchez Silva, así como a su hija, Valerie Schleosser Sánchez, quien lloró con la misma fuerza que las Cataratas del Niágara, sobre todo, cuando la Lazareno dijo: "Estoy segura que Blanca, donde esté, debe estar contenta y tomada de la mano de mi hija Paulina".
¿Qué nos pareció la escenificación?: MARAVILLOSA -así con mayúscula- y con dos interpretaciones fuera de serie: Susana, como Naty; Norma, como Gracia.
Prueba de lo anterior, las calurosas ovaciones que el público les brindó de pie.
No dejen de ver “Cómo envejecer con Gracia”, una obra de Mayo Simon, con todos los ingredientes para pasar dos horas fuera de serie.
Por hoy, es todo.

   
UN LUGAR ENTRE LAS NUBES
Eugenia Galeano Inclán,                   15 de julio de 2010
Para inducir a sus hijos en el gusto por el teatro, los padres deben tener mucho cuidado



al elegir qué obra será la inaugural. De este primer encuentro depende que surja una
afición o un rechazo. El teatro para niños ha ido evolucionando a través de los tiempos y
afortunadamente cada vez hay más y mejores opciones. Sin embargo, aún quedan algunas
compañías que anuncian como teatro infantil espectáculos realizados al ‘ahí se va’, con
textos primitivos o pésimas adaptaciones de cuentos tradicionales, y con vestuarios de lo-
que-encontré-por-ahí, sin tomar en cuenta la inteligencia natural de los niños, su perspicacia
ni la gran noción tecnológica que tienen ahora –casi desde su nacimiento– por el uso
cotidiano de aparatos que nosotros ni nos imaginábamos que existirían. Para dar idea de
lo que puede ocurrir, sabemos de una mujer que ilusionada llevó a su pequeño hijo a ver
una versión de “Hansel y Gretel”, en donde la bruja era un tosco hombre travestido, con
maquillaje exagerado y atuendo estrafalario. Fue tan impactante el susto que se llevó el
niño que hasta la fecha –unos quince años después– todavía se resiste a acudir al teatro.
Grupo55 Teatro es una compañía integrada por profesionales especializados en teatro
lúdico para adultos, niños y jóvenes. Desde su creación en el año de 1987
ha desarrollado un intenso trabajo creativo en el área artística, en la pedagógica y en la
creación de materiales didácticos lo que lo ha convertido en un referente ineludible de las
artes escénicas para niños y jóvenes en el país. Durante el período comprendido entre 1993
y 2004 la recién desaparecida Perla Szuchmacher fungió como codirectora de Grupo55,
en donde realizó tareas de dirección, dramaturgia, entrenamiento corporal de actores,
coreografía y capacitación. Para muestra basta un botón, así que sólo mencionaremos dos
de los montajes más memorables y representativos de Grupo55 Teatro: “Malas Palabras”
y “Hombrecito”.
A fin de conmemorar su vigésimo aniversario, Grupo55 Teatro decidió llevar a escena una
obra especial, para lo cual solicitó la colaboración de la compañía británica Quicksilver
Theatre, cuyo lema es: “Historias Grandes Personas Chicas”. En el campo del teatro
infantil, la compañía Quicksilver Theatre ha logrado mantenerse en la cúspide durante
más de treinta años gracias a la calidad de sus espectáculos. Siempre han considerado que
el teatro infantil antes que nada tiene que ser buen teatro. Para los montajes, sus puntos
básicos son: pensar en los niños desde el corazón mismo del proceso creativo, proyectando
atraer tanto su intelecto como sus emociones; abarcar todas las formas de arte, y plasmar en
escena la fuerza energética de cada lugar donde se presentan.
Carey English y Guy Holland del Quicksilver Theatre son los autores de “Un lugar entre
las nubes”. Con una trayectoria de más de 25 años creando obras para público infantil,
comentan que les tomó dos años de investigación en Inglaterra e Italia escribir esta obra.
Al darse la tercera llamada de “Un lugar entre las Nubes”, veremos a dos repartidores
que llegan a entregar una caja, el lugar de destino es precisamente el teatro en donde
estamos. ¿Qué contiene la caja? Un equipo de “Cuéntelo usted mismo”. La sencillez de los
repartidores nos permite ver que son distintos en costumbres y educación, uno es ordenado,
mientras que la otra es despreocupada. Tendrán que conciliar sus diferencias para poder
utilizar el equipo que trajeron. El relato que nos ofrecen es acerca de una princesa que está
deseosa de encontrar a su abuelo, quien se encuentra en la etapa final de su vida.
A lo largo del relato van utilizando todos y cada uno de los elementos contenidos en la
caja (cartulinas, crayolas, ganchos para ropa, cajas de diferentes tamaños, pliegos de
papel y telas en texturas y colores diversos) para crear personajes, paisajes o situaciones,
estimulando la imaginación de los pequeños para que en casa traten de inventar una
historia y jueguen con lo que tengan a mano. Paralelamente, se van manejando diversos
sentimientos. La inquietud de la princesa por encontrar a su abuelo la hace superar el
miedo a lo desconocido para ir en su búsqueda. La importancia del amor familiar. Lo
mucho que nos dejan los mayores en cuanto a conocimientos y cariño. El inminente adiós
del abuelo, quien apaciblemente dará a entender que parte hacia un lugar mágico entre
nubes y estrellas. Con esto, se pretende que los chicos comprendan mejor las relaciones
humanas y estén más preparados para cuando tengan que lidiar con alguna ausencia.
La forma tan lúdica y dinámica en que se representa el estructurado texto, bajo la atinada
dirección de Guy Holland, con la asistencia de Carlos Ceja, y el buen desempeño actoral
por parte de los polifacéticos Angélica Rogel y Tizoc Arroyo, aparte del carisma personal
que despliegan en escena, logran que los niños participen activamente durante la función,
interactuando en forma constante. La música es original y fue creada por el autor inglés
Rob Lee. Angélica y Tizoc alternan funciones con Lourdes Echevarría y Noé Alvarado.
Recomendamos ampliamente “Un Lugar entre las Nubes”. Téngala en cuenta como
una excelente opción para sus hijos en esta época de vacaciones. El teatro es cultura
y aprendizaje. Después de la función, le sugerimos intercambiar opiniones con sus
acompañantes para que cada quien tenga oportunidad de expresar lo que piensa y lo que le
Un Lugar entre las Nubes se presenta:
Sábados y Domingos a la una de la tarde, en el Teatro Sergio Magaña
La temporada inició el sábado 3 de julio y concluye el domingo

Teatrikando      
El Principito, 1943-2010
Por BENJAMINBERNAL

En esta obra hay un pequeño elenco, Eden Pintos (El show de terror de Rocky), Lorena Villegas, Victor Leon y Ioné Cervantes, con dramaturgia del mismo Ione y dirección de Sergio Cuéllar. Es un teatro cómodo para llegar en autobús, metrobus  o en auto. Se encuentra en la esquina de las avenidas Revolución y Jalisco, donde antes fue un cine. Si no busca usted las comodidades y lujos de otros teatros, este es el lugar adecuado. Ya fui una función de adultos y otra de niños, en las dos me sentí a gusto. Es un montaje casi profesional.
Quizá los trajes y caracterizaciones necesiten una revisión, las giras internacionales que van a realizar lo ameritan. Son clásicos el Rico, el Rey, la vanidosa, elementos para que se comunique el complejo texto de Saint Exupery, en mi lejana juventud se creyó que era un libro para niños, pero creo que no; más bien es una inteligente crítica a los padres. Siempre queremos tener la razón, al ver teatro para chavitos juzgo por sus rostros y la dificultad que tienen los padres en tenerlos quietos. En este caso, veo que los papas por momentos les tienen que llamar la atención para que se callen. Eso se modifica en algunos momentos, como cuando aparece un personaje que parece payaso, es reconocible y le prestan atención, esperan ver qué tiene que hacer para entretenerlos.
Me gustó la reacción cuando está al frente el bebedor, ese que dice “bebo por la verguenza”¿de qué? “Pues la verguenza que me da beber” Es un momento menos abstracto que otros, donde los conceptos tienden más a impactar el público de mayor edad. En esta época todos los espectáculos tienden a la música fuerte, colores chillantes y rápida sucesión de diálogos con conceptos de uso cotidiano. Claro, si fuera cotidiano ver en la calle robots, vampiros y pájaros que persigue un zorro tonto.
 “No hay que entender a las flores, sólo admirarlas” es una buena referencia a conceptos que después se generalizarían, a fin de cuentas es de 1943, que no me digan que es concepto universal, porque en nombre de esta frase se siguen cometiendo errores garrafales como escenificar la Bella Durmiente en una época donde las madres visten a las niñas de nueve años como adolescentes. Y los mercadólogos aprovechan esa anticipación para venderles de todo.  El Farolero tiene un buen momento al apagar y encender, quizá le ayudaría coordinarlo con la cabina.
Es un segmento que generalmente logra el interés del público, obras infantiles que atraen a la gente, los grandes corporativos atienden a los niños sólo con precios de primer mundo, es una actividad que por eso tiene jalón en un foro céntrico donde se pueda llegar cómodamente. Es cierto que el mensaje de El Principito es atractivo a los padres y abuelos, en tanto los medios masivos le apoyen,dando espacio para que vuelva a ser un personaje tan famoso como los Transformers.
Organizan en este foro algo como el grupo Ocesa,un club de amigos del teatro para tenerles informados de los estrenos y ofertas, ya que un alto porcentaje de padres, hijos grandes y pequeños checan sus correos constantemente, es buena idea para crear otro tipo de redes que antes se comunicaban por medio de la charla. Es el más poderoso medio de difusión, cuando alguien dice “véala, mis niños salieron contentos“ Eso es lo que vale. 

Teatrikando
Penealogías
Por  BENJAMIN BERNAL

En un bello recinto, el Teatro Hipódromo Condesa vimos Penealogías, tiene buenos actores, Juan Velazquez, Daniel Aguila y Juan Antonio Gomez dan una conferencia sobre la sexualidad y genitalidad, para que nos divirtamos enormidades. Vestidos con smoking y tenis,como les vimos a los Beatles, durante más de dos horas nos hacen disfrutar una noche de lujo. Así nos vamos enterando de las tradiciones bíblicas, sexología, dichos populares y de ocurrencias para que salgamos más cultos y divertidos después de una semana de trabajo,   bien rematada por una sesión en que había mujeres y hombres de todas las edades, se divirtieron mucho.  
Usan bromas gastadas como invitar  a la calma ”Dalai”, aseguran que “Tocaremos algo que nos sobrecoge a todos. Se quiso suavizar  el tema llamándole Penélope, tilín, pipi, ¿qué tiene de malo decir Pene? En la calle se le dice el cabezón, la corneta, la sin hueso, minotauro, no  ve y tiene ojito, no es analgésico pero quita el dolor, sin pertenecer a ningún club le llaman miembro, todo un caballero se para que te sientes” Vaya, sigue un método parecido a Monólogos de la Vagina, a pesar de que fingen leer, todo esta memorizado.
¿Cuántas veces pensó usted en el las recientes 24 horas? No lo niegue, dígalo, acomodando, rascando, viendo a una chica. La porra, dame una P. Dame una E. Dame una P. Dame una E. ¿Qué dice? Se siente mejor ¿después detener esa palabra en la boca? ¿En las mañanas no se ve especialmente inquietito? Al pasar por los puestos de periódicos nos obliga a ver las portadas de revistas con encueradas.  Se  discute en  los programas de radio y TV si “ellas” les ven el paquete.  No, no se toma el biagra como si  fueran Halls. En realidad todo el tiempo es para planear el viernes, llamamos a la novia,  a la esposa, vamos a ver un show, a tomar una copa y a darle gusto al…
¿Para qué se inventaron las copas? Para perder el miedo a seducir. ¿Y ellas? Para perder el miedo a  ser seducidas. Alguien ha jugado competencias para ver quién tiene más… Acerca de la medida (talla) mundial informan que 13 a 18 cms. 23 es extraordinario. 12.5 se va  a examen extraordinario. El fenomenal y extraño caso de 45 cms. El público rie a carcajadas  y los comediantes se los cotorrean.
Mencionan a los dioses que usan esta símbolo: Shiva, Osisris, Dionisos, Priapo, también  de brujería: pasarse un huevo por todo el cuerpo para el mal de ojo (si yo se que parece imposible)  ¿Por qué será que las mujeres lo conocen más?  Corren ciertas leyendas  populares sobre él,  se dice que el pie  indica su tamaño, la nariz el color, así que se enamoró del payaso.  No hay estéticas que hagan Penicure. No no existe el medicamento que se llama p*t* bismol.
Un porno escritor hizo un prepucio, pucio y postpucio.  Existe una chamarrita de prepucios, claro, el calor y frio lo haría incómoda. Es divertido el segmento que habla de las reacciones, si ella es asmática, religiosa, torera, matemática, positiva, las asesinas seriales (si se  sale te…)¿ Y el piercing?  Se habla  de la etimología de la palabra Fuck (siglas de la  autorización del rey pa`ponerle  Jorge al niño)
 Chistes gastados también hay: ¿en que se parecen las mujeres a los mosquitos? Que  se levantan, frotan los ojitos  y ¡a molestar¡ Una encuesta dice que es como que las wiskas, todas las gatas lo prefieren. Si sospechas  que traigo aquí… (oh,  así canta Cri Cri) Termina el show con una poesía para relajar el relajo creado y All you need is love. Recomendable, en la esquina  de Ave. Revolución y Jalisco.  
     
UNA TRAGEDIA CONVERTIDA EN POESÍA  EN
MEDEA DEL OLIMAR
Por: Alejandro Laborie Elías
A partir de un hecho real, una mujer de 33 años de edad que asesinó a su hijita en una provincia de Uruguay, la dramaturga Mariana Percovich transformó una tragedia en un poema dramatúrgico que lleva por título Medea del Olimar, en el marco inaugural de Teatro a una sola voz, Festival de Monólogos 2010.
         Con diez ediciones anteriores, este festival se ha consolidado y este año contará con ocho ciudades de la República Mexicana como sedes, lo cual lo convierte en la mayor vitrina de esta modalidad, que como ya se ha mencionado en varias ocasiones es un verdadero reto para quien incursiona en ella porque deja a un solo actor  o actriz frente al público, desnudo con todas sus virtudes y carencias. No se puede olvidar  que muchos sostienen que el monólogo no es teatro, sólo un ejercicio escénico.
         Mariana pertenece a la generación que surgió en la década de los 90, en su natal Uruguay. Ella es una directora que no encontraba textos acordes a lo que ella quería transmitir, ni por el tipo de lenguaje y formas que estaban en boga en esa época en su país. Por ello decidió escribir sus propios textos y así pasó a formar parte de un grupo de autores-directores.
Ella no pasa por alto que una dramaturga cuando dirige su propia obra, puede y debe traicionarse si las circunstancias del montaje así lo indican, esto es, no se tiene porque respetar el texto original, aún cuando considera que desde el mismo momento en que está escribiendo va imaginando el montaje, al menos en sus aspectos básicos. Acepta que una puesta en escena se enriquece con lo que ella denomina “dramaturgia del actor”.
Medea del Olimar, evoca a esa mujer que la tragedia griega inmortalizó y hay una empatía entre el personaje real que inspiró a Mariana y la trama universalmente conocida. Por otra parte, Olimar es un río uruguayo, sin embargo la palabra forma parte de la letra de varias canciones y cuando no se emplea para referirse al río, adquiere un significado relativo a la provincia, al medio rural y pueblerino.
La presentación en la Ciudad de México fue bien acogida, aún cuando algunos mostraron cierta confusión, porque más que un montaje lo visto está más cercano a una lectura dramatizada. De hecho la “escenografía” estuvo integrada por tres atriles y un banquito y salvo ciertos fragmentos, la actriz Bertha Rosa Moreno Nieves leyó todo el texto.
Desde la perspectiva de Mariana la idea es que Bertha nunca se aprenda de memoria el texto, lo que permitirá una cierta improvisación y que la anécdota vaya evolucionando a medida que transcurran sus presentaciones.
Bertha tiene poco desplazamiento escénico, lo loable de su trabajo es el manejo de voz, porque con este valioso instrumento logra que cada palabra, cada idea, cada metáfora penetre en lo más sensible del espectador; no se trata de una obra que se limite a narrar un hecho de la nota roja y llevarlo al tablado, simplemente toma el acontecimiento y, como ya se mencionó, lo transforma en un poema dramatúrgico.
Al término de la función, no se sabe por qué esa mujer asesinó a su hijita, tampoco importa, sólo sabemos que el destino final de aquella fue el manicomio, que libró el linchamiento y que no tuvo la compasión de nadie, ni de su propio abogado defensor.
Mariana se vale del multimedia para ilustrar algunas ideas e inclusive hay imágenes que se valen de la metáfora para ilustrar conceptos, como siete muñecos en una cama, que a la postre se traducen como el hacinamiento en el que viven muchas personas pobres de nuestra América Latina.
Medea del Olimar es un gran ejemplo de cómo la realidad enriquece al teatro y éste puede convertir la acción más degradante de la sociedad en un texto sublime, en un canto colmado de belleza, el arte en su máxima expresión.

Julio 2010
LOS BATRACIOS NADAN Y BRINCAN EN EL ESCENARIO Y CUENTAN SU MILENARIA MITOLOGÍA
 Por: Alejandro Laborie Elías
 Cuando escuchamos la palabra batracios, mentalmente nos formamos la imagen de las ranas y de los sapos. Los segundos producen, normalmente, terror, al menos asco, a la mayoría de los seres humanos y las primeras una cierta curiosidad. Lo único cierto es que desconocemos sus características, formas de vida y su historia.
          El teatro es el medio idóneo para contar historias y Mauricio Eugenio Galaz, a partir de su fascinación por esos enigmáticos seres, decidió llevar a escena la mitología que rodea su devenir. Claro, todo es producto de la imaginación y cada quien es libre de asumirla o no, de creerla o no, de contarla o no, pero al menos tendrá más información sobre esta parte del Reino Animal.
          La obra se intitula Batracio y acontece en la nación de los seres anfibios. Un joven, Ranita San Antonio, emprende un largo viaje por los diferentes lugares donde habitan las múltiples especies emparentadas con él. Durante el trayecto descubre que hay algunos que no pueden salir de los estanques: los ajolotes. Trata de averiguar el por qué en ellos no se logra la metamorfosis y en su búsqueda encontrará una serie de personajes y conocerá una serie de leyendas, que a la postre será la mitología que el espectador se lleve del teatro.
          En un primer momento la dramaturgia de Mauricio Eugenio es discutible. Inicia a partir de un teatro didáctico, interesante pero aburrido; la trama tarda en cuajar y el texto es plano, monorrítmico y sin un hilo conductor coherente; algunos toques de humor y una clase, apoyada en multimedia para que quede claro el contenido del tema. En esta primera parte, por decirlo así, es el trabajo corporal y el vestuario de los actores los que mantienen un cierto interés en la propuesta.
          La proyección del fondo del escenario simula el estanque donde los batracios existen y una estructura tubular permite imaginar cuando están en el agua o sobre la superficie. Los movimientos corporales de los actores suponen su desplazamiento acuífero o los brincos terrestres.
         Para fortuna de los espectadores el texto cobra interés a medida que transcurre, sin llegar a ser algo extraordinario, pero al menos atractivo por unos minutos. Tal vez quede en la memoria por la singularidad de los protagonistas y un cierto ingenio en el tejido de la mitología.
          Como ya se esbozo, la escenografía está compuesta por una estructura tubular, muy bien aprovechada por cierto, y un par de peceras, que a la postre no tienen mayor relevancia, además del apoyo del multimedia y efectos sonoros. La iluminación pésima.
          Lo que vale la pena destacar es el trabajo de los actores-bailarines, quienes hacen gala de una habilidad digna de todo reconocimiento. El esfuerzo físico que les exige el director –responsabilidad que recae en el propio Mauricio Eugenio- los pone en serios riesgos durante todo el desarrollo de la puesta. Más que actores, en realidad se trata de cirqueros, acróbatas, atletas que se entregan al máximo en el escenario.
         Los movimientos corporales alcanzan el grado de coreografía en determinados momentos. Así como se puede alabar su destreza corporal, cuando dejan de brincar y desplazarse por el tubular, esto es, cuando dicen sus parlamentos quietos, de la admiración pasan al desastre: voces planas, sin ritmo ni entonación, además las palabras se ahogan por el mismo esfuerzo requerido.
          Ricardo de los Cobos, Enrique Alguibay y el propio Mauricio Eugenio Galaz, son los tres intrépidos que dan vida a los diferentes representantes de los anfibios. Un texto difícil de montar con hombres –o mujeres- que no reúnan determinadas aptitudes corpóreas, al menos que se haga una propuesta diferente, lo cual se ve difícil porque el atractivo del presente montaje se centra en el teatro físico y en la acrobacia.
          Claro, como buen amante de los animales y, suponemos de la naturaleza, el final se enmarca en el romanticismo de los que están preocupados por el deterioro ecológico y, nuevamente, el multimedia sirve para ilustrar el triste final de algunas especies.
          Batracio, se representa en el Foro Shakespeare, de la Ciudad de México, los martes a las 20:30 horas, hasta el 28 de septiembre.
 Julio 2010

ENDGAME O LA NO PERTENENCIA
Por Perla Schwartz

El subsuelo, una cloaca, el espacio o tal vez el inframundo es el
espacio donde conviven Ham y Clov, ellos son como dos hermanos
siameses, son codependientes, el uno de otro; se aman y se odian, se
necesitan, pero serían felices de vivir el uno sin el otro.
Ham permanece sentado, enceguecido, oculto bajo unas gafas
oscuras. Clov deambula, parado en unos zancos, camina a brincos
para ocultar su inseguridad. Ellos son los personajes centrales
de “Endgame”, espectáculo basado en “Fin de partida” de Samue
Beckett (1906- 1989), con una traducción de Claudio Obregón y
con una concepción escénica, del siempre propositivo Abraham
Oceransky, director y responsable de la sórdida escenografía.
Es el 11º estreno de la Compañía Nacional de Teatro. “Endgame”
presenta un universo fragmentado y caótico, donde lo cotidiano
obedece a una serie de reglas preestablecidas, los ritos son
reiterativos hasta el cansancio, y es imposible escapar de un laberinto
donde todo hecho es concéntrico y carente de sustancia.
Nadie escapa a la fatalidad de su destino, y a la creciente destrucción
de la humanidad. La no pertenencia, el desarraigo, el tormento por
sobrevivir a través de dosis mínimas de afecto son el leif motiv de un
texto contundente, tan actual, que cuando emergió de la pluma de
Beckett en 1957.
Ham es interpretado por un solvente y mesurado Claudio Obregón,
en un personaje que se erige como un caprichoso dictador tirano del
otro, él busca ser obedecido hasta en el más mínimo de sus caprichos,
por un sumiso Clov, caracterizado por Diego Jáuregui en una de sus
interpretaciones más destacadas. Él sabe imprimir la más diversa
gama de matices a un Clov que pasa de la exaltación a la tristeza
más profunda.
Entre Ham y Clov se establece ese juego entre víctima y victimario.
Oceransky sabe jugar con un absurdo que oscila entre el raciocinio y
la incertidumbre. Crea un ámbito asfixiante, donde la desolación se
impone a un mínimo hálito de esperanza.
También participan con breves roles: Gabriela Núñez, alternan
Octavio Michel y Luis Lesher, e interviene David Lynn, como la
sombra. “Endgame”, que inició temporada el 28 de junio para
culminarla el próximo 1 de agosto es un retrato agudo de cómo el ser
humano es reiterativo hasta el cansancio y que si bien la existencia
humana puede tener algunos momentos estelares, el resto es una
caída sin retorno a la desazón y el absurdo.
“Endgame” se presenta martes y miércoles a las 20 horas en el
Teatro Benito Juárez , y sábados y domingos a las 12 horas en la sede
de la Compañía Nacional de Teatro.

 

Egmont
Magnífica Julieta Egurrola y sólido Roberto Soto
Por BENJAMIN BERNAL


Es muy interesante ver esta obra e imaginar el contexto del autor, Johann Wolfgang von Goethe, quizá le haya dedicado cuatro años a escribirla, cuando faltaba un año para el inicio de la Revolución Francesa, el tenía aproximadamente cuarenta años. Se habla en la obra de una revuelta que no llega a darse. Este hombre de cultura amplísima, abogado, poeta, dramaturgo, con estudios científicos, entre otras ramas del conocimiento ¿estaba advirtiendo así sobre la situación social de su momento? probablemente. En su estreno, Egmont, no interesó al público, pero le hizo algún tratamiento Schiller, hasta redujo su extensión. Goethe siguió empeñado en mejorarla y así logra que Beethoven escriba la música incidental, misma que escuchamos en el Teatro de las Artes para que saliéramos todos con la sensación de haber visto un montaje singular además de bellísimo.
Forma parte de la celebración por el Centenario y el Bicentenario, mostrando con un drama monumental lo que debería ser una lección para todos los gobernantes del mundo: las desigualdades deben ser atendidas de inmediato. El teatro se convierte así en vehículo que denuncia, imagine usted que la anécdota sigue vigente hoy que han pasado doscientos treinta y seis años. Todo esto que le digo es para explicar a usted que Juan Villoro hace la versión adecuando el lenguaje a la actualidad, aunque se extraña un poco más de la voz del poeta, no quita un ápice del texto sino lo hace agradable al aficionado común. El tiene en su haber varios libros, entre ellos con tema futbolero  (Dios es redondo) y recientemente uno que habla del narcotráfico (La alfombra roja)
El director de escena es Mauricio García Lozano, quien logra un trabajo deslumbrante para mostrar los ideales del autor, que mueven a reflexionar sobre los festejos que se dan en medio de un México que sufre por demasiadas calamidades, eso mejor ni se lo platico, pues seguramente como yo, está harto de las páginas rojas.
Los actores son de primer orden como usted puede imaginar: Julieta Egurrola, Marco Antonio García, Erika de la Llave, Rodrigo Vazquez, Teresa Rábago, Roberto Soto, Luis Rábago, entre otros, pues el elenco es amplísimo. Se ubica la acción en Bruselas después de que estuvo dominado por los españoles, hay una historia de amor incumplido y por supuesto un suicidio, muy al estilo de la época romántica.
Las instalaciones mecánicas y el equipo computarizado del Teatro de las Artes permitieron  lucir la escenografía magnífica de Fernando Féres, bajo las órdenes de Jorge Ballina, taludes que son túneles o recintos, grandes telas que decoran, se parten y simbolizan la unidad desarticulada, paredes de madera se levantan para que sea su prisión. Así logran un ágil avance a esta obra que excede las dos horas, pero es aceptable por las buenas actuaciones y el tema candente que fue el motivo de plática en el coctel: ¿ya la vieron los gobernantes?
El amor que no se llega a ver plenamente satisfecho y las nocivas órdenes que vienen de España logran hacer de éste drama una pieza interesante que deben ver chicos y grandes, ya que poco se representa a Goethe, la última vez que le vi, hace veinticinco años,  fue  a través de su obra Clavijo, dirigía HéctorAzar -creo recordar-   
Centro Nacional de las Artes, Tlalpan y Rio Churubusco, se podrá ver hasta el 1de agosto.

ODISEA ARTÍSTICA DEL GÉNESIS AL APOCALIPSIS EN TRANSVERSALES 2010
Por: Alejandro Laborie Elías

A partir de las narraciones bíblicas, Manah Depauw y Bernard Van Eeghem, realizaron un recorrido artístico, creativo y propositivo del Génesis al Apocalipsis, en una representación escénica sui géneris, en el marco del encuentro Transversales 2010, que se lleva a cabo en las ciudades de Pachuca, Hgo. y en la capital de la República Mexicana, bajo el sello de Margarita Productions, procedente de Bélgica.

         La lectura consiste en una representación del origen del mundo, de cómo fue concebido por Dios, aclarando que no es una recreación del primer libro de la Biblia, sino de una reinterpretación, que se adentra a aspectos sociales, psicológicos y antropológicos del ser humano y su participación en los tiempos contemporáneos.

         De una tranquilidad inicial, donde todo era armonía y paz, elementos con los que el Creador se deleitaba, algo pasó que vino a trastornar la concepción original. Dios al ver tanta belleza decidió que requería algo de movimiento y así concibió a los animales, pero siguió y surgió el hombre, con lo que todo se vino al traste.

         Aparecen “las bestias ocultas” y éstas habitan en la persona humana. Las consecuencias, entre otras, adquieren tintes políticos, y emergen los Estados Unidos, con su poderosa fuerza bélica para combatir y exterminar  esos demonios, esto es el diablo atacando al diablo. Cabe aclarar que no es un recorrido bíblico en estricto sentido, ya que se da un brinco del primero al último de los textos del Nuevo Testamento –sin olvidar el martirio de Cristo-, para llegar de lleno al fin del mundo, pero no en la forma que habitualmente nos imaginamos sino …

         La representación escénica está dividida en tres partes. Los actores se desempeñan en unas escenografías, por denominarlas de alguna forma, que no son otra cosa que unas grandes maquetas llenas de pequeños objetos que van adquiriendo significados reales y metafóricos: arbolitos, animalitos, tanquecitos, soldaditos y un largo etcétera.

         La actriz es la encargada de manipularlos, es como si una niña se pusiera a jugar y la historia fuera la creación y destrucción del mundo. El actor, en un primer momento, emerge de esas maquetas y sólo su cabeza queda a la vista del público. Sin embargo, con sólo con ésta logra transmitir al publico una variedad emocional impresionante, al grado que se representa la crucifixión en forma notable y sencilla.

         En una primera parte hay un texto que es escuchado en off –en esta ocasión no hubo subtitulaje-, sin embargo las imágenes tiene tal grado de plasticidad que el espectador no tiene mayores problemas para seguir lo que acontece con esos pequeños objetos con los que interactuaron los actores.

         Entre actos, la producción se vale del multimedia, para recrear a un Adán y a una Eva que rompen con los convencionalismos; tal vez provocativos, pero no irreverentes, más bien creativos y tratando de encontrar una nueva, al menos alternativa, de ver la relación Dios-Hombre-mujer-Mundo.

         Como parte de es enajenación, de esos demonios sueltos que atacan al hombre –siguiendo la máxima de Hobbes de que el hombre es el lobo del hombre- aparecen las marcas comerciales que dirigen la vida de los que hoy son conocidos como consumidores, en realidad aquellos que son consumidos por los artículos que la publicidad les encaja.

         Margarita Productions, se granjeó el respeto y reconocimiento del público, con su propuesta intitulada How do you like my landscape? Lo lamentable fue que sólo hubo una función. Bienvenidos este tipo de espectáculos que reiteran lo que hemos sostenido en varias ocasiones: el mejor teatro es el que se hace con la imaginación, no con millones de pesos.

Julio 2010


    
En Julio acudió Bruno Bichir a divertir niños, en Estancias Infantiles

No se lo cuente a su madre
y
¿Qué hacemos con mamá?
Por Mariana Jano
Una vieja dama simpática y ridícula le pregunta a su nieto quien
viste un tutú rosa y revolotea por la sala -¿A qué crees que juegas?
-A mi femineidad.
Contundente y espontáneo el nieto ha sentido ya euforia y salvación,
desnudó su alma e ignoro a su abuela.
Habría que preguntarle cómo se volvió libre, mientras en el trance
la abuela perdió la memoria y apareció un extraño vendedor de
enciclopedias.
La obra de Luis Alcocer No se lo cuente a su madre apareció en
la recopilación
Nuestros dramaturgos de Yucatán, editado por el
fondo Tierra adentro y al igual que ¿Qué hacemos con mamá? Que
se presenta en la misma función, forma parte de cinco obras breves
tituladas anteriormente Las vaginas tenían dientes y salían de noche a
comer por los campos.
Con suculentos platillos como pierna en su jugo, se le abrió el
apetito a dos parejas que celebran en una cena en casa de la madre
de uno de ellos, e la segunda obra.
La madre, maltrecha, sucia y medio coja al perecer incapaz de hacer
nada, merodea por la sala. La escena nos hace recordar a cierto poeta
que decía que la alegría de espantar es algo profundo y duradero.
Bueno con tales alegrías se me olvidaron los
¡20 minutos de
intermedio! señores, practiquen lo que más les da placer… porque sí,
esa noche, en el Centro Cultural de la Diversidad, en la Col. Roma,
los actores salieron impecablemente bien caracterizados, dieron lo
mejor de sí como Nacho Rodríguez, Juan Romanca o Miguel Plata y
fueron muy prudentes con las indicaciones del director Juan Ramón
Góngora.
Luis Alcocer, es también investigador, guionista y además
de publicar, trabaja para el CITRU (Centro de Investigación
Teatral Rodolfo Usigli). Estas obras se refieren, según comentó a
actualizaciones muy personales de la dramaturgia del Théatre du
Grand Guignol, término que tal como se utiliza hoy en día se refiere
a cualquier entretenimiento dramático que se ocupa de lo macabro y
características de violencia gráfica, y que viene del teatro parisino que
el público horrorizado vio por más de 60 años. El teatro fue fundado
en 1897 por Oscar Metenier como una extensión del teatro naturista,
es decir que contenía entre otros elementos una visión sombría
de la vida. El Grand Guignol cerró sus puertas en 1962 y el cierre
se atribuye al hecho de que los horrores de imitación habían sido
eclipsados por los acontecimientos reales del holocausto dos décadas
antes.
“Nunca podría igualar Buchenwald” dijo su director final, Charles
Nonon. Antes de la guerra todo el mundo sentía que lo que estaba
sucediendo en el escenario era imposible. Ahora sabemos que estas
cosas y peor aún son posibles en la realidad”.
En estas dos obras cortas, que en breve van a provincia, sin duda
como diría John Zorn hay una referencia a la parte más oscura de
nuestra existencia que siempre ha estado con nosotros y siempre lo
estará.

LAS MUERTAS

Eugenia Galeano Inclán
9 de julio de 2010

Al inicio de los años sesentas una nota roja conmocionó a nuestro país. En León,
Guanajuato fueron exhumados los cadáveres de unas jóvenes mujeres y este fue la
clave para desenmascarar a “Las Poquianchis”, dos hermanas que se habían dedicado al
lenocinio. La magnitud del impacto fue tal que a pesar del transcurso de los años se sigue
hablando de esa historia, tanto así que si preguntáramos a algún adolescente es casi seguro
que sabe de la existencia de “Las Poquianchis”. Se dice que el periódico llamado “Alarma”
debe su fama precisamente a esa noticia, a partir de la cual creció y tuvo que ampliar su
circulación.
El reportero Enrique Estrada Barrera que por aquel tiempo trabajaba para El Heraldo
cuenta que antes de que las comunicaciones fueran inmediatas, los periodistas trabajaban
directamente con la policía para obtener sus notas. Fue él quien publicó dos denuncias
contra “Las Poquianchis”, la primera, el día 13 de octubre de 1963, a través de un reportaje
de ocho columnas bajo el encabezado “Banda de Tratantes de Blancas Descubierta en
Lagos de Moreno; Vienen de la frontera a vender a jovencitas; Revelaciones hechas por
una de las que los lenones explotan inhumanamente”. La segunda, el día 21 de octubre de
1963, en un reportaje de igual formato que encabezó como “Escandalosa Trata de Blancas;
Comprueba la Policía Jalisciense la denuncia de varias jovencitas; moderna Sodoma y
Gomorra en la vecina Lagos y las Autoridades toman cartas para frenar el vicio”. Estas
notas provocaron curiosidad pero no fue sino hasta el macabro hallazgo que se produjo el
verdadero impacto. El domingo 12 de enero de 1964 fue la fecha en que se llevó a cabo la
primera detención oficial.
De cualquier forma, de estos lamentables sucesos derivaron cosas buenas relacionadas con
el arte. Jorge Ibargüengoitia, reconocido escritor y periodista mexicano recopiló datos y en
1977 produjo su obra “Las Muertas”. Inspirado en “Las Muertas”, Felipe Cazals, director
de cine galardonado con tres Arieles, filmó en 1976 “Las Poquianchis” que casi todos los
mexicanos acudieron a ver a las salas cinematográficas.
El músico Enrique González-
Medina encomendó a D.J. Carlile un libreto basado en la novela “Las Muertas” y produjo
una ópera cómica bajo el nombre de “Serafina y Arcángela” que fue estrenada en el Teatro
State Playhouse en Los Angeles, California, en 2001. Ahora, toca el turno a Martín Acosta,
quien apenas estaba naciendo cuando sucedieron los hechos, hacer un montaje basado en el
texto de Ibargüengoitia, proyecto que acarició durante mucho tiempo.
Martín Acosta ha puesto al servicio del montaje su amplia experiencia y su profundo
conocimiento de la teatralidad. La estructura es impecable y cada escena ha sido cuidada
hasta en el detalle más insignificante. Con muy poca escenografía, utilizando ciertos trastes
y elementos, se ubica perfectamente al espectador. Los actores son estudiantes de CasAzul
que con este montaje concluyen su carrera de actuación.
A lo largo de la escenificación de “Las Muertas” se van entretejiendo dos aspectos
distintos de la historia en forma tal que en lugar de oponerse se complementan uno a otro.
Por un lado, se encuentra la sordidez del asunto, para lo cual tendremos que presenciar
declaraciones ante el ministerio público y algunas confesiones. Por el otro lado, se
encuentra el lado humano de los personajes, su candidez, su buena voluntad, sus anhelos,
sus ilusiones. Junto con ellos recorreremos lugares de Guanajuato y Jalisco y tendremos
una idea muy cercana a la realidad de cómo fueron la Casa del Molino o el Casino del
Danzón.
Por momentos, pudiera parecer que estamos ante un documental por lo narrativo de la
historia, pero la pasión que ponen los personajes en el relato, la agilidad del desplazamiento
escénico y la secuencia entre uno y otro cuadro, capta totalmente el interés del espectador,
haciendo que resulte imprescindible conocer más y más detalles.
Con base en el texto de Ibargüengoitia, Martín realizó una adaptación para teatro, en
donde delineó en forma precisa cada personaje con sus defectos y virtudes y en forma
acertada repartió los roles entre sus alumnos, tomando en cuenta sus rasgos físicos y sus
habilidades histriónicas. El entusiasmo que puso en este montaje se tradujo en una sinergia
tan atrayente que envolvió a todo el grupo y es así como logra que jóvenes estudiantes
de actuación, hijas de familia, con educación y principios morales se transformen
en auténticas prostitutas y luzcan vulgares y desvergonzadas en total desparpajo.
Cada escena fue bordada teatralmente a pulso, adicionando el montaje con uno que otro
cuadro deportivo y adecuadas coreografías con música incidental acorde a la época, como
por ejemplo el vibrante danzón Nereidas. El vestuario diseñado por Mario Marín del Río
complementa la acción atinadamente. El espacio escénico ideado por Mario Marín del Río,
Martha Benítez y Martín Acosta es el adecuado de principio a fin. Gran ingenio muestran
en el uso de los elementos escénicos, incluso para la representación de las muertas. El
diseño de iluminación lo realizó Martha Benítez y el diseño de movimiento Ichi Balmori.
Otro acierto de Martín fue lograr que los incipientes actores formaran un grupo homogéneo
(cosa rara entre estudiantes), ofreciendo excelentes interpretaciones, aún en sus dobles
o múltiples personajes. El reparto está conformado por: Adriana Montes de Oca, Paola
Torres Rico, Denise Farjat, Saúl Mercado, Joaquín Herrera, Edgar Salas, Diana Elizabeth
Torres, Itzel Amador, Zaira Ballesteros, Gimena Gómez, Diana Medrano Sáenz, Estefanía
Martínez, Gisel Casas Almaraz, Daniela García Cortés, Emmanuel Cebreros, Gerardo
Miranda Arbona y Norma Mora. A todos ellos, nuestra felicitación.
“Las Muertas” es un montaje digno de verse, se lo recomendamos ampliamente y
sugerimos que se apresure porque estará poco tiempo en cartelera.
Las Muertas se presenta:
Sábado 10 de julio a las siete de la noche
Miércoles 14 y 21 de julio a las ocho de la noche
en el Teatro El Milagro

MOLOK O DE LA VIOLENCIA
Eugenia Galeano Inclán

7 de julio de 2010
Con la presentación de “Molok o de la Violencia” concluye la residencia en el Teatro El
Milagro del grupo El Regreso de Ulises al mando de Mariana García Franco. Como lo
comentamos anteriormente, “Molok o de la Violencia” es la que dio inicio a la trilogía de
trabajos sobre la violencia que fueron emanando de laboratorios teatrales realizados por los
integrantes del grupo bajo la supervisión y dirección de Mariana.
El tiempo transcurrido desde el nacimiento de “Molok o de la Violencia” y la puesta
en escena de las otras dos partes de la trilogía [“El Rapto” y “Parajes Desoladores” –
segunda y tercera, respectivamente–] nos brindan la oportunidad de apreciar con detalle los
elementos evolutivos del proceso que registra este grupo. Notamos que antes daban mayor
espacio a la dramaturgia, toda vez que en “Molok o de la Violencia” existe un texto que
acompaña a los personajes a lo largo de la obra y las palabras no son tan repetitivas como
en “Parajes Desoladores”. El trabajo corporal está siempre presente como parte esencial
del grupo. Las imágenes multimedia son incorporadas a los espectáculos cada vez con
mayor eficacia. La música –casi siempre original– coadyuva a lograr el entorno apropiado
y a imprimir un sello particular. La temática elegida es la violencia, sin embargo, aún con
la trilogía completa no alcanzan a tocar fondo en la misma. La violencia es tan ancestral
como la humanidad y tan amplia como el mundo. Quizá la juventud de los integrantes
del grupo y la fortuna de no haber experimentado en carne propia la violencia es lo que
les limita su exploración. Curiosamente, en su espectáculo “Sin Nombre” –que no forma
parte de la trilogía– hay más referentes al tema, dado que hay imágenes que remiten al
holocausto.
Mariana García Franco comentó que en lugar de poner énfasis en la violencia social como
tal, se abocaron a esa violencia mental que es la que propicia la física: “Es una reflexión
sobre los motivos que detonan esa violencia en nuestra sociedad y cómo se va gestando
en nuestro cerebro para que eso suceda”. Para tal efecto, tomaron como punto de partida
el texto original del levítico que es el tercer libro del Pentateuco del Antiguo Testamento.
Para referirnos a Molok, transcriben de Levítico 20 1–5: “Si un hombre cualquiera entrega
a sus hijos a Molok, morirá irremisiblemente, el pueblo de la tierra lo lapidará. Yo mismo
volveré mi rostro contra ese hombre y lo extirparé de en medio de su pueblo, por haber
entregado un hijo suyo a Molok”. Así mismo, toman de ese Levítico algunas de los
decretos que se escuchan dentro de la obra.
Según relata la Biblia, el culto religioso de los Cananeos consistía en quemar a sus hijos
pequeños vivos dentro de una estatua de bronce al rojo vivo llamada "Molok", hecho que
ha sido corroborado a través de descubrimientos arqueológicos. Los pueblos cananeos
acostumbraban a ofrecer sacrificios humanos y a practicar actos de sodomía ritual. Con el
propósito de frenar esto, se emitió el Levítico, supuestamente dictado por el dios Jehovah.
Desde nuestro punto de vista, “Molok o de la Violencia” es un espectáculo que más
que estar impregnado de violencia lo está de erotismo. Desde el inicio, nos reciben con
una escena de bella plasticidad. Los personajes se encuentran en el piso, uno sobre otro,
totalmente al desnudo. Al darse la tercera llamada, se ponen de pie y se visten para luego
reunirse alrededor de una mesa cual si estuvieran en la reunión de una célula secreta,
en donde al líder, dictador, sumo sacerdote o lo que sea le serán leídos los proyectos de
decreto para su aprobación, todos y cada uno de dichos decretos relacionados con lo que
no está permitido en cuanto a relaciones íntimas. El ambiente es bastante relajado. Se ven
jóvenes dispuestos a explorar su naturaleza sensual para vivirla y disfrutarla al máximo.
Son seres en libertad que no se imponen limitación alguna, están abiertos a cualquier tipo
de experiencia. Sobre la mesa se inspecciona el cuerpo de la joven que lee los decretos –
su rostro denota el orgullo que siente por ser la elegida. Una chica platica sobre sus sueños
con animales, otros desean bailar y lo harán con quien esté dispuesto a acompañarlos.
Alguna ya dañada por el abuso de las drogas ofrece algo para inhalar a los demás. Un
círculo cerrado en donde todos están por voluntad propia, donde no se fuerza a nadie
a hacer lo que no desee y donde todos se sienten libres, se ven radiantes y satisfechos.
Como de costumbre, aplaudimos el compromiso de los actores y su buen desempeño
corporal. En esta ocasión conforman el reparto: Sophie Alexander-Katz, Soraya Barraza,
Gutemberg Brito, Ignacio Ferreira, Gisela García Trigos, Edson Martínez, Patricia Ortíz,
Maricela Peñalosa y Daniel Rivera. El espectáculo es de Mariana García Franco. La
música original y el diseño sonoro son de Rodrigo Espinosa, el video de Ignacio Ferreira, la
iluminación de Didier Alexander y el trabajo corporal de Edson Martínez. Mariana García
Franco logra de todo su equipo un trabajo comprometido y atinado.
Es un hecho que con “Molok o de la Violencia”, El Regreso de Ulises logra su objetivo
de entablar un diálogo con el espectador. El público habrá de tener una reacción tras
adentrarse en el mundo que se escenifica. El obtuso quizá se sienta intimidado ante
tanta piel. Al tradicional tal vez le disguste una historia que no es clásica. El sensible
podrá sentirse contagiado de tanta sensualidad y correrá al lado de su pareja para cerrar
con broche de oro la noche. Si usted desea saber cuál es su reacción, tendrá que acudir a
ver “Molok o de la Violencia”. Se la recomendamos.
Molok o de la violencia
se presenta los
Martes a las ocho y media de la noche
en el Teatro El Milagro

Teatrikando

 Por BENJAMIN BERNAL

Usted esta ahí

Es una obra cuya trama parte de Tebas y poco a poco va mostrando su afinidad con nuestra época. Se entrevista Zaide con el elevado funcionario público que deberá tomar decisiones sobre un muchacho secuestrado. Si, así  se convierte en la vocera de muchos mexicanos que han sufrido un delito, con mayor precisión se habla de un secuestro (Wallace) que puede ser el famoso caso en que una madre angustiada hace más que las autoridades. No pueden o no quieren, pero el caso les rebasa poco a poco, los medios se conmueven de esa mujer y le abren espacios. Al menos quiere el cuerpo.

Rodrigo Murray, Karina Gidi, José Carlos Rodríguez, Miguel Conde,  Sonia Franco acompañan a la dama de mente clara que quiere recuperar a su hijo, aunque sea simbólicamente. Es un texto interesante, que sale de lo gastado, para ver un rompimiento de la realidad, del tiempo, lugares, para dar paso al enfrentamiento de dos fuerzas igual de poderosas, el  funcionario que desea votos y la mujer que clama justicia. Teatro El Galeón, sábados y domingos. Excelente en cada uno de loselementos que intervienen, destaca la dirección de Lorena Maza al texto de Bárbara Colio.

Juan Ignacio Aranda dirige JoJo, historia de un saltimbanqui



Juan  Ignacio (hijo de López Tarso) estuvo en cartelera “El Primero” en el teatro Ofelia, dirigido por Susana Alexander, una obra que muestra el ansia y angustia por lograr estar el inicio  de una fila, fue a inicios de 2010. Bueno, su escuela lleva escena “Jo Jo historia de un saltimbanqui”, en la carpa del Anahuacalli, Museo 150, cerca de División del Norte, colonia San Pablo Tepetlapa.  6 al 9 de julio, a las 20 horas, inicia el viernes. Habla de un niño que siente que todo está en su contra, pero al unirse a un circo todo cambia, es un espectáculo lleno de acrobacia y color; recuerde que a veces el trabajo estudiantil supera en sinceridad y entrega. Esperamos verlos ahora en una versión comercial con  este mismo grupo.

 Festival Cabaretero en el Vicio

En Madrid 13, Coyoacán, puede usted ver todos los días, diferentes montajes de Teatro Cabaret. Acabo de ver Bird Brains, con Anna Jacobs, Ryder Cooley y Gretchen Hildebran, viene de Nueva York para mostrarnos una historia ecologista, humorístico, en el que  mezcla acrobacia, cine, interpretan guitarra, acordeón, para llevarnos a pasear por los aires en un avión, en el trapecio. La barrera del idioma se rompe con letreros, con la pantomima para que usted se preocupe por el pájaro Dodo a punto de desaparecer. En realidad miles de especies están amenazadas. Todos los dias hasta el 28 podrá usted  acudir a ver a Astrid Haddad (3 julio) Andres Carreño ( domingo 4) Vanessa Bauche (martes 6) Esto es una muestra, pero diario hay tres montajes, internacionales varios de ellos.  

 Aida

Vimos la ópera  rock Aida en el Teatro Rafael Solana dirigidos por Marco Antonio y Beto Torres. Es poco conocida esta creación de Elton John y Tim Rice, brillan varios actores y actrices, entre ellos nos llamaron la atención los intérpretes de Aida y el General, del que se enamora, en una recreación de Romeo y Julieta en Egipto; realmente nos llenaron el ojo. Es una maravilla la recreación de la escenografía y vestuario, realmente son muy creativos. Felicidades, fue una pequeña temporada pero vienen más.

La venganza de don Mendo

 Roberto Sen sacó de su librero esta obra de Pedro Muñoz Seca y nos divirtió enormidades, es más, la convirtió en musical. Le acompañan Ana Bertha Espín, Wilebaldo López, René Azcoitia, dentro de un enooorme elenco. Bello trabajo con bromas cultas y albureras para el gusto de todo público. 
"Qué tipo tan inoportuno, además, canta como vacuno" "Esta mora, que en la zarza mora" "No puede  andarse con pigmeos, haciendo tantos flirteos" Son algunos de los versos ripiosos que nos regala Roberto Sen.
La vi en el Jorge  Negrete, pero va hacer temporada itinerante con el sistema Teatro del Pueblo. Donde la vea anunciada, no deje de verla.  



Teatro, teatro y más teatro (ACTUAL)

29 Junio 2010
Sección:
EL BREVE ESPACIO I
Autor: Mario de la Reguera


ATESTIGUAMOS el debut de Sherlyn en “Mamma mia!”, pensando que el público brillaría por su ausencia, ya que ese domingo, a la misma hora, México se enfrentaba a Argentina, dentro del Campeonato Mundial de Futbol.
Lo anterior motivó que no confirmáramos nuestra asistencia a Hugo Hernández y Elena Mendoza -leáse, prensa de Ocesa Teatro-, pero ¡oh sorpresa! el Teatro Telmex estaba tan repleto que estuvimos a punto de quedarnos sin butaca.
Sherlyn , quien además participa los domingos por la mañana en el montaje “Mago de Oz”, dio vida a Sophie, papel que tiene como titular a Gloria Aura, una niña tan mona y talentosa como su flamante alternante.
Lo primero que nos asombró de “Mamma mia!”fue descubrir la voz de Frida dando vida a Donna, personaje que dejó vacante Rocío Banquells y que también encarnan Pia Aun y María Filippini.
Las canciones de ABBA suenan diferentes interpretadas por Frida, aunque, para nuestro gusto, la actriz y cantante idónea para encabezar este delicioso musical hubiera sido Angélica María.
Fue la primera vez que no vimos a Carlos Rivera escenificando a Sky, de ahí que su sustituto no generara los aullidos que las admiradora del apuesto tlaxcalteca acostumbran lanzar apenas asoma las narices.
El director José Solé fue de las pocas caras conocidas que descubrimos, así como la del actor guatemalteco Iván Rodríguez Payeras, quien, por cierto, esta semana lo veremos actuando en un par de capítulos de la telenovela “Zacatillo”.
Al terminar la función, salimos disparados al programa “Fórmula Dominical”, que conduce Flor Rubio, donde lo primero que comentamos sobre la actuación de Sherlyn fue: ¡Prueba superada!, a pesar que antes de este debut sólo vio una vez la obra, sin pensar que un día sería parte de ella. “Después me hablaron y ensayé como tres semanas, además casi todas las funciones de viernes, sábado y domingo me las aventé sentada, tomando notas y revisando todo; estoy feliz con mi estreno y seguramente me voy a ir a casa a dormir 12 horas seguidas”, subrayó la nueva Sophie, ante la cara de beneplácito del productor Morris Gilbert.
DOBLANDO la hoja: Se va “Buenas noches, mamá” del Teatro Libanés, pero ya viene “La retirada”, con Rogelio Guerra y Nuria Bages al frente del reparto, donde el verdadero anzuelo para ver esta obra será José María de Tavira, el atractivo novio de Ana Claudia Talancón, quien lo tendrá más cerca que nunca, escénicamente hablando, ya que los teatros donde ambos trabajan están a escasos 250 metros de distancia.
BRUNO Bichir protagonizará, en noviembre próximo, la obra teatral “El coleccionista” junto a la ojibella Bárbara Mori, confirmó el productor Jorge Ortiz de Pinedo, luego de que Gael García desechó la invitación que le giró.
MARIMAR Vega, por su parte, siempre no formará parte del elenco de “5 mujeres usando el mismo vestido”, pues Raúl Quintanilla acaba de presentar el elenco y el lugar que ocuparía la novia de Adrian Uribe ahora lo tiene Lucía Leyva.
En cambio, el reparto original, cononformado por Paola Núñez, Erika de la Rosa, Cecilia Ponce, Griselda Contreras y Fernando Alonso, sí está contemplado para debutar, en el Telón de Asfalto, el próximo 16 de julio.
Por cierto, habría sido la quinta obra que hubiera escenificado la primogénita del actor Gonzalo Vega.
AHORA que Erick del Castillo estuvo presentando su espectáculo “¡Llegó la Revolución señores!”, en el Teatro Blanquita, comentó que recibió por parte de Paramount Pictures una oferta para encarnar a San Pedro en una película que iniciará su rodaje el próximo mes de septiembre. El primer actor indicó que ya recibió el libreto, pero no ha tenido oportunidad de leer debido a su absorbente trabajo en la telenovela “Soy tu Dueña”, donde tiene a su cargo el padre del protagonista.
OTRA puesta que se avecina es la nueva producción de Rubén Lara: “Las Heridas del Viento”, cuyo elenco lo forman Otto Sirgo, Osvaldo de León, Mauricio Mejía y Pablo Cruz.
Ya les contaremos más al respecto.
Por hoy, es todo.


Teatrikando

Por BENJAMIN BERNAL
Teatro en Prisiones

Arturo Morell  presentará su película Don Quijote: un grito de libertad, que realizó a lo largo de diez años, al enseñar teatro en las cárceles del país. Les enseñó cómo escenificar el famoso musical, con cantantes, bailarines, actores, internos de los mismos centros de reclusión.  Lo estrenó en la Cineteca hace ocho años y después fue nombrado cónsul en Miami, Florida. Lo va a presentar en el  Tower Theater de Miami Florida, el jueves 8 de julio. Es un orgullo ser parte del filme, ya que acudimos al penal de Querétaro a presenciarlo, Andres Roemer fue otro de los visitantes. Lo felicitamos.
El grupo Jadevolucion-arte monta “Demos libertad al preso” un trabajo encabezado por Donnovan Santos que lleva a las prisiones del Estado de Guerrero,con un enorme éxito, ahora usted puede verlo, se presenta los días 1, 8 y 15 de julio, a las 16 horas,  en el foro José Martí cercano a la Alameda Central. Es divertido y tiene un positivo fondo. Sin costo.

Don Quijote, por Carlos Bracho
En el Julio Prieto, antes Xola, Carlos Bracho, el estupendo actor que usted conoce, ha realizado un gran trabajo literario para dar vida al personaje más conocido de la literatura universal. Toma varias escenas conocidas y otras que no habíamos leído hace muchos años, para reflexionar sobre la locura humana, la justicia, el amor, la amistad, el valor y los humanos que se creen dueños de la lógica. Sólo los viernes a las 20 horas ahí en la colonia Narvarte.

Zoot Suit celebra 70 años de vida a Luis Valdez
Esta obra de Luis Valdez, que defiende con humor el respeto a los Derechos Humanos, cumplió 100 funciones, además, celebró los 70 años del autor Luis Valdez. México Norteamericano que vino a ver el estreno que se hizo de Zoot Suit con la Compañía Nacional de Teatro, se quedó algunos meses y le hicieron una fiesta ¡con Mariachis¡ en el Juan Ruiz de Alarcón, de la Ciudad Universitaria, por cierto le quedan pocas funciones de jueves a domingo.

End Game estrenó con la Compañía Nacional Teatro
En la sede de la CNT, ubicada en Francisco Sosa 159,Coyoacán, se presenta los sábados y domingo a las 20 horas, dura hora y media. Vimos en un gran nivel a Claudio Obregón, Diego Jáuregui, Gabriela Nuñez y Octavio Michel, con ayuda de Luis Lesher y David Lynn, como sombras. La ruptura con la lógica y la visión humorística de nuestras ideas, los conceptos, prejuicios, todo “lo que es obvio”, familia “socialmente obligatoria y probada”, no mencionaremos los probados gobiernos que siempre tienen la razon. ¿Por qué obedecemos a ciertas personas? Padres, curas, políticos? He visto la obra en varias ocasiones y la dirección hace la diferencia, en este caso es Abraham Oceransky y logra integrar el humor negro con la belleza, además de un grupo actoral de gran nivel. Claudio Obregón es el viejo que domina, ordena, y Diego el que obedece. ¿Conoce una pareja así?  


LA TRAGEDIA INTERIOR DEL SER HUMANO Y SUS RELACIONES DEPENDIENTES BAJO LA PERSPECTIVA DE SAMUEL BECKETT

Por: Alejandro Laborie Elías

En el mundo contemporáneo son muchos los que sostienen que la mayor tragedia del ser humano es su propia existencia, el debate interior que vive día a día y, como consecuencia, las relaciones de dependencia y enfermizas que establece con sus semejantes. El tema ha sido tratado por infinidad de especialistas, psicólogos, sociólogos, antropólogos, entre otros, y, no podía ser la excepción, por dramaturgos.

         Samuel Beckett es uno de los autores teatrales más destacados en este rubro, no sólo por el espléndido manejo del lenguaje, esto es la forma, sino por la profundidad, inteligencia y conocimiento sobre la trascendencia o intrascendencia del devenir de la persona, el fondo del conflicto existencial.

         Como dramaturgo no tuvo la menor consideración, desnudo el alma humana sin piedad, abordó los misterios del comportamiento que no tienen explicación lógica, lo único que en verdad sabemos es que son conductas que se dan y que son difíciles de erradicar. Más loable es que se adelantó a su época, porque varias de sus obras parecen un diagnóstico de la sociedad del siglo XXI; no es que antes no existiera esta problemática, tal vez se ha dado desde que el hombre es hombre, sólo que se ha agravado y Beckett tuvo la visión de plasmarlo dramatúrgicamente.

         Claudio Obregón se abocó a traducir, Abraham Oceransky llevar al escenario el texto Final de partida, ahora bajo el título de Endgame. El trabajo del primero es bueno. Con relación al director, es del dominio público que Abraham se ha distinguido por ser provocador, innovador, irreverente, apartado de los convencionalismos, un verdadero revolucionario y, por qué no, temerario de las artes escénicas, para gusto de muchos y disgusto de no pocos ortodoxos del quehacer teatral, llámense críticos o espectadores. Esa era la expectativa en la comunidad teatral: ¿Con que nos va a sorprender Oceransky en esta ocasión? La cuestión es sí el montaje reúne todos o algunos de los adjetivos arriba mencionados o nos quedamos con hambre de ver al director que provoca controversia en cualquier lugar donde se presenta.
         Creo que Abraham no satisfizo nuestras expectativas, esperábamos más de él. Creo que, como suele suceder, es presa de sus propios lenguajes, de sus convencionalismos –si se me permite la expresión-, el director revolucionario se ha institucionalizado en sus formas y ya no hay una renovación fresca. Esto no se debe entender que su propuesta no tenga sus propios méritos, simplemente, a fuerza de ser reiterativos, esperábamos mucho más del maestro Oceransky.

         Claudio Obregón lleva uno de los protagónicos. Es lamentable aceptar que el tiempo no pasa en vano y el otrora mejor actor del teatro mexicano –claro, desde mi particular punto de vista- está anquilosado; un hombre que da su mayor esfuerzo pero ya minado en sus posibilidades reales en el escenario.

Es innegable que tiene momentos brillantes, pero ya no es aquel que con su sola presencia llenaba el espacio, él que con su sola voz cautivaba al público. En esta ocasión pierde el género y convierte su participación en una comedia, cosa lamentable cuando se trata de un texto de Beckett que no fue concebido para que la gente se carcajee a cada momento como si se tratara de una de un texto ligero y no de un autor que provoca la reflexión, con algo de humor negro, cierto. Lo que hay que aceptar es que la gente lo respeta, conoce su trayectoria y lo menos que hace es tributarle un reconocimiento con el aplauso sincero a quien se admira.

Diego Jáuregui alterna con Claudio y, por momentos lo supera con creces, sin negar que cae en el ritmo y tono de éste, dicho de otra forma y reiterando, los dos se van a la comedia. El resto del reparto lo integran Gabriela Núñez, Octavio Michel y David Lynn.

La escenografía es también responsabilidad de Oceransky, que es de lo más acertado del montaje, así como la iluminación, maquillaje y vestuario, créditos que omite el programa de mano.

Endgame es una producción de la Compañía Nacional de Teatro que dirige el maestro Luis de Tavira. La temporada alternará fucnicones: Sala de la Casa de la CNT, del 3 de julio al 1º de agosto a las 12:00 horas y en Teatro Benito Juárez del 13 al 28 de julio, martes y miércoles a las 20:00 horas.

Junio 2010


          
Teatrikando

End Game estrenó con la Compañía Nacional Teatro

Por BENJAMIN BERNAL
En la sede de la CNT, ubicada en Francisco Sosa 159, Coyoacán, se presenta Final de Partida  los sábados y domingos a las 20 horas, dura sólo hora y media. Vimos en un gran nivel a Claudio Obregón, Diego Jáuregui, Gabriela Nuñez y Octavio Michel, con ayuda de Luis Lesher y David Lynn, como sombras. Habla de la ruptura con la lógica y permite reírnos con la visión humorística de nuestras ideas, los conceptos, prejuicios, todo “lo que es obvio”, la familia “socialmente obligatoria y probada”, por no mencionar los gobiernos que siempre tienen la razón. ¿Por qué obedecemos a ciertas personas? Padres, curas o líderes? Quizá usted tenga la respuesta.

He visto la obra en varias ocasiones y la dirección hace la diferencia, en este caso es Abraham Oceransky y logra integrar el humor negro con la belleza, la escenografía merece mención aparte por bella y funcional; además logra reunir un grupo actoral de gran nivel. Claudio Obregón es el viejo que domina, ordena, y Diego el avasallado. ¿Conoce una pareja así?

Muchas veces he visto esta obra con otros directores que le dan una visión gris, nebulosa, densa, como si fuera una propuesta filosófica, existencialista en que me desgarro las vestiduras y muestro que hay intensidades obscuras y vehementes, lamentos de la vida para entrar en la catarsis vivificadora. Yo no veo así a Beckett , es una fuente de encuentros, carcajadas para devenir en llanto interno al habernos reconocido relacionados con nuestro mundo; estructurado de forma monolítica, aunque por dentro parezca queso gruyere. 

Al salir vemos reflexionando internamente o con nuestros amigos para olvidar el dolor de una vida  irreflexiva y también los dias de locura que vive México, absolutamente faltos de sentido, los libros de historia serán escritos por Ionesco y Beckett sin que nadie note la diferencia. Un gran montaje del director de Simio.


GAEL García le hizo "fuchi" a Bárbara Mori, César Costa pospone la escenificación del musical "El suéter", hoy habrá noche gay en la segunda función de "Todo sobre mi madre"

- Ginny Hoffman fue homenajeada en "Confesiones de mujeres de más de 30"

EL  BREVE  ESPACIO

- Por culpa de "Teresa", Ana Brenda abandona "Timbiriche, el musical"
- Sherlyn debutará, el próximo domingo, en la comedia "Mamma mia!"
- Mayté Perroni y Sebastián Zurita estrenan hoy "Cena de matrimonios"

Por Mario DE LA REGUERA


PARECE que fue ayer, pero la simpática comedia "Confesiones de mujeres de más de 30" cumplió 13 años en cartelera y, de paso, celebró antenoche las 3 mil 400 y 3 mil 500 representaciones, donde, además, se homenajeó a Ginny Hoffman, por sus 30 años de actividad artística.
La cita fue en el Teatro Jorge Negrete, el cual tuvo lleno total, para beneplácito del productor Morris Gilbert y su reparto conformado por: Bricia Orozco, Lolita Cortés y la ya mencionada Hoffman, quienes se mostraron como apunta el programa de mano: explosivas, gloriosas y regias.
Casi al final se les unieron Marissa Saavedra y María Sandoval, quienes, próximamente, se sumarán al reparto de esta obra que tuvo como padrinos a: Gloria Aura, Carlos Rivera y la colega Ana María Alvarado.
Momento emotivo de esta triple celebración fue el video que proyectaron en honor de Ginny: desde sus primeras actuaciones -encabezadas por el programa de televisión "Chiquilladas"- hasta las últimas en varias telenovelas, sin olvidar su participación en el musical "Anita, la huerfanita", al lado de otras niñas tan talentosas como ella: Patricia Manterola, Pilar Montenegro y la ya mencionada Lolita Cortés.
  
CONTINUANDO con el tema teatral: Gael García Bernal siempre no participará en la obra de teatro "El coleccionista" junto a Bárbara Mori debido a otros compromisos laborales, informó el productor Jorge Ortiz de Pinedo, ya que el pro
protagonista de "El crimen del padre Amaro" tiene un proyecto de vida en Buenos Aires, se va a Argentina con su familia y tiene un compromiso de trabajo que había pactado tiempo atrás.
César Costa, por su parte, informó que el musical “El suéter”, basado en la época y los sonidos de los 60, será pospuesto de manera indefinida.
A los nostálgicos nos puede mucho esta cancelación, ya que César fue uno de los grandes baladistas de las décadas de los 60 y 70, sobre todo.
También supimos que "Timbiriche, el Musical" tendrá cambios en el elenco, ya que, por ejemplo, Ana Brenda Contreras abandona la obra para integrarse a la nueva versión de la telenovela "Teresa".
Y, por si fuera poco, Alan Estrada deja el personaje masculino central, por problemas familiares, pero su papel será heredado por Efraín Berry, su alternante.
Lo bueno es que Natalia Sosa no abandona esta producción de Alejandro Gou, ya que la cantante veracruzana -con su maravillosa voz- es la pieza clave de la misma.
Por otra parte, la segunda función de "Todo sobre mi madre", en el Teatro Insurgentes, será dedicada esta noche al público gay, 24 horas antes de su tradicional Marcha del Orgullo Gay
A propósito, Ana Claudia Talancón -una de las actrices de esta pieza inspirada en la película de Pedro Almodóvar- anunció: "Me voy a España el 1 de agosto, y permaneceré unas siete semanas, aproximadamente, lamentablemente no les puedo adelantar mucho sobre la película que haré allá.".



























































































Finalmente, Fernanda Castillo debutó ayer en "Monólogos de la vagina" y, pasado mañana, Sherlyn hará lo mismo en el musical "Mamma mia!", aunque, viéndolo bien, la escenificación de "Cena de matrimonios", en el Teatro Nextel del Parque, con Mayté Perroni, Sebastián Zurita, Chantal Andere, Sergio Sendel, Rodrigo Vidal, Gaby Platas y Gabriel Varela, será esta noche el estreno más esperado de la semana.
Por hoy, es todo. 



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